What happens when you sleep?

What happens when you sleep?

Slamdance Film Festival es el nombre de uno de los tantos festivales que se producen al año, instalado en la ciudad de Utah, proyectado en las mismas fechas que el festival grande de la misma ciudad, el Sundance. Sin tanta popularidad, pero la misma arrogancia y soberbia, el Slamdance se auto nombró un festival de verdadero espíritu independiente (sea lo que sea que eso signifique) y agrega ser uno “by filmmakers to filmmakers”

En su ambición, todo festival tiende a ser muy sobrado a la hora de promoverse, sin embargo este abusa de su propio egocentrismo. Sea como sea, directores buscando establecerse en el panorama han aparecido por sus ediciones entre ellos Christopher Nolan (con Memento) Jared Hess (con Napoleon Dynamite) o Marc Forster (con Monster’s Ball) Apariciones de gente como Matt Reeves y J.J. Abrams (con Cloverfield) poco a poco han ido convenciendo que lo independiente nada más era trámite

Su edición 2008 rescató una cinta que ha generado mucho fervor, al menos entre los geeks obsesionados y uno que otro fan desesperanzado del horror, de nombre Paranormal Activity (Peli,2008) Su popularidad ascendente se debe, primero, a que parece ser una cinta ultra low budget con un estilo de falso documental similar al de la valorada/sobrevalorada Blair Witch Project (Sanchez, Myrick, 1999) narrando la experiencia de una pareja que enfrenta en su nueva casa a espíritus o demonios o algo similar. Y segundo, la cada vez mayor proliferación de hechos, anécdotas, leyendas urbanas que se han ido formando en la red conforme se acerca su estreno.

Poco después de ser presentada, con bastante éxito, en el Festival de Toronto (TIFF), surgieron las especulaciones. Una de ellas, vinculaba a un espectador, de nombre Steven Spielberg, que recibió el Screener de dicha cinta y que tuvo que devolverla en una bolsa de basura argumentando que la cinta estaba embrujada (según en su hogar se cerraban puertas y demás maleficios… uy)

Después se filtro el supuesto acuerdo en contrato donde Dreamworks compraba la cinta, pero deseaba producirla con un mayor presupuesto, actores de renombre y la curiosidad original quedaba relegada al DVD Edición Especial, donde planeaban incluirla. En búsqueda de un producto más pulido, se realiza un test screening con algunos potenciales escritores e invitados especiales. De la función salían hordas de invitados, aterrorizados, paranoicos, dementes y, supongo, uno que otro payaso payolero. Debido a la reacción de los supuestos especialistas, el estudio decide estrenarla en pantalla grande, aprovechando la temporada, el mercado y la cantidad de rumores que se producen a diario (¿o no iba a ser Eddie Murphy el actor para encarnar a The Riddler?)

Sin duda, el avance parece interesante. Desafortunadamente, también el de Carriers (Pastor, 2009) y la cinta es espantosamente sosa. Diez años después del planeado y estudiado suceso que en su momento fue la Bruja de Blair, diez años de tanta cintas de horror planeadas, presupuestadas, infladas y, en su mayoría, decepcionantes, alguien creyó que era buena idea repetir el experimento (o Dreamworks se dio cuenta que pago 2 pesos por ella, para exprimirla en millones) Y las críticas le han respondido favorablemente.

Si la publicidad (o canal de distribución) de boca en boca es altamente redituable, también tiene sus desagradables consecuencias. Tampoco es una garantía que Harry Knowles, Bloody Disgusting o Dread Central aseguren que se trata de la mejor película de horror en muchos años. Pero el estilo realidad/ficción mas realidad que ficción llama a la gente. Si están tan acostumbrados a ver CNN todo el día, participes de todo el amarillismo que la cadena vomita, porque no obtener la sensación de estar en medio de un huracán. Claro, desde la comodidad de una butaca, añejos de la responsabilidad, del involucramiento, de las consecuencias. Felices de atestiguar el sufrimiento de alguien más. Felices y acostumbrados.

Coming soon .... - Not! -

Coming soon .... - Not! -

Sitges es uno de los festivales cinematográficos más interesantes en contenido y propuesta. Siendo uno de los pioneros en destacar todo lo envolvente al cine fantástico, de horror, gore y ciencia ficción, es, junto al Festival de Toronto, un festival que no niega su espacio a muchas propuestas que, en muchos lamentables casos, terminan viendo su suerte en formato casero. Como en todos, muchas de esas cintas con el tiempo se han convertido de culto y otras solo rellenaban un horario. La programación de este año es por demás interesante, rescatando propuestas de cada rincón del mundo. Presentada también en el TIIF, una de las cintas fuera de competencia que ha llamado mucho la atención de espectadores es JCVD.

De que los hay, los hay. Conozco a unos varios, por así expresarlo. Pero, mi opinión, aquellos que nunca disfrutaron una cinta del belga Jean Claude Van Damme se privaron de varios de los momentos más divertidos, jocosos y entretenidos del cine de acción de los 80 y 90’s. Muchos nos quejamos (y con razón) de los ochenta, olvidando que esos como Van Damme, Seagal, Norris nos llenaban de emoción y alegría. El belga astro de las artes marciales nunca se destaco por ser buen actor, por elegir buenos papeles o por tener mayores habilidades que girar con un perfecto split. Mi infancia me prohíbe reconocer que era uno de los entretenimientos más imperfectos que uno podía encontrar. Por el contrario, me recuerda la búsqueda frenética que realizaba por conseguir sus primeras cintas, en especial una donde es el villano con poco dialogo. Salí saltando y aplaudiendo después de presenciar Timecop y hasta me divertí con una llamada Maximum Risk. Lo que siguió fue su inminente caída libre.

JCVD es un falso documental de cómo Van Damme regresa a su país natal, desilusionado, endeudado y sin posibilidades de ser feliz en Estados Unidos. Al parecer, la suerte tampoco le sonríe en su país y más bien le trae humillaciones, peleas legales y ser victima de asaltos bancarios. Por lo general se dice que uno se auto flagela evitando ser flagelado por un tercero. No se si reír o llorar, pero sin duda es una cinta que se antoja.

Otra más que se presenta en el Sitges este año es The Informers de Gregor Jordan (Ned Kelly, 2003). Ubicada en 1983, esta cinta esta basada en una serie de cuentos del controvertido Breat Easton Ellis. Como con todas las cintas basadas en el escritor, ya ha generado una tonelada de controversia. Me pregunto que habrá pasado con el proyecto de llevar al cine la novela Glamourama. Por lo pronto, hay que conformarse con esta, que por el trailer, parece muy interesante

Historia de un ladrón de amor

Historia de un ladrón de amor

Para Juniper Girl

El espacio de la gran felicidad: la historia de un ladrón de amor en Osaka
(The Great Happiness Space: Tale of an Osaka Love Thief
Dir. Jake Clenell, 2006)

Si como muchos dicen (o decimos) que el amor es una ficción, un veneno del que poco a poco nos volvemos todos adictos, ¿Por qué existe una búsqueda incansable por alcanzarlo o encontrarlo?. Que el amor es un capricho, una pasión que solo dura 4 años. Que el amor es una ilusión que simula un estado de bienestar y felicidad. Que busca rellenar carencias de uno mismo. Que es lo mismo que comer un chocolate.

Lo mismo hemos pasado por romances pasionales cortos, que por relaciones estables largas y todas han llevado en algún punto a la misma conclusión: el supuesto bienestar se transforma en frustración. ¿Es un error que estamos destinados a repetir toda nuestra vida? Todos tenemos la urgencia o necesidad de incluir a alguien en nuestras vidas, alguien que provoque y permita emociones, pasiones. Compartir con alguien nuestras experiencias o simplemente sentirnos importantes para la otra persona. El amor es una experiencia individual que siempre encuentra justificación para su desarrollo.

El festival de documentales de nombre Ambulante (que se ha ido sosteniendo por su afortunada programación que por lo general incluye al menos un documental representativo de cada continente) tuvo el gran acierto de traer uno que muestra un lado poco conocido de Japón y sus clubes underground.

Este estupendo documental explora uno de ellos, de nombre Rakkyo Café, donde por una módica cantidad, es posible comprar el amor, aunque sea solo por una noche. La cultura asiática no es medible y quizá no es entendible simplemente por la frecuencia con la que su cine, literatura y televisión ha llegado a nuestro país. Será por eso que las primeras imágenes del documental causan entre la audiencia cierto extrañamiento, risas discretas y miradas sospechosas. Ellos (los chicos) se preparan, se maquillan, se visten con la mejor ropa y los mejores accesorios. Salen a la calle, cual cazador por su presa, a tratar de convencer a mujeres que transiten para entrar al club y pasar un rato agradable entre ellos. Ellas, mujeres adineradas, son capaces de gastar todo lo que han ganado en una semana por una noche con ellos. Y la fiesta, entre mucho alcohol y canciones, parece tan distante y absurda, para un público (como el mexicano) que de una u otra forma tiene cierta represión para hablar del amor como un producto más, uno que se vende muy caro.

Los anfitriones tienen que venderse y su venta tiene que durar para que sea lucrativa. Su líder Issei lo explica diciendo que se dedican a vender sueños, a vender ilusiones. Los anfitriones las “curan”. Mientras ellas paguen una fuerte suma de dinero, ellos las harán sentir como princesas.

El director Jake Clennell no toma ningún favoritismo, se inclina por el camino más honesto. Entre entrevistas con las chicas que frecuentan el lugar y los propios anfitriones trata de enseñar hasta donde una persona puede llegar por un poco de ese sentimiento tan complejo. Durante su recorrido, descubrimos lo extraño del lugar y su convivencia. La indiferencia de los anfitriones hacia sus clientes, los sentimientos de las chicas hacia ellos (en especial hacia Issei) que van desde el simple enamoramiento, pasando por el deseo de casarse con alguno, hasta el grado de morir por ellos. Cuando en cierto momento, todo esto se vuelve repetitivo y agotado, viene una vuelta de tuerca tan interesante y tan intensa que las piezas se juntan: el momento en que ellas revelan a que se dedican y cuál es el verdadero motivo de su frecuencia al club.

En ese momento, uno no puede más que entender y hasta identificarse con ambos bandos. Ellas (no me atrevo a revelar su secreto) solitarias, juzgadas, ven su vida transformada en algo hermoso, algo anhelado. El lugar no las juzga, ni las castiga, pero tampoco las entiende, ni las aleja, simplemente las engaña. Pero el engaño parte de un sentimiento de por sí confuso, que real o falso, produce tanto bienestar que bien vale la pena recorrerlo

Para ellos, el precio de jugar con los sentimientos de los demás (y al final, con los suyos) es de desconfianza a la vida. Perder la propia identidad, perder la posibilidad de sentirse (o creerse) amado.

¿Hasta donde somos capaces de llegar por un poco de felicidad? Cada quien tiene una respuesta. Pero es difícil al final juzgar a una de las mujeres que confiesa, después de decir que moriría por Issei, que bajo ciertas condiciones, se puede comprar el amor. Lo que paga implica ser escuchada, ser entretenida, ser feliz. Lo que paga la hace sonreír. ¿No pagamos por lo mismo todos los días, aunque no sea con dinero?

Hydro Train

Hydro Train

Hablando de la nueva cinta de James Bond, Quantum of Solace, mencionaba que uno de los candidatos a interpretar al espía después de la salida de Pierce Brosnan era Clive Owen. Uno de los roles más famosos y populares de Owen fue como "el conductor" en la saga de los cortometrajes de la BMW. La serie fue celebradísima e incluia a directores renombrados como John Frankenheimer, Ang Lee, Guy Ritchie, John Woo entre otros.

Los comerciales cada vez influyen más y demuestran una enorme calidad y contenido en tan breve tiempo. Existe "La Noche de los Publivoros" donde se muestran los mejores comerciales (según los organizadores) de todos los rincones del mundo. Son cada vez más los directores que han dirigido algún comercial para alguna poderosa empresa.

La multinacional Hydro, una compañía noruega de Energía y Petroleo (que tiene incluso espacio en México) recibio recientemente el León de Plata en Cannes por un anuncio en el que la empresa busca la adición de nueva gente, de gente talentosa, de esos pequeños ingenieros al equipo.

Aunque el video ha sido muy comentado y muy visto (tiene un año de antigüedad), yo apenas lo descubro. Por la calidad y lo emocionante que es, lo comparto con mucho gusto

Aldehídos y Cetonas, o como me fue en el Ficco al final

Aldehídos y Cetonas, o como me fue en el Ficco al final

¿Cuanto cuesta un Torres 20? ¿Porque pagamos un precio que en apariencia parece desorbitante?... Los autos de la marca BMW avisan cuando al automóvil le hace falta un cambio de aceite. Si el conductor/dueño del auto no hace caso, el vehículo automáticamente se desconecta. No hay forma de encenderlo, hasta recibir su cambio de aceite. A estos autos se les adapta un chip en su manufactura, con el que se le deja trabajando toda la noche, mientras el auto manipula sus piezas hasta dejarse perfectamente alineado. No es un comercial de la BMW (ya quisiera que me pagaran por uno), pero en esos momentos la respuesta a ¿porque pagar tanto por un auto? se explica. No solo se paga por un bonito diseño, se paga por todo lo que incluye su tecnología (dicen que a esos autos se les hace el servicio al llegar a los 140,000 km).

¿Porque se paga tanto por un Torres 20? ¿o por un Paradise?.La diferencia entre el 10 y el 20 es considerable. Alguien puede decir "pus me embriago igual con un Richarson". Probablemente con un Richarson (y en su vertiente Malibu) se emborrache uno más y peor. La cruda o resaca con un brandy de precio bajo, precedido de un proceso de destilación mediocre, es inolvidable. No vuelvo a tomar, es la respuesta a tal jaqueca. Y eso, con el tiempo y la frecuencia, puede convertirse en realidad, no volver a tomar una gota de alcohol por indicaciones médicas.

Nunca fui bueno con la química, a pesar de que me gusta mucho y las grandes horas que pase en el laboratorio (destilar el ron y tomar el resultado con refresco es una de las experiencias más horribles de mi vida). Intentando explicar tan breve y torpemente como pueda, una de las cosas que aprendí y he visto en cualquier situación, es la siguiente. Todos los brandys contienen en lo básico tres elementos, los aldehídos en la parte superior, los alcoholes en el medio y las cetonas abajo. Brevemente, los aldehídos en una bebida alcohólica son elementos ligeros, que llegan al cerebro muy rapidamente provocando jaquecas, pero que el metabolismo humano destila con relativa calma. Los aldehídos se quedan en la parte superior de una botella de brandy y las cetonas se estancan en el fondo. Las cetonas son elementos muy pesados y que su expulsión del organismo lleva mucho más tiempo y esfuerzo. Son una especie de brea que se van directo al estomago, con lo que provocan indigestión. Si la bebida es de baja calidad, las cetonas se pegan al alimento y detienen la digestión. Un Torres 10, por explicarlo simple, se forma de los desechos de la formación de un Torres 20. La concentración de cetonas en el 20 es baja, su sabor es muy superior y la resaca es practicamente nula. Su precio es el reflejo de un proceso de un buen proceso de destilado y varios años que, para quienes saben, se justifica plenamente.

Los errores que existan en esa explicación son mios, una disculpa; los aciertos son de alguien más que si sabía y a quien escuche con atención. El argumento químico que he tratado de manifestar, no es solo para mostrarme interesante (nah, si es por eso). O por hacer este post más entretenido o que ocupe más espacio (bueno, un poco hay de eso también). Basicamente, fue lo primero que me vino a la mente al terminar el día 12 del salvaje festival de cine contemporáneo de la Ciudad de México. La cruda que alguna vez tuve luego de tomar mas de 4 litros de Viña Real y la comparación con la que se tiene con un Torres 20. Al final de un festival, la cruda se trata de entender.

De las 260 películas, alcance la cifra de 18. No esta tan mal si tomo en consideración que es al primer festival que le entro en forma. Me queda todavía insatisfecha la cuestión de si la Ciudad de México es la idónea para sostener un festival como este. Las funciones del 29 de Febrero (viernes y quincena) estaban saturadas, el tráfico era angustiante, al contaminación, los rateros, el estacionamiento, el transporte público... todo parecía haberse encontrado en el momento preciso, para hacer de ese día una autentica pesadilla. ¿Que pasa con el Ficco? La calidad de las cintas sigue estando vigente, varias de ellas se presentarón por primera vez, muchas fueron secciones del de Cannes o de Venecia. Puede ser una inconsistencia en su estructura, pero ¿como generar una estructura de cualquier proyecto artístico en una ciudad como esta?. Hay mucho patrocinador interesado en que sus anuncios se muestren antes de cada función (260 veces, na'mas), hay una pequeña contribución del gobierno, hay intereses por parte de la comunidad artística. Pero hay algo que todavía arrastra este festival.

Año con año más espectadores acuden a su llamado, cada año genera más interés, más publicidad y con cierto recelo, es más exitoso. No se como explicar el fenómeno. Quizá se deba a que dejo de ser un festival y se convirtió en una pasarela de personajes que acuden nada más porque lo incluyen en su agenda de eventos culturales. Tal vez la gente entiende menos las cintas presentadas, pero asiste a más esperando que sus dudas se aclaren con la frecuencia. O tal vez se me da por ser amargado y quejarme de cuanta situación se me presenta.

Sin quitarle méritos, el Ficco efectivamente se ha ido convirtiendo en un acontecimiento y ha acercado cine diferente a mucho público. Como aficionado al cine (más no conocedor) me de gusto haber emprendido la aventura. Como ser humano, la experiencia me agoto.

Ver 18 cintas en 13 días es complicado, es la cruda de altas concentraciones de cetonas. Al final, los ojos se me cerraban, me ardían. Los musculos atrofíados de pasar más de 30 horas estaticos en una sala de cine me estan cobrando la factura. Algunas responsabilidades que deje de lado, se acumularon. Problemas de comunicación, de quejas, de resentimientos se me presentarón. La contaminación y el estres contribuyo a mi deterioro. Por momentos, en una cinta, me preguntaba si me daría tiempo llegar a la otra y perdia la atención en que le se proyectaba. Funciones agotadas que me llenaban de frustración. Funciones nocturnas que me producían retrasos (y castigos económicos) en mi trabajo. No quiero, entonces, ni pensar si alguien con las mismas complicaciones que yo, compro un abono por 30 películas, como acabo al final del camino.

Pero las 18 cintas que tuve la oportunidad de presentar valieron la pena. Algunas maravillosas, otras aburridas, otras complejas. Una que otra me entristecio. Otra me lleno de alegría. Una que me pareció lo más nefasto que he visto en el año. Otra que quisiera volver a ver. La emoción para un adicto al cine como yo de brincar de una a otra sala (o sede) para presenciar cintas que no serán tan accesibles en un futuro es el motor que hace que uno termine por aceptar lo agotante del asunto. Me intoxique de cine, eso es un hecho. Y al final, con todo que quiero descansar unos días, ya extraño las visitas a las salas. Uno no puede combatir mucho con sus adicciones solo. Y esta es una que no me interesa combatir. La cruda de los aldehídos, suave, agradable y con gratos recuerdos y sabores

Para terminar, no puedo decir cuál fue la mejor o la peor (como alguna vez leí, "¿mejor para quien?"). Solo puedo ser objetivo con mis gustos personales. Así que, las conclusiones a las que llegue son:

- La que más me gusto: Adentro de Alexandre Bustillo y Julien Maury

- La que más me divirtio: Gloria al Cineasta, de Takeshi Kitano

- La que más me sorprendió: Dr. Plonk de Rolf de Heer

- La más interesante: Ayudame, Eros de Lee Kang Sheeng

- La más equis: Puerto de Embarque de Olivier Assayas

- La más irónica: Los cuentos de Go-Go de Abel Ferrara

- La que ya quiero ver otra vez: Noches Purpura de Wong Kar Wai

- La que no vuelvo a ver, aunque me paguen (o la más nefasta): Otto el Zombie, de Bruce LaBruce

- La que me gusto mucho, pero no se si es tan buena: Una dama para dos, de Claude Chabrol.

- La más aburrida: Capitan Achab de Philipe Ramos

- La que me quede con las ganas: un empate entre Parque Via y Control

A ver que sucede el próximo año. Cuando menos ya tengo la experiencia, ahora a meditar si vuelvo a comprar el abono de 20 películas, o el de 30

Día 12 Ficco 2008

Día 12 Ficco 2008

Una vieja amante (Une vieille maîtresse, Dir. Catherine Breillat, 2007)

* *

La meta última (o primera) de cualquier cineasta es tener su propia voz, su identificación, su trademark. Es díficil a estas alturas conseguir algo como "original" o "único" en el cine, o en cualquier otra profesión. Algunos optan por no buscar mucho y mejor saturar un mismo estilo. Otros tratan de renovar géneros vistos y probados. Los resultados son tan interesantes por lo disimiles que son. Por cada Paul Thomas Anderson hay un Michael Bay en contraparte (Bay cuenta como por 10). Cuando se llama la atención de manera imprevista, se piensa que se ha encontrado una formula. El caso de Catherine Breillat es similar al de muchos cineastas "perseguidos" por sus tematicas y situaciones francamente provocativas. Hay de provocaciones a provocaciones. De extremo a enfermizo. Alguien como Michael Haneke utiliza mucho la muerte, el asesinato, el voyeur como elemento que provocará reacciones encontradas, favorables e incomodas. Breillat ha tomado el camino del sexo como conductor, como motivante, como obstaculo. Y sexo bastante explícito.

Si con Romance X se había ganado elogios y enemistades, siguió su camino con la prohíbida cinta Fat Girl. Y de ahí su insistencia en la misma tematica en diferentes entornos. Con Una Vieja Amante, Breillat hace la adaptación de una novela de Jules Barbey d'Aurevilly, sobre la pasión de dos amantes, Ryno y Vellini, que no encuentra su descenlace. Atados primordialmente por el sexo, ambos amantes transitarán en la decepción, la tragedia, la obstinación y principalmente el odio. Se odian mucho más de lo que se pueden amar. En la víspera de su boda, Ryno analiza su relación con Vellini, la cual empieza con el rechazo y terminará con el mismo rechazo, atado unicamente a sus pasionales encuentros.

Es sin duda su cinta más accesible, lo que ya es decir mucho. Digamos, ya no sale el famoso Rocco Siffredi. Sin embargo, la tematica recurrente de Breillat ahí esta. Aunque bastante tediosa, el asunto nunca pierde interes y tiene el acierto de cerrar la película sin mucho alboroto. Como personas tentadas a las pasiones, hay cargas que no podemos soltar nunca. A veces esas cargas, son personas también. Y no hay forma de deshacerse de ellas. Francamente, no queremos hacerlo.

Gloria al Cineasta (Kantoku · Banzai!, Dir. Takeshi Kitano, 2007)

* * *

Ha sido imposible para mi no ser adicto al cine de Kitano. Personaje emblematico del cine asiatico y una verdadera celebridad (en todos los terminos) de Japón, Kitano ha hecho lo que ha querido. Dejo la escuela de ingeniería por su caracter. Trabajo en un antro de comediantes, donde se le presento su primer oportunidad para actuar y fue conductor de un ultra popular programa de Tokyo (bastante enfermo para gustos occidentales). Se conocio en este continente con una de sus peores cintas, Brother y con el logo de "El Tarantino oriental". Frase que es una soberana falacia. Tarantino le debe su carrera a cineastas como Kitano o Miike, no al revés. Pero a Kitano eso ni lo despeina.

Curioso es que se le conozca más por sus cintas de mafiosos, yakuzas, policias violentos. Películas como la propia Brother, Sonatine y la maravillosa Hana-bi han contribuido a cierto encasillamiento que se le tiene. Quienes hemos seguido su cine muy de cerca, podemos afirmar que Kitano ha incursionado en muchísimos géneros, con bastante acierto.

Será por eso que su más reciente cinta, Gloria al cineasta sirve como recordatorio de sus incursiones en el cine y de las que ha evitado. La cinta, que parece documental, narra la aventura del propio Kitano (viajando con su doble, o stunt) tratando de encontrar la tematica de su siguiente cinta y las ideas que ha tenido. Una auto-parodia de Kitano es de por sí algo que se tiene que revisar. Finalmente entiende que es un chiste. Que todo, al final, es una broma, que puede, en sus manos, ser bien ejecutada. Su incursión a manera de gag en los géneros que menciona es divertidisima. Se burla de la cultura oriental, de la occidental, del encuentro entre ambas. De sus historias, de sus cintas (de Zatoichi, de Kikujiro), de las cintas ajenas. Y la segunda mitad es tan absurda como divertida.

El cine de Kitano es genuino hasta cuando el mismo director quiere hacerlo repetitivo. Pensandolo bien, no solo Tarantino le debe su carrera a Kitano, muchos estan en la lista.

Sukiyaki Western Django (Dir. Takashi Miike, 2007)

* * 1/2

La última cinta que me toco ver del Ficco (por fin) fue esta (no se si decirle nueva) del director más popular del underground (aunque parezca contradictorio). Takashi Miike. Un hombre con más de 70 cintas realizadas, quien dirige cuando menos 4 al año. Popular para muchos porque el mismo festival presento una de sus obras más populares, Ichi The Killer. Cinta que sorprendio a quienes la vieron, porque no habían visto nada similar (vamos, Ichi no es su mejor cinta). Miike esta en todos lados, eso es un hecho. Audition le gano un voto a favor más en circuitos seudo intelectuales.

Sin duda es un director con mucha propuesta y visualización. Con un uso destacado y desmedido de la violencia, Miike (al igual que Kitano) ha transitado por muchos géneros. A diferencia de Kitano, Miike si necesita de la violencia explícita para demostrar algo, lo cual lo ha hecho siempre con solvencia (tendría que mencionar de nuevo a Michael Bay para mostrar la contraparte, puesto que Bay usa efectos especiales sin importarle si tienen sentido). Comedias soberbias y algo psicoticas como The Happiness of the Katakuris, obras violentas como la saga de Dead or Alive, todas tienen un común denominador. La psicosis humana.

Siendo Miike gran amigo de Tarantino, y este último fanatico de los western, era lógico que el siguiente género que tenía que mostrar Miike era el de vaqueros. El escenario es Nevada, donde dos grupos en conflicto se reparten un pequeño pueblo, en la busqueda de la leyenda de un tesoro escondido. Ese es el planteamiento, donde después se descubrirán misterios, personajes y demás elementos que llevarán al enfrentamiento entre el líder de uno de los grupos con el recien llegado forastero, de grandes valores.

El estilo es eminentemente de un Manga, como lo fue con Ichi the Killer. Y como tal, los excesos no son una limitante para contar la historia. Miike transforma a sus personajes en estereotipos orientales (hasta hablan ingles) con accesorios propios de su cultura. Por ejemplo, manejan pistolas y sables por igual con gran destreza. Esta la mujer que huye de su violento pasado, el niño participe de una tragedia, la madre vengativa, el líder brutal e inescrupuloso. El asunto esta tan bien planeado que si hubiera sido trasladado al presente (o al futuro) hubiera funcionado de igual forma.

Miike seguirá rodando 3 o más películas cada año, hasta que la vida le permita. De esas tres, una será excepcional, otra será interesante, otra será un desperdicio. De los errores se aprende mucho. Este western desde el punto de vista de Miike, es interesante y nada más.

Día 11 Ficco 2008

Día 11 Ficco 2008

Rebelión: El Caso Litvinenko (Bunt, Delo Litvinenko, Dir. Andrei Nekrasov, 2007)

* * 1/2

Cuando se destituyó (y se creyo sepultada) la KGB, se reemplazo por otra agencia conocida con las siglas FSB. Técnicamente, era una agencia de seguridad nacional, con tácticas de espionaje, estrategia y primordialmente de información. En algún momento, dicha agencia estuvo bajo las ordenes de un supuesto soldado de nombre Vladimir Putin. Y bajo su cargo (para el caso, bajo el cargo de cualquiera) es agencia se convirtio en una versión remasterizada de la más negativo de KGB.

Rebelión, El Caso Litvinenko es un documental sobre un ex-agente de dicha agencia, Sasha Litvinenko que creyó actuar correctamente cuando denuncio todo lo podrido que representaba el organismo. Fue encarcelado, desterrado y al final asesinado por un sistema que necesitaba deshacerse de él. Acompañado de entrevistas a su esposa, amigos, periodistas, los supuestos asesinos y un archivo donde el propio Sasha expone su caso, vemos una de las muchas formas que el sistema tiene para controlar los daños. Para pocos debe ser sorpresa que la información oficial poco tiene de verdadera. Las imagenes de la Rusia democrática no tienen mucha diferencia con la Rusia dictatorial. Un pueblo ruso lastimado, herido, dividido, que no tiene acceso a mucha información (solo el 10% de la población accede con regularidad a Internet), que se engaña a si mismo por un poco de comodidad.

¿Como cambiar un sistema democratico en una dictadura? Hay que obligar a que los ciudadanos acepten por libre albedrío perder ciertas libertades, explica el documental. Los ciudadanos son libres de hacer televisión, salir de compras a grandes plazas, manejar sus coches. Esos les da sensación de libertad, de modernidad, de comodidad. ¿Y la verdad? Pasa a segundo plano.

En lo personal me estremeció la forma en que el gobierno aplasta cualquier rebelión, y que los ciudadanos lo permiten. Sasha explica lo terrible que era encontrarse con amistades quienes le afirmaban que era normal que la agencia asesinara. Pero el asesinato de la agencia, y del gobierno mismo, empieza desde la manipulación y de la aceptación silenciosa del pueblo.

Lo más perturbador del asunto son las pequeñas semejanzas. ¿Cuantos kilómetros hay entre Rusia y México? ¿Cuanta pasividad hay entre ambos pueblos?.

Una dama para dos (La Fille coupee en deux, Dir. Claude Chabrol, 2007)

* * *

Chabrol es un cineasta verdaderamente excepcional. Como ejemplos pueden haber muchos, de cada cinta que ha hecho y que en lo personal he revisado. Pero el mejor argumento que puedo ofrecer para tal afirmación es que logra que una historia le brinde al espectador un recorrido novedoso y ambicioso por temáticas que en un inicio parecen de los más triviales, cuando en realidad son por las que todos hemos pasado, o habremos de.





En esta nueva cinta, una joven que presenta el clima en el canal local se ve envuelta entre la pasión, obsesión, capricho (más nunca amor) de dos hombres exitosos, vanidosos, egocentricos y enemistados. Por un lado, esta el escritor famoso, intrigante que parece por encima de cualquier situación, con una audacia y cinismo desbordantes. Por el otro, un joven mimado, al que se le ha dado todo, narcisista que no tolera la derrota. El gran problema para ella no es la obstinación que ambos hombres tienen hacia ella, sino sus propios sabotajes, su inocencia, ella misma.




Inspirada muy libremente en una historia real, de un arquitecto en Nueva York que termino tragicamente para todos los involucrados. La historia, un triangulo romantico ejemplar, a estas alturas sobra. En todos lados vemos, leemos y escuchamos esa situación. En manos de Chabrol el asunto es tan interesante, que desde su inicio nos atrapa. Conocemos al escritor, casado con la que parece una esposa perfecta, viviendo con calma y tranquilidad. Su primer acercamiento con Gabrielle, la chica en cuestión, se combina con el acercamiento de su rival y desde ahí, desde los primeros minutos, Chabrol no permite ninguna distracción.






Con dialogos, situaciones y descripciones que rayan en lo perfecto, la visión de esta tan utilizada historia es divertida, hilarante, intensa. Cuando tiene que ser misteriosa lo es. Cuando decide dar sorpresas, las hay. Cuando el camino recorrido solo tiene una opción, el asunto se vuelve gris, solemne, casi trágico.





Por encima de todos los adjetivos, es una cinta inteligente, agil y muy entretenida. Chabrol vuelve a ganarme de nuevo, y sin mucho esfuerzo.

Día 10 Ficco 2008

Día 10 Ficco 2008

Gummo (Dir. Harmony Korine, 1997)

* *

No quiero plagiar a nadie. Ni tampoco soy muy bueno con las citas. Pero una que sin duda atrapo mi atención mucho tiempo después de haberla leído fue una correspondiente a un crítico de cine español, de nombre Antonio Gasset. Temiendo errarle, afirmaba que en sus epocas más optimistas creía que su generación estaba condenada, era mediocre y sin objetivos. Ahora cree que todas lo son.

La decadencia de toda la civilización occidental es un tema que se expande en en muchas artes. Literatura que poco a poco se ha establecido como una de las predilectas para ciertos circulos. Música que se sensibiliza y se escandaliza por los eventos actuales. Prensa con poco alcance pero mucho contenido. Y el cine, una de las ventanas que más inconformidades puede mostrar.

Harmony Korine dio el salto a la fama junto con Larry Clark y su cinta Kids del 95. Su primer cinta como director es Gummo, programada en la retrospectiva de Korine como director.

Ohio. La pequeña ciudad de Xenia nunca se recupero ni economica ni moralmente de un tornado que destruyo casi todo el pueblo. En el pueblo, seguimos la rutina de dos amigos, Solomon y Tummler. Dos vagabundos dedicados a matar gatos para venderselos a un dueño de un restaurante, oler pegamento, escuchar metal y socializar con un grupo de personas que deambulan entre la indiferencia, la fatalidad, el estancamiento. La destrucción de la personalidad y la falta de interes por la vida se muestra en cada personaje por el que ambos amigos/compañeros cruzan camino. Un hombre que prostituye a su esposa, tres hermanas que practican sus bailes para entrar a un club de bailarinas, un enano de raza negra y su compañero depresivo gay. La mama de Solomon sin el entendimiento de criar a un hijo.

Todo esto narrado como postales, imagenes que no parecen tener mucho sentido, secuencia o lógica narrativa. En un momento somos testigos del asesinato de un gato, en otro de un par de niños por debajo de los 10 años presumiendo un vocabulario de cantina, disparandole a un niño que pasea por la ciudad en patineta, con unas enormes orejas de conejo (que por cierto musicaliza unas secuencias con un acordeon)

La carencia de ideas se sustituye con la pasarela de secuencias sin orden ni sentido, que de alguna manera compensa la idea original. El sin-sentido de la vida que pesa sobre todos. La falta de convivencia, de contacto con nuestros semejantes. El alejamiento de valores que en realidad nunca encontraron un fundamento que conveciera a muchas generaciones desde su formación.

Si Korine podría mostrarse como algo más que una llamarada, esta era su oportunidad. Aunque se trata de una cinta con casi diez años de antiguedad, hay algo conceptual y llamativo de la trama. La condena que se paga por evadir los temas importantes. Lástima que todo se sienta provocativo y falso, en una cinta que al final, poco o nada revela.

Dia 9 Ficco 2008

Dia 9 Ficco 2008

Otto El Zombi

(Otto, or up wiht dead people, Dir. Bruce LaBruce, 2007)

* 1/2

Festivales como el Ficco reúnen diferentes variantes de gustos, géneros y espectadores. Brinda posibilidades de apostar por buen cine sin errarle. De descubrir propuestas innovadoras, de encontrarse con tematicas refrescantes. También da la posibilidad de descubrir que uno como espectador tiene muchos similares, aunque también uno se enfrenta con el aficionado que por accidente entro a una cinta de la cual no sabía nada de ella. A veces la aventura es fortuita, en otros casos es desagradable.

Mi afición por las cintas de horror, gore, pero en especial de zombies me hizo dirigirme sin dudarlo a esta película del controversial Bruce La Bruce (o Brian Bruce, su nombre verdadero, sin el añadido de drag queen). Desconocía en lo absoluto sobre la cinta en cuestión. Eso ayuda mucho. La visita a esta cinta entonces era lo más limpia que podía, sin pros ni contras.

Un zombie que se levanta para recorrer la ciudad. Tiene recuerdos de su vida pasada, rechaza la necesidad de alimentarse de carne humana y es encontrado por una cineasta medio fascista, medio gótica que lo contrata para finalizar su película, su obra maestra que le ha tomado 10 años en su realización (en palabras suyas, porque nadie quería financiarla).

El Otto del título por naturaleza provoca el rechazo de los demás, desde su peste hasta su manera de caminar le traen problemas. Problemas que LaBruce empezará a solventar cuando llega a un bar y un hombre que sale le invita a una copa, en su casa.

En ese momento, mis interrogante se manifestarón. ¿Zombies que recuerdan? ¿que reprimen sus necesidades primordiales de alimento? ¿zombies que hablan e interactuan con los demás? ¿zombies gays?

Lo que había iniciado como una sátira, se deforma en proporciones gigantescas cuando el director determina que la audiencia no entenderá que lo es. Por descripción, la sátira tiende a exagerar la situación, con toques muy realistas que el espectador identifique y relacione. Donde más intenta ser un tono cómico, es donde más simple se manifiesta el asunto. Un personaje atrapado en el cine mudo y blanco y negro cuyo potencial era enorme, aparece como el comic relief sin justificación alguna, como un bufón. La directora de la cinta, teniendo los mejores dialogos, es una piedra en la narrativa. Su dirección hacia con Otto, describiendo la situación que espera de su cinta en forma de rebelión comunista es a veces atinada, a veces insulsa. Muy divertida suena su propuesta de "mi cinta politico-porno-zombi" hasta caer en lo absurdo con su "eres el Che Guevara de los zombies gays"

¿Hasta donde se puede deformar un género sin degradarlo? La naturaleza de Otto sustituida por un comportamiento cercano a lo humano era una interesante idea. La comparación de los zombies y los gays como forasteros cazados y rechazados parecía funcionar. Pero ¿en que sentido son comparables? ¿en donde estan los elementos que hay que identificar? Por lógica, un zombie no provoca rechazo, provoca miedo, pánico. No se le persigue para propinarle una golpiza, se le huye para evitar ser devorado.

Y por supuesto, su reflexión acerca del amor libre, sin cuestionamientos ni adjetivos, donde Otto deja de ser zombie para tener sexo con su amante, con su hombre, una ridiculez

No es una película para todos. Tampoco se trata de una verdadera cinta underground que se elevara al grado de culto. Es el ejemplo exacto de una película pretenciosa (sus secuencias en blanco y negro, sus trampas de sobreponer la película que los personajes realizan, sus escenas de sexo explícito entre hombres y entre zombies) que con el tiempo, a nadie le importara. Yo creía que lo peor que el género zombie podía dar ya lo había visto... que equivocado estaba.

Dia 8 Ficco 2008

Dia 8 Ficco 2008

Los Cuentos de Go Go (Go go tales, Dir. Abel Ferrara, 2007)

* * *

Hay que mostrarle respeto a un director como Abel Ferrara. La intensidad de sus películas es muy diferente a la del cine en general. Tópicos que por lo general parecen simples, Ferrara los hace tan controversiales como es capaz. Tematicas que son dificiles llevar a la pantalla grande, el director las disfruta y las tuerce más. Es el clásico cineasta que no desea respetar las reglas para un cinta comercial, a pesar de que cada una de sus cintas posee ciertas virtudes que la harían muy redituable. Tampoco quiere ser el rebelde, con secuencias que nada aportan a una historia, pero que sí pueden herir algunas susceptibilidades.

A eso habría que agregarle un punto más a su favor. Sabe perfectamente dirigir a sus actores, demandarles un esfuerzo más y ellos salen favorecidos con personajes y actuaciones excepcionales.

La historia sucede en una larga noche. Ray Ruby (Willem Dafoe) es el dueño de un famoso, pero muy venido a menos, club de desnudistas. El club esta a punto de la quiebra y de su clausura. Ruby no puede pagarle a sus bailarinas, no puede pagar la renta y apenas puede costear el servicio de tintorería para sus trajes. El dinero, que es poco, ingresa y sale al momento. Ruby juega todo el dinero (propio y ajeno) en billetes de lotería. Primero por la pasión de hacerlo y después porque siendo ganador, podrá mantener en pie su dichoso club.

Durante la noche, veremos la interacción muy dinamica de Ruby con sus empleados, con su contador (quien también esta involucrado en el fraude), con su jefe de seguridad, con el gerente, con su hermano. Y de todos ellos con los clientes, con los jovenes que llegan por primera vez, con la dueña del lugar que exije se le pague el adeudo o tomara medidas extremas.

Lo ágil de la locación, del escenario, es bien aprovechado por Ferrara. Vemos a las bailarinas hacer su acto, como también las vemos discutir entre sí, planear una huelga por la falta de salario, anunciar algunos embarazos y enemistarse con el chef por un perro. Ruby tiene cámaras por todo el lugar, las cuales observa en la soledad de su oficina, escondiendo la cara, la responsabilidad. Pero se muestra optimista todo el tiempo, con un carisma que le permite mantener toda la operación en un misterio. En el mejor momento recibe su gran noticia, para inmediatamente lidiar con lo más obvio, lo más lógico, lo más tragico. Y con todo lo natural que resultaba, Ferrara logra transmitir una verdadera sorpresa.

De ahí, la paranoia y el frenetismo se destapa. Todos se revuelven en una maraña de desconfianza, egoísmo, deshonestidad y doble cara, donde el show le pertenece a Dafoe y su carismatico Ruby. A veces contenido, a veces excesivo, Dafoe esta todo el tiempo convencido de sus acciones, controlando toda la escena como titiretero, apagando el fuego con elegancia. Por supuesto, tiene a su lado actores de primer nivel, empezando por Bob Hoskins, como el gerente histérico por la baja clientela (siendo capaz de aceptar ser confundido por un señor cangrejo). Mathew Modine como el principal financiero y hermano de Ruby, un metrosexual dueño de una de las esteticas más populares de la ciudad. Y un largo etcétera.

Es díficil imagina a un Ferrara muy alejado de Bad Lieutenant, ahora en una comedia de enredos, por así llamarle. Pero el respeto que le tiene al tema se admira. Desde la dedicación que tiene para mostrar a sus bailarinas (sin morbo ni humillación) hasta el francamente egocentrico monologo final de Ruby. Por supuesto, hay un final feliz. Muy feliz para el espectador, no tanto para el personaje de Dafoe, del cual se mofa de él desde el principio de la cinta. Algo que el espectador solo entiende hasta el final.

Dia 7 Ficco 2008

Dia 7 Ficco 2008

Nota: Como se ve, no hubo día 6 del ficco para mi. Una disculpa.

El Último Infierno (The Last Winter, Dir. Larry Fessenden, 2007)

* *

¿Cuántas quejas escuchamos (y escucharemos) sobre la traducción de las cintas? Es cierto, nos tratan como animales ignorantes del tercer mundo con algunas traducciones. Las palabras favoritas como "mortal", "fatal", que van acompañadas o precedidas de "obsesión", "inocencia", y demás similes. Francamente da mucho coraje que a una cinta como Juno le tengan que agregar la tontería esa de crecer, correr, tropezar. Ejemplos hay millones y todos o la gran mayoría rayan en la estupidez.

Pero las más maltratadas en la traducción son las cintas de terror, horror, gore. Las primeras cintas de Peter Jackson son un ejemplo. Quizá la traducción de Picadillo cuyo original es Bad Taste (en referencia al Mal Sabor) se puede perdonar por la temática de la cinta. Lo que si no tiene perdon de Dios es que a Dead Alive le hayan puesto una traducción como Mi mama se comio a mi perro. Desconozco si por ejemplo a Meet the Febbles le pusieron algo como Marionetas del diablo. Porque el diablo es protagonista de varios títulos. Tanto el clásico de Sam Raimi, Evil Dead, como la reelaboración de The Hills have eyes, llevan el mismo nefasto título: El despertar del diablo.... cuando, por cierto, nunca sale un diablo en ninguna cinta (o que tal Haute Tension y su traducción de El despertar del miedo). Un debate sobre eso sería dañino para la persona que recuerde más de 5 traducciones de esa orden.

El comentario viene a la cinta en cuestión, The Last Winter. A comentario de una persona, el título efectivamente es muy engañoso. Eso de Último Infierno da a imaginar varias cosas que nada tienen que ver con la trama. Sin duda, la traducción que se le hace a una cinta puede deteriorar todo el concepto (o arruinarla, como con Thelma & Louise y su traducción de Un final inesperado... ¿pues no que es inesperado?, para que contarlo desde la compra del boleto).

Una compañía petrolera pretende establecerse en Alaska, por lo que envían un equipo para construír caminos sólidos que permitan trasladar el complejo equipo de extracción. El equipo se encuentra dividido entre el explosivo lider Pollack (Ron Pearlman) y el ambientalista Hoffman (James LeGros). Uno dedicado a encontrar la solución para construír el camino, el otro cauteloso y analista de cada acción. Ambos reportan sus avances, de manera muy opuesta.

Durante el proyecto, un miembro del equipo comienza a tener visiones y comportamientos paranoicos, hasta que un día aparece muerto en la nieve, desnudo y sin ojos. Esto lleva a pensar que hay gases escapandose que provocan alucinaciones, pero lentamente, cada persona asentada en el campamento se mostrara más afectado con su estadía, con lo que concluyen que se trata de algo más.

No he tenido la oportunidad de "entrarle" formalmente al cine de Fessenden, un director y actor que se ha ganado el respeto de muchos. Siendo esta la primer cinta que tengo la oportunidad de ver del director, puedo justificar la siguiente tontería que voy a decir. Es algo que a veces pasa, pero que es mejor no expresarlo. Con toda franqueza, no entendí la película. Entendí la trama, pero nunca entendí a donde iba, como iba avanzando y como llego a su descenlace. No entendí como ni para que.

El enfoque ambiental se antepone a las situaciones terroríficas o psicológicas, a pesar de ser manejadas con mucho interes (¿porqué cada personaje es alterado de manera diferente por el mismo ente?, ¿que reacciones tienen?). El petroleo, como en algun momente la cinta lo explica brevemente, es el resultado de la descomposición de fósiles animales y vegetales (que necesita de factores de tiempo, presión, temperatura para pasar a estado líquido) hasta convertirse en carbohidrato, que fluye por rocas porosas largos recorridos, para encontrar una no porosa, así asentarse y formar un yacimiento. La lectura sobre la importancia del oro negro y su formación se refleja en el poderoso ente inmisericorde que sale de la base que la compañía esta construyendo y que por consiguiente provoca los peores miedos de nuestros protagonistas.

La interesante propuesta solo se entiende (o yo la entendí) muy al final, cuando desafortunadamente uno ya ha perdido el interes por los personajes y su sobrevivencia. El comentario sobre el calentamiento global venía desde su título original, es decir, la última temporada que la humanidad verá.

No se puede negar que el director tiene bastante oficio, ofrece momentos muy logrados (más no terroríficos) que atrapan la atención, para después olvidarse y hacer que uno se distraiga. Es un constante cambio de interes e indiferencia. Ni siquiera su final trágico-deprimente logra convertirla en una propuesta diferente. Solo provoca alzar las cejas y juzgar el resultado con cierto dejo de sospechosismo... ¿para que?

Dia 5 Ficco 2008

Dia 5 Ficco 2008

Adentro

(A L´interieru, Dir. Alexandre Bustillo, Julien Maury, 2007)

* * * 1/2

A cualquier fanático del cine de horror-gore le da gusto saber que poco a poco se van formando más opciones interesantes de su género predilecto. No me refiero a la tendencia del cine norteamericano de estrenar cada vez más cintas que han sido catalogados como porn-torture (en el estilo de la serie de Saw y Hostal). Tampoco a su constante necesidad de hacer un remake de alguna cinta europea que ha llamado mucho la atención.



Recientemente, el cine de horror ha tenido sus mejores momentos en el cine asiatico, cuyas películas más representativas han inspirado a un interminable listado de realizadores alrededor del mundo. No todos han incursionado con solvencia, pero la presencia e inspiración de la fórmula se nota.


Es, entonces, más que bienvenido encontrarse con un cine de horror que aunque tiene altas dosis de gore, no desprestigia ni ridiculiza al género. El nuevo (porque asi le llaman) cine de horror frances. Francamente fue un deleite encontrarme con dos cintas que siguen esa línea. Primero, la soberbia y macabra Haute Tension del versatil Alexandre Aja. Y la estresante y enfermiza Calvaire de Fabrice Du Welz. Dos muy interesantes propuestas, cuya tematica no tiene nada nuevo (Calvaire es un reelaboración de La Masacre de Texas). Pero su narración y propuesta visual es sorprendente.


El Ficco en su sección 11:59 (películas de "emociones fuertes" que se pasan un minuto antes de la medianoche) trae este año una propuesta similar: Adentro, una verdadera montaña rusa.

Sarah es una fotografa embarazada, que perdio a su marido en un terrible accidente automovilistico. Diagnosticada para dar a luz el día siguiente, Sarah pasa la noche (que por cierto es Navidad) en su casa, aislada y aun enfrentandose a la pérdida, para que a primera hora se traslade al hospital para tener a su bebe. Ese es el plan. Sencillo. Lo que Sarah (ni su editor, ni su madre, ni algunos policias) no tiene planeado es la visita que una mujer le hace esa misma noche, una psicopata con absoluto control de la situación, que no se ira de la casa hasta llevarse al bebe que aun no nace, asegurando que es de su propiedad.




De aqui se desprende un festival de violencia, sangre, gritos y sobre todo, excesos. Excesos al por mayor. Por momentos, la cinta emula a las clásicas "slasher", con la asesina cazando a la próxima madre con unas enormes tijeras, cuya real justificación es sacarle al bebe antes de tiempo. En otras secuencias, la paranoia y la claustrofobia se antepone con la ayuda de una cámara muy eficaz, cuyo trayecto se asemeja mucho al cine de David Fincher (en especial a Fight Club y a La habitación del pánico), cuando Sarah se encierra en el baño, mientras la asesina trata desesperada de sacarla. En algunas secuencias, es una cinta de suspenso sobresaliente, con momentos de verdadera tensión y angustia. Y por encima de eso, es una cinta verdaderamente sangriente y violenta.




La muy atinada dirección proviene de dos jovenes franceses, siendo esta su opera prima, aunque parezcan expertos en este cine. Desde la presentación de la villana (de espaldas, con un flash de una cámara fotográfica) hasta su brutal descenlace, ambos directores se atreven a pasear por lo más extremo sin caer en el rídiculo. Me explico. El exceso viene casi en cada secuencia, para los fanaticos de este cine, todo aquello que imaginan y esperan con ansías (que a alguien le explote la cabeza, alguien prendido en fuego, tripas saliendo, etc) sucede en el preciso momento, con lo que muchos llegarán hasta las palmas, mientras que la audiencia que no tolera mucho este tipo de cine, o cierran los ojos o buscaran la salida de emergencia. Las motivaciones de la asesina, que en este tipo de cintas generalmente es un estereotipo, son de alguna forma, justificadas.



Cerca del final, el exceso es tal, que uno por encima de las risas involuntarias, admira la desfachatez con la que se ejecuta. Sarah, después de toda la tortura, de todo el drama, de toda la pérdida de sangre y de su propio estado, es capaz de curarse en el mejor estilo de Rambo, para después convertirse en una violenta vengadora que mucho le debe a Carrie, en una puesta en escena muy atinada.






Sin duda, el hecho de que la protagonista este embarazada ayuda mucho para que el espectador sufra por toda la pesadilla que la asesina provoca. Uno vive y sufre el dolor y el terror de Sarah y de su bebe (con tomas dentro del vientre), pero también existe un interés en la asesina, aun cuando eso parece contradictorio.



La mención que hice de Alexandre Aja no fue gratuita. Después del éxito de Haute Tension, se le asigno la tarea de reelaborar una cinta clásica de Wes Craven, que es también fundamental en el cine americano de horror: The Hills have eyes (o como se le conocio aqui El despertar del diablo).



Bustillo y Maury llamaron tanto la atención, que ellos serán los encargados de traer de nuevo a la pantalla grande otra cinta de culto: Hellraiser. Si el resultado de esa nueva revisión es la mitad de lo buena que es Adentro, seguro será un verdadero acontecimiento.

Aqui el avance:

Dia 4 Ficco 2008

Dia 4 Ficco 2008

Ayudame, Eros (Bangbang wo aishen, Dir. Lee Kang Sheng, 2007)

* * *

Ah Jie sufre una crisis económica brutal, que lo lleva a aislarse del mundo, encerrado en su departamente, fumando marijuana. Creyendo que todo se solucionara con su muerte, llama a las líneas de ayuda en Taiwan. Su estado provoca que se enamore de la mujer que le contesta y ayuda en su caso. Jie lo que exterioriza con otra mujer, una prostituta que trabaja debajo de su departamento, con la que iniciara una relación muy vacía, entre excesos, sexo y la idealización de la mujer al otro lado del teléfono.

La película ejemplifica sobresalientemente el hartazgo de vivir en una ciudad con tantos habitantes y tan pocas conexiones reales, a la vez que documenta la forma en la que cada personaje reprime sus verdaderas necesidades (de amor, de compañía, de dependencia) solventandolas con los elementos que encuentran a la mano (la comida, el sexo, las drogas).

Hay espacio para el drama, lo trágico y lo cómico de la vida, aun cuando eso se presenta de manera accidental. Tan accidental como el amor. El director, quien también actua como el personaje principal, considera que su ciudad, Tai Pei, es un elemento clave en el desarrollo, con la ultra tecnología, sus luces de neón y la soledad que carga sobre sus habitantes. Visualmente es una maravilla.

Puerto de Embarque (Boarding Gate, Dir. Olivier Assayas, 2007)

* *

Assayas es un director interesante por partes. Su anterior cinta (sin contar el segmento en Paris te amo) Demonlover era un thriller complejo, bien armado, bien contado pero sin algo verdaderamente memorable o propio. Algo similar sucede aqui.

Narrativamente, la cinta se divide en dos. La primera parte en realidad no parece ir a ningún lado, salvo el conocer la relación entre Sandra y Miles. Ella una mujer que trata de remediar su vida y él, un empresario que ha tomado pésimas decisiones financieras. Su relación, basada en la manipulación y cierto masoquismo esta llegando a su final, el cual servirá como punto de partida para un segundo acto, que si bien plantea su desarrollo, se siente muy forzado.

Durante la segunda mitad de la cinta, ella será perseguida por Hong Kong, buscando respuestas que solo la llevaran a más preguntas y a conclusiones muy vacías.

Quizá lo mejor de Assayas en esta cinta es lo mucho que saca de cada uno de sus actores. Michael Madsen tiene una gran participación en la primera parte y transita con seguridad y hasta cierto carisma. Para Argento es sin duda un vehículo de lucimiento. La hija del maestro Dario Argento, tiene la oportunidad de mostrar todas su facetas: sexualmente controladora y dominante, vulnerable ante los hechos, confiada en partes. Se le ve inocente y fragil, como también calculadora y ágil.

La sensación que uno tiene cuando han empezado a correr los créditos es de sin sabor. Se veía bien, se saboreaba mejor, pero no llena ni deja satisfecho a nadie.

Dia 3 Ficco 2008

Dia 3 Ficco 2008

Capitan Achab (Capitain Achab, Dir. Philippe Ramos, 2007)

* *

Dividida en 5 capítulos, la cinta cuenta la interpretación muy libre sobre la vida de Achab (quien se volveria un famoso capitán obsesionado por un cachalote pigmeo de nombre Moby Dick) cuya vida siempre estuvo regida por la impasibilidad. Un tipo rudo, descarado que nunca tolero que la vida le propinará una derrota.

Cada capítulo es narrado por alguna persona importante que se cruzo en la vida de Achab, quienes compartieron la experiencia de verlo transformarse en un individuo aislado y comprometido (al final) con él mismo. Sus primeros años con su padre, su vida al lado de su religiosa y voluble tía. Su estadía con un sacerdote, la corta vida que tuvo con Anna, y el trágico final en compañia de Starbuck.

Aunque no deja de tener interes, la cinta es más bien fallida, inconsistente y no avanza mucho ni profundiza en el violento capitán. No todos los episodios son logrados, los mejores son los que tienen espacio en la infancia de Achab (en especial con Mulligan el sacerdote, el cual reflejaría mucho del futuro de Achab). Queda claro que la intención no es rematar con el violento enfrentamiento con la ballena, pero eso también evita un verdadero interes e identificación con el personaje, al que vemos evolucionar pero con el cual nunca hay una conexión.

Berlin de Lou Reed (Lou Reed's Berlin, Dir. Julian Schnabel, 2007)

* * 1/2

En 1973 salio a la venta uno de esos discos que no fueron bien comprendidos en su momento. Tuvieron que pasar varios años para que el disco "Berlin" ocupara un lugar entre las mejores grabaciones de Lou Reed, uno de los artistas mas brillantes de la música. Uno de sus discos más oscuros, tristes y con letras muy agresivas ("Caroline Says II" es un brutal ejemplo). Es curioso como el fenomeno se repite, pero la grabación de este monumental disco fue un desastre, al punto de estar a punto de ser cancelado. Reed pasaba por un periodo sentimental/emocional catastrófico y empezaba su adicción a las drogas (en particular al speed). Y el disco, musical y liricamente hablando, es un testimonio del propio Reed sobre el estado físico y emocional en el que se encontraba.

Esta es la presentación del 2006 que Lou Reed hace del disco, a manera de homenaje del mismo y del proceso que vivio cuando lo grabo. El concierto es muy emotivo. Reed es acompañado por un conjunto de músicos, coros y orquesta de primerisimo nivel. La complejidad de las canciones se ve reflejada con cada movimiento de las personas arriba del escenario (desde Reed, pasando por el baterista, los niños con voz encantadora del coro). El sónido de la sala era casi perfecto, con una excelente orientación. Existe una verdadera dirección entre música y sentimientos, las primeras son más bien movidas, las finales son más bien trágicas.

La filmación es excelente. Se trata, al final de un director de cine. No estamos ante un concierto de Lenny Kravitz en el estadio Azteca (el concierto fue muy bueno). Quienes operan las cámaras saben perfectamente su oficio al capturar los momentos más emocionales de cada canción, muy opuesto al trabajo que los ingenieros y camarografos hacen en un concierto en México, con pésimos encuadres, terribles efectos visuales, fatal iluminación, que remiten a las transmisiones del OTI.

Un gran documento de uno de los mejores conciertos de Lou Reed, quien para no dejar mal sabor de boca, después de tan fuerte experiencia musical, cierra con una versión brillante de "Sweet Jane"