Are you ready now?

¿Que es tan importante?
Solo cambia un número (a veces dos) y ya, ¿no?

Cada quien tendrá sus tradiciones y sus meditaciones. El último día de cada año puede ser muchas cosas y ninguna a la vez. Es cerrar un capítulo más, un episodio más, una memoria más. Es un día como todos, solo un poco más comercializado y estereotipado.

Es un día de promesas, de aspiraciones, de reflexiones. De tradiciones, mitos y creencias. Es bueno que un día provoque eso en las personas. Es malo que solo sea un día el tiempo estimado de duración de todas esas promesas.

Que cada uno saque su conclusión y su estilo para atravesar este día que puede sacar lo mejor y lo peor de cada uno. Lo que si creo importante destacar es la formación de esa memoria. No solo conservarla, sino entenderla y aprender de ella. La experiencia de cada uno es lo unico que nos separa y nos diferencia como personas. Y, sobre todo, para llegar al punto en que estan, cada persona, han atravesado un camino importante, lleno de caídas y tropezones. Un camino que mientras sucede no entendemos porque se extiende de esa forma, porque se complica, porque no tiene mucho sentido.

El camino que hemos recorrido para llegar a este momento no es cualquier cosa. Y como el futuro siempre esta en movimiento, nunca sabemos a donde justamente vamos.

Por eso (y mi incapacidad de ser breve) quiero despedir este año con un video. Un comercial deportivo. El camino de dos jugadores de la NFL, desde que nacen hasta su inevitable encuentro. Experiencias y decisiones que en ese momento no eran del todo claras. Todo para llegar a ese momento, a ese golpe, a ese unico momento de intimidad. Visualmente es una delicia. Técnicamente es impecable. Producido por Nike (por supuesto) el que siempre avanza de izquierda a derecha es Ladainian Tomlinson, el que corre de derecha a izquierda es Troy Polamalu. El título "Fate leave nothing"




Feliz año a todos!

Top Ten: Música. 6


Justice
Atlantic, 2008

Existía un rumor. Con el rumor, venía la frase "Harder, faster, stronger".
El dueto frances de música electrónica formado por Gaspard Augé y Xavier de Rosney han alcanzado alturas que ni ellos mismos esperaban conseguir, mucho menos con un solo disco bajo el brazo. Pero el rumor los vinculaba con otro grupo de música electrónica procedentes de Francia: Daft Punk. Más de uno creyó la idea de que los miembros de Justice eran los venerados robots sin el disfraz.

Esto les creo cierta anticipación, cierta expectativa y la misma cantidad de seguidores como de detractores. Sean ciertos o no, la realidad es que Justice esta creando la música elecrónica más furiosa, dura y veloz que se ha escuchado en mucho tiempo. No han arrastrado el mismo estilo de las remezclas a todos los grupos que se les han acercado, ni tampoco clonan el tipo de producción que han desarrollado para varios artistas (los Chili Peppers, por ejemplo) Si su música se escucha más autentica que mucha música en la actualidad no es casualidad. Saben que hacen, a donde quieren llegar y lo que deben entregar para controlar sus sonidos.

A Cross the Universe
es el disco en vivo de la dueto, tocado en el mismo orden de su disco debut, Cross. La misma antelación se siente en estudio, como en directo. La misma intensidad en ascenso. La misma expectativa. Mas acercados al rock, al funk y a la saturación de sonidos, Justice tendría que pertenecer a una zona privilegiada. Y lo esta logrando. Resulta muy complicado tratar de describir lo que estan creando. Se necesita escucharlos y ver lo que su música puede causar con imagenes.




La mejor: Stress
Downlodeables: Final (Metallica), Phantom Part 2, Waters of Nazareth
El video: El censuradísimo video de Stress

Top Ten: Cine. 6


(Ídem, 2008)
Dir. Everardo González.

El documental siempre ha estado en ascenso y descenso. Por tradición, se le consideraba exclusivo para la televisión y en el mejor de los casos, el video. El cine parecía no tener mucho espacio para retratar la realidad que muchos esperan evadir. El documental adopto a la pantalla chica como su refugio y un estilo bastante educativo, muy serio y exclusivo para las personas que mostraban interes por el tema al que recurrían.

Mucho se cree que Michael Moore tuvo el acierto de renacer el interes general del formato y llevarlo a un público masivo. Probablemente el espléndido documental Roger & Me (1989) revitalizo el gusto por el documental, desarrollo un estilo diferente y logro que la gente mostrara un genuino interés por las historias reales de gente que perdió todo en Detroit una vez que la automotriz despidió a casi todos sus empleados. Bajo el pretexto de encontrar al director de la empresa, Moore recorrió las dolorosas conclusiones de la gente humilde que trabajaba ahí y de la indiferencia que los propios espectadores eran cómplices. Eran parte del juego.

La historia de varios ladrones de los 60 y sus grandes exitos en su profesión (como le llaman) son la trama de este documental, premiado en Guadalajara. Sus lealtades, sus códigos, sus categorías. Su historia es contada por ellos mismos, por los policias que los persiguieron y por secuencias extraídas de televisión, cine y periodicos. Es una historia de policias y ladrones, el tipo de historias que atraen por su emoción y también por su desencanto.

Son ladrones que aprendían sus artegios desde niños (la anecdota tan bien contada de cierto muñeco al que le colocaban cascabeles), acostumbrados a la idea de que todo lo que veían estaba ahí para aquel que se atreviera a tomarlo. Sin embargo, hay una culpa que dentro de ellos y también dentro de nosotros.

Elocuente y divertido, el fantástico documental de Everardo González no solo pone el dedo en la llaga del espectador para sacar conclusiones sobre estos personajes, que para bien o para mal forman parte del folclore mexicano. También el que la audiencia sea complice de esos ladrones, señala algo que siempre ha estado ahí. La doble moral del mexicano. Sabemos que lo que hacen esta mal, sin duda le sacaron la quincena a más de uno. Sus acciones no son para enorgullecerse... y sin embargo, cuando uno de ellos habla de su experiencia al saquear la casa de un político ladrón, el gusto es enorme. Vaya, hasta se le extraña.

Top Ten: Música. 7



Kanye West
Roc-A-Fella


Para muchos, es dificil tomar en serio a Kanye West. Sus polémicas actitudes, sus enérgicas respuestas a los medios y la propia descripción de su trabajo (art pop) lo ha convertido en blanco de muchas críticas, pero también le ha ganado una considerable cantidad de fanáticos, que sigue en aumento. Pero el rechazo principal hacia West es que no tiene un antecedente criminal, no tráfico con drogas, no mato a un miembro de una banda rival y no escribe sobre ello.

Por años se consideró que el rap y el hip-hop solo tenían cabida en el mundo criminal y de gangsters, se les olvida que se trato de un género, de una ramificación más de la propia música, una que logro una popularidad enorme debido a que retrataban el aislamiento de miles de personas de color, el rechazo que tenían que soportar, los humildes origenes y especialmente en futuro tan sombrío que parecía esperarles. ¿Como no van a tener el creciente deseo de ser raperos y ser super-estrellas? Pero también probaban algo más, la posibilidad de salir adelante contra todas las expectativas. El gangsta' rap se considero como el unico capaz de representar ese sonido y el unico privilegiado por la critica.

West no compone sobre el crimen, no compone sobre la deshumanizada sociedad (como el grind) ni sobre las mujeres y sus bikinis. Compone sobre lo que ha visto, ha escuchado, ha experimentado. Sobre los fracasos, sobre los exitos y sobre las ambiciones (las logradas y las frustradas) y lo hace con un sonido que se estaba estancando y un nivel musical sobresaliente. Habiendo producido los mejores trabajos de Jay-Z, Ludacris, Alicia Keys y varios más, no existe ningún error en el disco, ni tampoco parece limitarse mucho con la mezcla que hace.

Lo curioso del asunto es como esa mezcla musical, esas nuevas notas que quiere extraerse, el nuevo beat que trata de experimentar viene acompañado por un tema central e importante para su vida. La pérdida y lo que deja. West perdió a su manager durante la grabación del disco: su madre. Termino con una larga relación sentimental y no duda en expresarlo, ya sea con susurros, con suspiros y con mucha furia e impotencia. Lo que no ha perdido es el paso. Kanye sigue sonando fresco, emotivo y espectacular. Probablemente nunca logrará ser ese genio auto-nombrado, pero tampoco quiere ser uno más del monton. Y, desde luego, no lo es. Nunca lo fue.

La mejor: Paranoid
Downlodeables: Say you will, Amazing, Love Lockdown

Top Ten: Cine. 7



Luz Silenciosa
Dir. Carlos Reygadas


Por principio de cuentas, es esta la primer cinta de Carlos Reygadas que termino de ver por completo. Y tuvo que ser en dos oportunidades. Uno se ha ido acostumbrando a un tipo de cine mucho más frénetico e impulsivo. La propia actualidad hace que uno necesite del mismo ritmo acelerado hasta cuando uno pretende relajarse y descansar. Como si se tratará de un imán invisible, nos desenvolvemos en el mismo acelerado tipo de vida.

A este tipo de vida, uno incluye sus propios prejuicios. El señor Reygadas nuncame pareció una persona interesante ni sagaz, las entrevistas ofrecidas durante los últimos años lo han acercado al ejemplar pseudo-intelectualoide que ha estudiado sus respuestas con mucha anticipación. Lo mismo con su cine. Pero el pecado de Reygadas es no haber podido explicarse. La mención al maestro Tarkovsky como su inspiración, la atenta prensa lo califico como el heredero del director ruso. Una tontería, primero creo que alguien es sucesor de Tarkovsky, segundo, que alguien crea serlo.

Una familia de menonitas. Sus tradiciones, los momentos que comparten, los silencios. Él esta enamorado de otra mujer. Su esposa resiste toda la embestida interior le representa tal experiencia. La amante que intenta convencerse de que lo mejor de la vida también involucra a lo peor. Y la cámara, que lo sigue todo y se detiene en todo, lo observa todo, sin ser capaz de juzgarlo.

Reygadas puede ser el director más incompleto de la historia. Y uno de los más soberbios. Durante una hora de película, nada ha pasado, nada me ha importado y nada quiere ser interesante. Por eso es una impresión lo que queda en el espectador cuando la cinta ha concluído. Haber presenciado algo increíble, sorprendente, íntimo e igualmente rídiculo. Si, en ese orden de ideas, Reygadas documento, con la ficción, la vida real, con sus contrastes extremos, donde la conclusión (o moraleja) es deprimida y redentora en proporciones iguales.

Top Ten: Música. 8


Little Joy
Little Joy, 2008
Rouge Trade

El inconsciente es impredecible y dominante. Eso de interpretar sueños puede ser muy funcional, pero parece ser que da más señales en la cotidianidad de las que queremos reconocer. Derivamos en diversos nombres para reconsiderarlo: sentido común, instinto, premonición y hasta deja vu. Le modificamos el nombre para otorgarle otro significado, porque, básicamente, le tememos al inconsciente, su poder y su revelación.

En ese sentido, uno habla como le fue en la feria. Por lo que encontrarme con un disco como este (y el gusto que le tuve) me sorprende y contradice. Finalmente, no se le puede negar mucho a la realidad de lo que somos.

Little Joy surge como proyecto ansiado (y alterno) de Rodrigo Amarante (guitarrista de Los Hermanos) y Fabrizio Moretti (baterista de The Strokes) Era la escapatoria a la rutina que al final se convirtió en un proyecto de suma importancia para ambos. A ellos se les une la hermosa voz de Binki Shapiro (pareja de Moretti) y sacan su grabación: una cursilería por demás disfrutable. O, más bien, once piezas de enamoramiento, promesas, emociones, pasiones y hasta despedidas (más o menos como una relación) En el trayecto, la música que demuestran no quiere complacer a nadie, no se siente la producción obligada para tener sencillos a granel. Los tres protagonistas se sienten dichosos de poder cantar y ejecutar con mucha libertad sobre lo que realmente tienen la necesidad de explorar y manifestar. Aunque no se escuchan muchos arreglos (ni adornos) existe, en esos once traks, un poco de todo, de folk, country, bossa nova. Pero nada de eso sería relevante (o notable) si no es por la fluidez que brinda su honestidad y sencillez para componer y comprometerse a un sonido, que avanza, se detiene, se enreda y remata. Mucha melancolía, mucho egoísmo y mucha soltura. Amarante y Moretti, aparentemente necesitaban un proyecto como este, dejar de ser las imágenes que venden revistas y camisetas y concentrarse en tocar los lugares que conocen. En ese territorio se encuentran más optimistas.

En la curiosidad también se lleva la penitencia. Mientras para algunos son once piezas que le pueden dedicar a su pareja o pretendiente y emocionarse, para otros es un recuento de los daños, del enfrentamiento con una dura realidad, del cierre del idealismo y sobre todo de la ausencia y la soledad que uno a veces tiene que cargar. Pero como las relaciones, eso tampoco será para siempre.

La mejor: The next time around
Downlodeables: Brand new star, Keep me in mind, Don't watch me dancing

Top Ten: Cine. 8


Camino Salvaje
(
Into the wild, 2007)
Dir y guión: Sean Penn (basado en el libro de Jon Krakauer)
Con: Emile Hirsh, William Hurt, Catherine Keener


Después de revisar este nuevo trabajo (en la silla de director) de Sean Penn, queda claro que le profesa muchísimo amor al cine, principalmente como buen espectador. La historia de Chistopher McCandless es sin duda interesante y con el suficiente material para construir una cinta que rebasa las dos horas de duración, una aventura que podría abarcar la suma de la vida de muchos hombres y a que al final le cobro muy caro su odisea. Sin embargo, por encima de lo riesgoso que se anticipaba su proyecto, Sean Penn tiene el acierto de engrandecerlo de la única forma que podía.

Varios análisis y estudios sobre el comportamiento humano se ejecutan muy de la mano con el cine. No hace mucho, un estudio revelaba que en algunas parejas, alguno de los dos tomaba como estándar la relación amorosa que observaba en una película. Patrón muy alto de alcanzar para el ser humano, la desilusión venía casi de inmediato. Con ella, la ruptura, el aislamiento y la depresión (en casos extremos) Y es que el cine posee una propiedad muy específica, engrandecer lo bueno y lo malo de la realidad, adornar cada situación con cuanta combinación de factores se le puede añadir y mostrar una ficción que a todos seduce. Muchos recuerdan momentos íntimos y personales como en una película, emotivos, desproporcionados y dramatizados.

No por nada cada impresionante toma panorámica de un paisaje viene de la mano con la experiencia que va adquiriendo el personaje principal, con sus dudas, sus carencias y su egocentrismo. El personaje abandona todo lo que consideraba propio para entender todo lo que desconoce (en cuanto a relaciones humanas, motivaciones) Su aventura tiene como finalidad llegar a Alaska y vivir en la naturaleza, sin posesiones ni dependencias materiales o emocionales (buen proyecto, si me lo preguntan) Y aunque su determinación es radical, su soberbia provoca que uno se enamore o desprecie al personaje. Pero nunca a su propósito. Si se toman en cuenta varios detalles, existe el reconocimiento de que su ermitaña aventura tiene mucho que ver con la de todas las personas. El paisaje cambia con cada nuevo episodio, los rostros cambian (incluido el suyo) y la vivencia permanece similar.

Cerca del final, el personaje asegura que la alegría de la vida no viene principalmente de las relaciones humanas. Al final de la cinta (y con su postal escrita a modo de despedida) la alegría de la cinta viene de cada personaje y lo que depositan en la personalidad de McCandless, sus ilusiones, sus desilusiones, sus acciones, sus deseos y la dependencia al lugar seguro, a detener sus impulsos. Es en el momento en que alcanza su objetivo, que entiende (entendemos) que lo principal no era el objetivo, era el camino a el.

Sean Penn no solo es buen actor, con esta cinta también se muestra como un director bastante atento a cada detalle que una experiencia como esta tuvo que merecer. La historia de McCandless pone en evidencia que no todas las aventuras son para todos, pero todas las aventuras pueden ser contadas. Con igual majestuosidad o limitación. Personales, al fin.

Top Ten: Música. 9


Amon Amarth
Twilight of the Thunder God, 2008
Metal Blade

A muchos se les olvida que lo romántico de la historia proviene directamente de lo más violento del ser humano. Los poderosos imperios, las majestuosas civilizaciones, los eruditos ancestros y sus impresionantes ejecuciones. La etimología de la palabra “vikingo” es puro romanticismo, imprecisión y contradicciones, sus costumbres, características y herencias son patrimonio histórico, embellecido a través de años de historias, anécdotas y heroísmos. Bueno, hasta los piratas se están convirtiendo en personajes accesibles.

Por eso, da un gusto tremendo encontrarse con aquellos que niegan a ser etiquetados como representantes del “Viking Metal”. Los suecos de Amon Amarth. Sobra decir que el género mencionado ni siquiera existe, pero adherir una palabra a un término de por sí poderoso, es una tontería que sigue la tendencia de purificarlo todo. Indudablemente, la música que se habrá escuchado en la época de los míticos guerreros nada tenía que ver con la que se quiere emparentar a ellos. Sin embargo, los mismos miembros definen que si, exhiben historias que remiten a esos tiempos, que su estilo es el death metal y que la combinación, mas que una propiedad, es un ejercicio. Uno muy bueno habría que agregar.

Twilight of the Thunder God es el séptimo disco de estudio de la banda y sin duda es uno de los mejores trabajos del año. Aunque tengo que admitir que muy poco había escuchado de los anteriores trabajos, no me costo trabajo entrarle por completo al desmedido sonido de la banda. Pocas bandas suenan tan poderoso en estudio como ellos, aunque su derivación del death sea menos brutal que en la actualidad y si más lineal, más estándar (tipo Gorefest o Arch Enemy)

Y es que revisando un poco su pasado, el descubrimiento es que la banda no se ha desviado mucho de su sonido y no es algo que disminuya méritos. Tocan brutal de cualquier forma. Es en la simplicidad que su sonido se escucha aún más destacado y personalizado, enormes piezas que se sienten épicas, enojadas y hasta contagiadas. Recreaciones encumbradas de gloria sobre esos guerreros y anécdotas que suenan cada vez más interesantes. La verdad es que este año salieron muy buenos discos de metal (el de Opeth, el de Meshuggah) uno que otro infladísimo (el de Harvey Milk) y uno muy divertido. No hay que romperse mucho la cabeza, el disco es entretenimiento puro, diez canciones que se sienten más completas y más divertidas conforme se escuchan de nuevo.


La mejor: Where is your God?
Downlodeables: Guardians of Asgaard, Twilight of the thunder God, Live for the Kill

Top Ten: Cine. 9


Paranoid Park
(Ídem, 2007)
Dir. y guión: Gus Van Sant (basada en la novela de Blake Nelson)
Actuan: Gabe Nevins, Taylor Momsen, Jake Miller.


Hay que tener valor para tocar y manipular un clásico. Para más referencias, el cineasta Gus Van Sant. Su ejercicio de capturar y filmar cuadro por cuadro Psicosis (Psycho, 1998) del maestro Hitchcock estaba condenada desde el inicio. Al final, nada lo salvo de la brutal masacre por parte de la crítica y el ninguneo del publico. La verdad es que el proyecto no resulto tan deficiente como muchos creen y Van Sant, por encima de todo, cumplió con un capricho muy personal.

Pero no es ese clásico al que me refería, sino al que tiene por contar la desangelada etapa donde la adolescencia esta llegando a su fin, el aislamiento que un adolescente se ve forzado a sortear y la auto reclusión de todas las dudas que ofrece la maduración. Van Sant ha tratado de reflejar la desilusión de vivir en un país donde cada persona esta sumergida en su propio egoísmo, su propia desilusión y su propia cortinilla de humo (llámese pasatiempo, terapia o las horas invertidas en el myspace)

Alex observa al resto de los patinadores, solitario. Un joven se le acerca, le pide su patineta, la utiliza y la devuelve. Ese joven le invita a tomar cerveza con su grupo. Alex responde que no le gusta la cerveza, pero le encantaría pasar un tiempo con ellos. Y de ahí, la tragedia. Aunque el estilo de contar la historia no es el más habitual ni accesible, Van Sant manifiesta todo recurso narrativo para creer que estamos pasando de lado por la experiencia, cuando en realidad el resultado se siente más personal de lo que uno hubiera querido. Desconocemos con exactitud (o más bien, con profundidad) porque Alex parece aislado. Su entorno parece cómodo, cotidiano y es esa misma comodidad lo que revela su implosión. El padre tiene que preguntar para conocerlo, la madre procura acercarse lo menos posible, la guapa novia solo quiere mostrarse, los amigos solo quieren compañía.

Cada grupo social tiene su motivo. La búsqueda de una identidad casi siempre se ve enfrentada con la pertenencia y todo se vuelve confuso. Pertenecer a un grupo social (skatos, darketos, y hasta emos) produce cierta satisfacción y una que otra orientación, pero no ofrece respuestas ni soluciones. Alex no encuentra atracciones, solo distracciones. Enfrentado al problema, da por casualidad con la única persona que manifiesta un interés genuino en él y sus acciones, el investigador detrás de la muerte de un guardia de seguridad. Entre largos recorridos, pausas, silencios, la forma en que la historia avanza, debe ser como avanza en la propia cabeza del protagonista, con las duras y acusadoras miradas, personajes que entran y salen, palabras que no tienen mucho sentido y un pasatiempo filmado con mucha clase (de la mano del magistral Mr. Doyle) que ejemplifica lo que un hobbie se ha vuelto en esta época, una realidad menos inquisidora y demandante que la habitual. Una que también tiene fecha de caducidad.

Top Ten: Música. 10


Cut Copy
In Ghost Colours, 2008
Modular Interscope


Hay dos grupos en esta lista de diez que despreciaba bastante. Sus melodías me parecían una colección de complacencias, certezas, sin nada interesante que proponer. Si ponemos mucha atención, probablemente la gran mayoría de los grupos en la actualidad no proponen nada nuevo ni arriesgado (en cualquier género) Quizá el problema era el fervor que iban ganando, estas dos bandas, por tener un par de canciones pegajosas y muy repetidas en la radio. Muchos medios los convirtieron en las más prometedoras estrellas sin tener absolutamente nada con que respaldar semejante afirmación.

Si todo eso suena a “son populares, mainstream y por eso apestan”… pues si, eso es lo que quería decir, mas o menos. Sin embargo, no todo lo mainstream es malo, contrario a la creencia popular, las bandas catalogadas así han podido permanecer años por su música, no por su popularidad. Lo positivo en este caso, es que ambas demostraron este año que tenían propuesta, que tenían su propia personalidad, que rasgaron el pasado y sus influencias y supieron encontrar un sonido propio… o lo más cercano a tal. La primera banda que tengo que mencionar como el caso es la australiana Cut Copy.

Una banda más del montón que llenaba los antros de moda con su repetitiva y monótona música. Ni siquiera era pegajosa. Pero la clase alta los encumbraba como el parte aguas de toda la década. El sobrenombre de “prometedor” les quedaba demasiado grande y así, en silencio, pasaron un tiempo buscando dejar de ser la banda con la canción onda que solo se podía escuchar en ambientes festivos (traten de escuchar el primer disco en privado y el tedio no les permitirá llegar al cuarto track)

In Ghost Colours, publicado en Abril, se lanzó con mayor precaución. Si seguían siendo comerciales, con tonalidades accesibles pero con mucha tranquilidad se empezo a movilizar sencillo tras sencillo. Ya no eran los mismos beats explosivos (adheribles y desechados con facilidad) aunque tampoco era un cambio radical. Solo era tratar de expresarse sin la obsesión de pegar en la radio. Y el plan resulto. 15 tracks accesibles que, sorpresivamente, dejan de sonar del montón. Cosa curiosa, su sonido no ha sido llevado al siguiente paso, pero casi y con ese poco, Cut Copy puede presumir que van por el camino correcto. Éxito comercial, crítico y casi igual de popular que el anterior. Curioso porque a pesar de que suena parecido (con su correspondiente estirada) no provoca que uno revise su disco pasado y le entre un repentino gusto. No. Uno quiere seguir escuchando una y otra vez este nuevo trabajo (que si lo recorriéramos junto con el de Datarock parecerían casi secuelas)

Es música electrónica bailable, escuchable y renovable. Suena bien, podría sonar mejor. Pero no suena peor.

La mejor: Feel the Love
Downlodeables: Lights and Music, So Haunted, Nobody lost nobody found.

Top Ten: Cine. 10


Búsqueda Implacable
(
Taken, 2008)
Dir. Pierre Morel
Escrita por: Luc Besson & Robert Mark Kamen
Actúan: Liam Neeson, Maggie Grace, Famke Janssen



De esta forma se iniciamos el recorrido.
Si con Angel-A (2005) el cineasta Luc Besson parecía volver a estar en forma, después de Taken uno se pregunta si no sería mejor que permaneciera como productor y apadrinara este tipo de cintas.

Liam Neeson interpreta a una máquina de asesinar gente en esta cinta donde después de recibir una angustiosa llamada de su hija (de viaje en Francia) confirma que la han secuestrado y emprende su camino para rescatarla. Han pasado pocos minutos cuando uno entiende que el personaje posee todos los elementos para cumplir su objetivo. Nada lo detiene, nada parece que lo hará y uno no puede evitar emocionarse.

Esta curiosidad paso de ser una mera cinta palomera, a una demostración de cómo la acción inútil y desmedida repleta de efectos especiales (a la Wanted o Max Payne) nada tiene que hacer cuando se invoca a la simple y dura persecución física y la personalidad del estelar. Bryan Mills es un hombre anticuado en todos los aspectos, llega con un infantil obsequio al cumpleaños de su hija, niega su permiso en par de ocasiones para que la chica pueda viajar y la obliga a portar un teléfono para que le llame cuando se le ocurra cruzar una calle o antes de lavarse los dientes. A pesar de contar con la tecnología (y viejos amigos que se le cuadran), Mills sabe que a la hora de la verdad, lo importante es lo duro y también lo tupido. La situación sabe manejarse y complicarse para que siempre este la duda si el personaje logrará rescatar a la hija, no por la incapacidad propia sino por la incapacidad y complicidad de todo su entorno. Si este retirado agente, convertido en guardaespaldas de una estrella juvenil, nos hacía pensar de inmediato que era obsoleto, al avanzar la cinta parece ser que lo caducado son las organizaciones, las corporaciones y la clase social más poderosa.

Apoyado en la perfecta interpretación de Liam Neeson, Mills carece de sentimientos, no toma ningún rehén, no se compadece de nadie, no se inclina ante nada ni muestra el menor arrepentimiento de sus violentas acciones. Finalmente nadie a su alrededor merece compasión, mucho menos un amigo de años y contacto en Europa, con el que comparte una de las mejores secuencias de la cinta, la cena familiar.

Indudablemente una historia como esta ha transitado innumerables veces en la pantalla grande (hasta Commando con Schwarzenegger poseía elementos similares) pero la forma en que esta contada, planeada y (especialmente) montada logra que se sienta renovada y de nuevo disfrutable.

A continuación


Llámenme tramposo.

Cuando he querido hacer un listado cada final de año, destacando lo que mas me ha gustado, me extiendo a niveles sobrenaturales. Así que mejor opte por esta versión. A partir del sábado, el cine y la música que mas me gustaron en el 2008, del 10 al 1. Como es tradición, las listas se publican antes de terminar el año o días de iniciado el otro. Evidentemente, esta lista (por cuestión de tiempo, abarcará ambos períodos.

De esa manera, puedo hablar brevemente de cada lugar sin temer extenderme demasiado. No será de 10 lugares, al final será de 12 o tal vez 13, ya veremos. Como todas, hubo muchos cambios, muchas salidas y entradas, movimientos de posición y demás. Aún no están decididos los 4 primeros lugares, pero casi y esperemos quede en tiempo.

All Nightmare Long

La pasada ocasión que puse un video de Metallica con su descarga, me borraron el post, tal cual.

Así que omito la descarga y pongo el video. Tengo que agradecer a Eric Vornoff, en cuyo sitio pude admirar esta alucinación fascinante zombiesca por primera vez (su entusiasmo me orillo a revisar tal video) Y de una vez, celebrar el lanzamiento para el próximo año del Guitar Hero: Metallica

El Impresionante Video del cuarto sencillo del Death Magnetic. Una autentica maravilla

Hasta la canción mejora con las imagenes



Metallica - All Nightmare Long
Dir. Roboshobo

La tontería del día

En una de las últimas semanas del año, parece que todo se vuelve caótico. Los niveles de nerviosismo de la gente son elevados y uno inevitablemente se contagia de tanto estres. Si esta semana, lo que va, ha sido muy complicado, no quiero pensar como será el cierre de esta misma.

Intente, para tranquilizarme, empezar a hacer un breve listado de las cintas que mas me habían gustado en el año (mi top ten) pero la ansiedad y estres se dispararon a niveles elevados. También como se me ocurre. Entre decisiones dificiles, transiciones, final de ciclos y demás que debo enfrentar en el transcurso de 2 semanas, nada me podía distraer.

De casualidad, di con el siguiente video. Por fin, había encontrado algo que me relajara, que me despejara. He reído con el recuerdo de un amigo mio y su propuesta de salir tal cual aparece el cuate del video, pero en plena vía rápida del D.F., contando los minutos en que tardaría en aparecer la primera patrulla, con motivo a la terminación de su carera. Eso sí, la unica diferencia es que iba a estar barnizado con diamantina.

La idiotez del día tiene un nombre: Party Boy. Siempre fue divertido como la música lo invitaba a desnudarse y bailarle arrimado a cualquiera. No es para todos los gustos (Jackass jamás lo fue) tal vez solo para el mío.

Apocalypto


Si no mal recuerdo, la sala estaba saturada. No cabía una sola persona más, así que mi impuntualidad característica me obligo a tomar asiento en la segunda fila (en la primera todos iban acompañados y supongo que prefirieron la compañía a un mejor sitio) Desde ese momento ya estaba de mal humor y soportar a todos aquellos que a 15 minutos de iniciada la función sacan su celular (para apagarlo, silenciarlo o responder un mensaje) ayudo a que en el momento en que el grupo ridiculiza a uno de los cazadores (dándole de comer los genitales de la presa) ya me sentía muy incomodo, aburrido y arrepentido.

Pero no me duele nada confesar que la cinta de Mel Gibson, Apocalypto (2006) me atrapo poco después y salí más que satisfecho terminada la proyección. Desafortunadamente, fue toda la controversia que produjo después de su estreno lo que daba de que hablar. De pronto, todos eran expertos de la cultura Maya y con sus limitados conocimientos, salieron los más odiosos e infundados comentarios que despedían el 2006. Algunos espectadores, críticos y personas con algún medio de comunicación se convirtieron en historiadores legendarios de la cultura y por tal, despreciaban el producto de Gibson, quien de por sí venía de su ultra controversial (y sobrevalorada) reflexión religiosa / gore-fest llamada The Passion of the Christ (2005) Entre que algunos todavía le guardaban rencor por esa visión de las últimas horas de Cristo (y su descomunal éxito económico) y los que lo tildaron de pretencioso por narrar una nueva histórica aventura en un idioma que ni conocían, Apocalypto fue más infame que su anterior cinta (sin incluir su penoso incidente pasado de copas)

Revisándola de nuevo, ya sin la fiebre acusadora e inquisidora, debo decir que he disfrutado aún más la cinta que en su momento de estreno. De manera independiente a los comentarios posteriores (y no muy enfocados en la cinta) el momento que conserve de la película (siempre conservo uno, ya sea bueno o malo) fue el desenlace: el fugitivo desesperado por rescatar a su esposa tambalea todo el camino hasta la orilla de la playa, se desploma, cansado y herido, detrás de él los últimos perseguidores se detienen a pocos pasos de su objetivo. Los tres miran al horizonte, dubitativos, temerosos pero fascinadamente atraídos por la visión.

Por esa escena, la cinta fue vapuleada. Aún en la sala, el cuchicheo correspondiente se producía y yo me preguntaba si la historia lo contaba así. Pero debo reconocer que esa secuencia supo resolver todo el problema y la historia en general. No todos saben que esa secuencia, la llegada de los invasores (¿?), fue la que motivo la existencia de la cinta. Gibson tuvo esa imagen (el hombre desplomándose en la playa) seguido por la llegada de los conquistadores (¿? again), seguido por una sonora carcajada suya y de su guionista. Cual sería la sorpresa que el hecho no era tan descabellado. Aparentemente, por el año 1502, Colón efectuaba un cuarto viaje, cuando arribo a una zona maya. El viaje y el regreso fue desastroso para Colón (perdió 3 de los 4 barcos con los que llego) Aunque el hecho no es totalmente comprobable, muchos historiadores afirman que sucedió. Y aunque Gibson se haya emocionado con las lecturas de Diego de Landa, en realidad nadie puede asegurar poseer la verdad absoluta sobre como vivieron en su época (pero para más, los anacronismos y errores aca)

Pero algo más golpeaba el ego de muchos espectadores y tenía que ver con el entendimiento de cada uno. Según muchos, la visión de la cinta es una ofensiva descripción de sus conocimientos. Los mayas “eran” explotados como violentos y degenerados animales, todo el misticismo romántico, mitológico, profeta, tecnológico, arquitectónico y sobre todo cultural se eliminaba. ¿En serio se cree que no era una cultura violenta y sanguinaria? ¿No lo fueron todas las civilizaciones existentes? ¿Y porque al entenderlos como violentos, dejaban de ser civilizados? Finalmente, como seres humanos, compartían la búsqueda de poder, dominio y codicia. Los sacrificios, en la cinta, son mostrados del lado de las victimas, a diferencia de los textos donde son valorados desde el punto de vista de los victimarios (esas versiones donde los sacrificados iban danzando felices a su cruel destino)


Sin embargo, nada de eso debería ser importante. No es un documento histórico ni una recreación fiel a los hechos. Es una película de acción, que se quiso situar en esa época y entorno. Y como cinta de aventuras, es un viaje emocionante que pocos quisieron ubicar como tal. El héroe es capturado, humillado y marcado por el enemigo. Escapa de forma espectacular y huye tras la terca persecución del líder (quien pierde a un hijo) Entra en su asombroso territorio y emplea cualquier técnica y armamento para ir eliminando a sus perseguidores y llegar por fin a su familia, no sin antes enfrentarse en un duelo con su Némesis, secuencia montada con mucha pericia (sonido, edición, intensidad) Si la primera revisión que tuve me alegro, esta segunda me emociono.

No cabe duda que el director le metió mucha pasión al proyecto y el resultado no podría ser más satisfactorio, como una pieza ficticia (no se claven) El cuidado que hay para cada vestuario (realizados a mano por miles de personas, bajo el cargo de una mexicana) que distinguía las clases sociales. Los tatuajes que eran un vínculo con varios dioses, la construcción del impresionante mercado (pintaban madera para que pareciera jade), los vistosos paisajes, las secuencias de persecución, la impresionante violencia física y demás aspectos son de alto nivel. Siendo honestos, si alguien como Michael Bay hubiera puesto su pezuña (digo, mano) en el proyecto, el estelar sería Josh Harnett, hubiera sido hablada en ingles, pirámides y escenarios CGI, pólvora envuelta en hojas produciendo explosiones a la menor provocación y demás sutilices típicas del seudo director.

Mel Gibson bailaba a la par de los pobladores. Seguirá bailando con las ganancias de su historia religiosa, pero sin duda ha avanzado muchísimo con narrador y contador de historias, aunque tenga que obligarse a situarlas tan cerca como se pueda de la realidad.

29 steps


Como cada fin de año, los listados de lo mejor/peor del año no se han hecho esperar. En el blog Cinevertigo estan mostradas muchas de las listas que varios críticos de cine lanzan sobre las mejores cintas que se exhibieron en el 2008 (o años pasados)

Es divertido leer esas listas y ver cuantas coincidencias existen (y cuantas discrepancias tienen con el lector) En estos días, Edgar Wright, director de Shaun of the Dead (2004) y Hot Fuzz (2007), publico la suya. Y como para separarse de la mayoría, hace su lista de las 29 películas que más disfruto en el año. Una lástima que la mayoría no se ha estrenado por aca (y ni planes hay), pero la pongo porque tuvo el valor de colocar una cinta en su listado (seguramente será el único listado donde será incluida)

Le aplaudo su inclusión y también fue una de las cintas que más me divirtio en el año. Él la coloca en el lugar 20, yo la colocaría por el 13 y casi todos la colocan en el 3 o 4 (pero de lo peor del año)
Su lista a continuación, para dejarle comentarios aqui:


1 - LET THE RIGHT ONE IN
2 - SYNECDOCHE, NEW YORK
3 - IRON MAN
4 - NOT QUITE HOLLYWOOD: THE WILD, UNTOLD STORY OF OZPLOITATION
5 - MAN ON WIRE
6 - HUNGER
7 - FROST / NIXON
8 - THE DARK KNIGHT
9 - BURN AFTER READING
10 - WALL-E
11 - RACHEL GETTING MARRIED
12 - SLUMDOG MILLIONAIRE
13 - HAPPY GO LUCKY
14 - GRAN TORINO
15 - KUNG FU PANDA (IMAX)
16 - REC
17 - CLOVERFIELD
18 - JCVD
19 - SON OF RAMBOW
20 - RAMBO
21 - THE RUINS
22 - HELLBOY II: THE GOLDEN ARMY
23 - THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN BUTTON
24 - THE FOOT FIST WAY
25 - TROPIC THUNDER
26 - MILK
27 - W.
28 - ZACK AND MIRI MAKE A PORNO
29 - PINEAPPLE EXPRESS
30...


The 2008 RIKI OH award for insane, senseless violence - RAMBO
Runner up - PUNISHER : WAR ZONE

Some surprising choices I know, but I will defend my choices of 60 year old John Rambo and killer, cell phone imitating vines to all comers. Now, argue amongst yourselves that THE DARK KNIGHT isn't higher.

Primeros Pasos III / Can you dig it??!!


En algún momento, un gigantesco post para el blog surgió. Ansiaba que llegara el día en que tomara la decisión para hablar un poco de esta cinta. Era tal la emoción, que el día se postergaba constantemente. “Es que tengo que ser emotivo, impresionante, desatado”. Esta vez, fue por mi. El deseo frenético de hablar de una de las cintas que más han marcado mi vida. Tan solo pensar en ella me emociona.

Si lo evaluó, nunca debí haber visto esta cinta cuando me toco. Tenía 7 años y en lo absoluto se puede considerar una cinta para un niño de 7 años. Eso sí, me doy cuenta ahora, es que era una persona mucho más equilibrada entonces que ahora.


Pero no me quiero desviar. La cinta en cuestión la vi con mi papa (de pronto me enseñaba unas joyas absolutas) Mi papa le encontraba un agrado permanente y si no fuera por él y mi madre, el cine para mi sería un entretenimiento más, sin mayor importancia. Tengo que soltar el hecho de que yo alguna vez (y por muchos años) jugué béisbol y el deporte me hizo viajar a otros países. Por eso es el deporte de mis amores, el que sigo sin importar quien juegue y el que disfruto mucho más que otro. Hablar de esta cinta me remite a esos años y me emociona de tal forma, que es imposible para mí tratar de ser concreto. Pasaría mucho tiempo soltando expresiones de asombro y emoción si tuviera que decirlo, recordando secuencias, diálogos, momentos, desagrados. Acabaría desgastado, con la única necesidad de revisarla una vez más.

El primer y más vivido recuerdo de tal es la videocastera (betamax) corriendo la advertencia sobre la piratería, en un fondo azul. El logo de “Videocine”. La pausa en negros. Y de inmediato, un acorde suave, monótono, repetitivo, con la imagen de una gigantesca rueda de la fortuna girando suavemente. El título de la cinta (oh, que emoción) y el metro subterráneo de Nueva York avanzando hasta un primer plano. Y entonces suena con mayor intensidad la armonía, el sintetizador, dirigido, y el riff de guitarra.

La impresionante presentación de quienes se verán involucrados en un evento de magnitud absoluta. Los “colores” de cada uno de ellos, los medios de transporte, las caminatas soberbias. Nadie se metía en el camino de ninguno de ellos. La cita a la que acudían todos esos personajes era en un parque, con un semi-guru, reflexionando sobre la unidad, sobre una nueva etapa de progreso, sobre un sueño. Y a su discurso, ante las miradas de los seres más peligrosos y brutales de la ciudad, un grito brutal que se repetía, acompañado de aplausos y alaridos: “Can you dig it?

La cinta, por supuesto, The Warriors (Walter Hill, 1979) No puedo, verdaderamente, no puedo hablar de todo lo que esa cinta involucra para mi. El descubrimiento de ese medio tan explosivo de comunicación como es el cine, la narración de un grupo de pandilleros “buenos” escapando de una constante persecución y caza. El anhelado regreso a casa. La compañía de mi padre y la emoción que sentíamos los dos por ese momento. Él, seguro, volvía a ser niño y yo, a su lado, me sentía hombre.

Aún no he visto, en pantalla, una secuencia que me haya emocionado tanto como la que presento a continuación. La primera vez que la vi, no entendía porque mi corazón se había acelerado tanto, solo quería más y más. Las siguientes veces que tuve la oportunidad de revisarla ansiaba con urgencia llegar a esa escena. Y cada que la veo, me vuelvo a sentir emocionado, exaltado, con mucha adrenalina.

Ver a esos baseball furies marchando tras The Warriors es una imagen que jamás se borrara de mi mente. Que limpiara toda tristeza que pueda sentir, que me hará sentir igual de rudo que los pandilleros. Que hará que extrañe el sintetizador y el riff que Barry DeVorzon introdujo y convirtió en un clásico. Si, quería disfrazarme como los furies, si, alguna vez jugue a esa escena y si, odie la forma en que Ajax es atrapado.


Con todos los efectos especiales que puedan imaginar y crear, no han llegado a esos 3 minutos de persecución. A 3 minutos de emoción, a 3 minutos de locura. Y por supuesto, a tres minutos de la mejor compañía que tuve (y por partida doble)



Hell Ride



Uno esta tentado a muchas cosas. En la perspectiva de cada uno, debe caer la penitencia. Bajo la óptica de cada creador, siempre aparece el acercamiento a cada momento epico de su rama.

Quiero imaginar que Larry Bishop no pudo resistir la tentación de tener a un muy venido a menos (pero siempre respetable) Michael Madsen en su reparto, para su cinta Hell Ride (2008) , una más de los acomplejados ejercicios "grindhouse" que han empezado a producirse con mucha frecuencia ultimamente. Es inevitable poner a Madsen, caminando (en cámara lenta) hacia la cámara, mirando el suelo, cigarrillo en mano, mientras que detrás de él una explosión se forma. Si el Mr. Blonde de Resevoir Dogs (Tarantino, 1992) fue el papel de su vida, también fue el que tendrá que cargar el resto de su carrera. De modo que Bishop se siente tan inseguro, que no solo el andar de Madsen tiene que resaltar, sino también ha de resaltar su vestimenta (que, aparentemente en cualquier otro ser humano se vería rídicula, en Madsen se ve en onda), su vehículo, sus dialogos y, porque no, todo a su alrededor.

En el momento en que Madsen desaparece de la historia, todo se siente acartonado, desordenado y sin apice de inspiración. En cuanto regresa a escena, todos se vuelven patiños del abatido personaje y todos deben interactuar acorde a él.

Entonces, ¿para que aprovechar al resto del reparto? Por ahí aparecerá David Carradine, Dennis Hooper y Vinnie Jones (que tiene un gran dialogo, acerca de sus tatuajes) Finalmente, solo son relleno para el lucimiento de Madsen. El problema es que la cinta no esta diseñada para que Madsen, sino para el propio director, Bishop, quien también actua en la cinta como el lider de la pandilla de motociclistas.

La cinta parece narrar las aventuras de dicha pandilla, en busca de revancha contra otra pandilla, por el asesinato de su antiguo lider. Y por ahí, el asesinato de la novia de uno, que resulta ser la madre del otro, quien es cuestionado por el lider, quien es revivido por una chamana, quien tiene amorios con otros hombres, cuyos enredos derivan en otra mujer, la cual tiene información vital de la historia, para que eventualmente encuentren al lider retirado de la otra banda y entonces se enfrenten en la carretera los nuevos personajes, no sin antes mostrarse respeto y presumiendo sus vehículos.

¿Porqué Tarantino se ha encargado de apadrinar semejantes tonterías? Bishop no es un gran director, mucho menos un gran actor (aunque todas las mujeres de la cinta se tengan que rendir a su presencia) La tentación de tener su nombre vigente, aunque el nombre, de seguir así, ya no garantizará absolutamente nada.

Director y escritor : Larry Bishop
Actuan: Larry Bishop, Michael Madsen, Eric Balfour

Viernes musical IV (o placer culpable)

Un día me toco ir a la aseguradora para que valuaran un golpe de mi auto. El servicio, para sorpresa de muchos, fue muy rápido, ágil, dirigido y coordenado. Me tomo cerca de 35 minutos entrar y salir (con cheque y sonrisa) Pero en el medio, en la sala de espera, tenían una televisión para los pobres que esperaron mucho más que yo, donde transmitían un video de un concierto de impresionante producción.

En una canción, bailarines, stunts y demás recorrían la cancha, las gradas (acordonados) y se involucraban con la gente, mientras en el centro del escenario, toda la atención estaba en uno de los íconos musicales (y femeninos) más respetados de la historia. Las primeras notas de la canción (remezclada) “Music” hacía surgir el alarido del respetable, mientras Madonna instaba a todos a juntar sus manos y aplaudir al ritmo del asombroso conjunto multicolor de luces por todo el escenario.

No se que gira involucro, pero poco después de verlo, anunciaron que la artista pisaría tierra mexicana para dar un concierto que era anunciado como imperdible. Uno que a veces se deja llevar por la mercadotecnia (¿a veces?), compro el show. Principalmente por el video de un concierto previo y la espectacularidad del mismo. Aclaro desde ya, no soy fan de Madonna, no tengo sus discos, no escucho su música recurrentemente, pero tampoco me desagrada. Algunas canciones de ella las tengo en el Ipod, y las pongo sin ningún problema.

Cuando el anuncio de los precios salió al aire, solo sonreí y dije: “No”. No iba a pagar más de 300 dolares por verla a ella, ni a nadie, para el caso. Así que lo deje ir, no me preocupo perderme ese “evento del año” ni me quito el sueño. Ver a Madonna en vivo era una mera curiosidad, nada más. Pero fue la semana de su concierto cuando escuche por la radio el nuevo sencillo de su "mixed reviewed" album Hard Candy. Es la canción con la que cierra el recital, acompañada de una docena de bailarines y su correspondiente impresionante iluminación.

La canción (con la siempre respetada compañía de Pharrell Williams) es “Give it 2 me”. No me la puedo quitar de la cabeza. Tal cual. Y la mujer sigue viendose impresionante. El video:







Madonna - Give It 2 Me
Dir. Tom Munro & Nathan Rissman

La critica



Conozco a muchas personas que no leen una crítica de cine ni por accidente (ni siquiera toman el pedazo de periodico para asustar a un perro que les ataque) Algunos son coherentes y evitan las reseñas de cualquier otra cosa. Pero al menos en lo referente al cine (y a la crítica) lo evitan por dos razones: la primera, no quieren que les arruinen algún momento importante de la cinta; la segunda, consideran que la “critica” es por lo general tendenciosa, parcial y negativa.

Si es cierto, como he leído, que la sociedad de críticos (si es que hay una) es una especie en peligro de extinción, creo que sería una verdadera lástima que llegará su anunciado final. Personalmente, disfruto leer la crítica de una cinta antes de revisarla. Cierto, al leerla uno elabora, inevitablemente, un juicio anticipado, medio sabe a lo que va y esta atento a las partes que el crítico destaco (positivas y negativas) Aunado a esto, he comentado varias veces, en varios rincones, que el único comic al que le fui leal, fanático, respetuoso, emocionado, fue al que contaba la historia de Frank Castle y el vengativo camino de destrucción que dejaba a su paso.

Leer la crítica de Punisher War Zone me ha dejado mucho más emocionado que cualquier violentísimo previo se muestre de la misma. Es regresar al momento en que jugaba con los niños de mi cuadra a ser Castle por un rato y esconderme en el terreno baldío, para brincarles desde un arbusto y disparar (con mi mano en forma de pistola) todas las balas que podía imaginar.

John Anderson, de Variety, escribe:

"Frank Castle, aka the Punisher, was last seen in 2004 unleashing his inner homicidal maniac on the mobsters who killed his wife and children. In the latest installment, "Punisher: War Zone," Frank is played by Ray Stevenson, taking over for the original's Thomas Jane, but he remains divinely ticked off: "Sometime, I'd like to get my hands on God," he mutters, still unafraid to take matters to the top. Gore-drenched actioner is guaranteed to draw fans of wretched excess like moths to a nuclear holocaust"

Randy Cordova, del Arizona Republic, comenta así:

"If you love the sight of blood, brace yourself: Punisher: War Zone is the holiday movie for which you've been waiting.
This is easily one of the most brutal mainstream films of the year. I've seen movies about flesh-eating zombies that feature less guts and gore getting splashed about the screen
"

Efectivamente. Uno después de leer cualquier comic de The Punisher, tendría que esperar una versión cinematográfica increíblemente gráfica, agresiva, violenta. Uno que otro blog ha asegurado que este es el “guy flick” por excelencia (el género, por supuesto, no existe) y creo que quien asegura eso, acaba de cumplir el compromiso de ver Sex & the City con su novia (esposa, amiga o pretendiente)

Mi queja, por supuesto, es ¿Por qué quieren ver una secuela más de Death Wish? Castle nunca ha recorrido un camino de redención, nunca lo ha tomado, nunca es profundamente espiritual, ni emocional. Simplemente esta enojado. Su enojo no conoce fronteras y lo ha consumido tanto que no reconoce donde termina su camino, no se reconoce a si mismo y a veces olvida porque empezó todo.


El comentario más explicito y divertido (o emocionante), viene de parte de Joshua Tyler, del Cinemablend:

"Second reason, and this is the one desperate Punisher fans are most likely to latch on to, it’s violent. Ulta-violent. Not just violent, but also gory. Over the top, completely ridiculous, people’s heads explode in a shower of goo every time they get shot, gory. I’m not endorsing violence in movies here, but the one thing that set The Punisher apart from the other comic books out there jostling in line, waiting for Hollywood adaptation, is that he’s a super-violent, psychotic killer. He’s not Batman or Superman or Spider-Man. He’s not trying to bring anyone to justice. He simply wants the bad guys dead. He only goes after criminals, sure. But he’s not nice about it. If you’re going to bother making a Punisher movie in the first place, then you need lots of violence. For the first time a Punisher movie gets that right"


Ahora bien, ninguna de las criticas anteriores hablan de un gran cinta, ni siquiera de una buena. Parecen coincidir en dejar al personaje de la calavera en el mundo del comic. Como fan del comic, creo que sería prudente, pero simplemente no puedo evitar emocionarme por semejante ejercicio violento (que me acompaño muchos años de mi vida) y mucho más, después de leer el siguiente texto de Luke Thompson, dentro del New Times:

"And then Thomas Jane announced that he had turned down an offer to reprise Castle because the script wasn't good.

Well, no offense to Mr. Jane, but the script really isn't the point. After seeing Punisher: War Zone, it's clear that if there even was a script, it went something like this:

EXT. CITY STREET. NIGHT.
The Punisher kicks some ass.
INT. OLD BUILDING. NIGHT.
The Punisher kicks more ass.
EXT. ROOFTOP. NIGHT.
The Punisher takes names. Nahhh, just kidding. He kicks even more ass.

Nothing wrong with that, mind you, but how come it took Hollywood so long to figure that out? Punisher: War Zone is like a Seagal movie on crank, only with Friday the 13th bogeyman Jason Voorhees in the lead, provided Jason were smart enough to use guns and missiles in addition to his preferred tactic of punching holes in people's heads and sticking objects into various other parts of the human body"

Simplemente… cuento las horas para verla. Gracias expertos.

Update Ice Age 3

Tres pasos:

1) En este blog se presentan varios avances de películas próximas a estrenarse. Es inevitable, para quien escribe, revisar todos los previos de las cintas que se vislumbran en un futuro. Desde que descubri una página llamada darkhorizons, empece con ese fanatismo. Si no mal recuerdo, el primer trailer que vi en Internet fue el de Batman & Robin (Schumacher, 1997) y tanto me emociono que contaba los días para verla (para después vomitar) Ese vicio, porque es como leer páginas al azar adelantadas de un libro, no se me ha quitado. Me gusta la forma en que estan armados, las escenas que muestran, la música y me gusta también criticarlos. Yo soy uno de los que compran los trailers aunque la película se sienta un desastre,

2) El problema que muchos hemos encontrado con los trailers es que poco a poco han ido revelando mucho más de lo que quisieramos (secuencias que explican y muestran demasiado) No sueltan el final porque sería automutilarse. O el trailer muestra secuencias que no llegan al corte final de la película. Uno de los avances recientes más interesantes fue el de Cloverfield (Reeves, 2008) Mostraba solo lo elemental para describir la cinta (después descubrimos que la cinta no contaba mucho más que esa secuencia en otros escenarios) Un trailer puede ayudar y puede perjudicar. Ayuda, por ejemplo, a hacerme recuperar la fe en Punisher War Zone y a alejarme por completo de Friday the 13th (que al final revisaré)

El avance que muestro a continuación tiene mucho de todo eso. Ayuda y problema. Muestra solo una secuencia, que no involucra directamente la trama. Provoca el deseo de ver la cinta a su estreno y esperar que funcione. El problema es que muy probablemente será "la" secuencia más divertida de la cinta. Tal vez sea yo, las cintas de Ice Age no son mis favoritas, aunque reconozco que me han divertido. Pero en 2 minutos, el avance es mucho más emocionante, divertido, ingenioso que las tres horas de ambas precuelas.

3) El trailer:




El Post de Diciembre


Ayer escuchaba el podcast de un fulano que habla de tanta tontería se le atraviesa en el camino. No es irreverente, no quiere ser gracioso, no le interesa ganar escuchas y al parecer, no le interesa la forma en que narra las cosas. Con un poco de atención, uno puede creer que lo grabo en una sentada, así como saliera, y lo subió sin importarle mucho como había quedado (evidentemente no fue así). Él lleva años haciendo radio, escribiendo en diversos medios y siendo baterista de un grupo de surf (además de introducir la mítica palabra “merol”)

El punto es que habla de lo que quiere, cuando quiere y como quiere. Es bueno escuchar a alguien que no tiene muchos pelos en la lengua, dice las cosas como sabe decirlas (con sus tropezones y todo) y su manera de hacerlo es según su modo y idea, les guste o no. Pero el tipo es así, siempre lo ha sido. Puede caer bien o mal, pero al menos tiene constancia.

El fin de semana revisaba el número de entradas que llevaba y me daba cuenta que poco a poco han ido disminuyendo. Por segunda vez, ese hecho me preocupo. Con el tiempo, me di cuenta que no tenía nada diferente que contar. El cine es el principal de mis hobbies y pasiones. Pero la música, los libros, los comics, los deportes también ocupan mucho de mi tiempo. Me divierte jugar sudoku, ajedrez (y cualquier deporte que sea de contacto) Aunque no por eso tengo que hablar de cómo supere una partida. También hay que distinguir entre lo interesante y lo ocioso.

El chiste es que no he podido encontrar el tiempo y el lugar que necesito para escribir. Este espacio no se abrió por recomendación de nadie, ni proyecto alterno, ni como parte de una corriente. Tampoco fue orden de un psiquiatra o una desesperada necesidad. Lo abrí porque quería escribir y quería ser leído. Y, para ser franco, por la idea de no perder contacto con un amigo (a quien por cierto no se nada de él desde hace mucho) No se a estas alturas si alguno de esos objetivos se ha cumplido hasta ahora.

Me he complicado un poco con todo esto del blog. Vamos, nadie me paga por hacerlo y nadie tendría que hacerlo. Ese era el gusto. Era un placer escribir aquí, extenderme tanto como quería para después descubrirme a mi mismo editándome, entendiendo que había cosas que no eran necesarias. Nunca quise que esto de pronto se convirtiera en una necesidad, en un refugio, porque la idea siempre fue compartirlo, con quien pasara por aquí, con quien se mostrara interesado, con quien tuviera opiniones encontradas pero gustos similares.

Nunca he leído más que una entrada de la mentada plaqueta y su blog y nunca me ha interesado nada de lo que comenta. Sigo sin entender para que abrir un blog y subir fotos y fotos de tanta cosa se le ha atravesado, de sus hijos, de conciertos, de ellos mismos en estado deplorable. O páginas de gueyes apoyando a un político o descalificando a otro, del fanatismo a sus deportes e ídolos, blogs temporales de festivales, concursos. Páginas de puro naco (así se autoproclaman), interactuando con puro guarro, enseñando las fotos de sus ex novias desnudas y asegurando que están ardidos y que la ex era una puta.

En algo coinciden todos esos. Hacen con ese espacio lo que quieren. Si a alguien más le interesa, bien, si no, también. La curiosidad de uno deberá atraer. Y en esta dolorosa parte (aja) debo hacer menciones, para constatar que no lo alucine, porque es importante para mi mencionarlos, pero sobre todo en forma de agradecimiento porque contribuyeron a que no desistiera de este sitio. Más de una vez escribía entradas que no me convencieron, pensando en Joel o en El Duende, deduciendo que mis temas tenían que estar en cierto elevado nivel. Las reseñas que hacía de películas, algunas veces eran meticulosamente cuidadas, revisadas, analizadas hasta el mínimo detalle ortográfico, adelantándome a las opiniones de Ernesto, de Jorge, de Faraway, de Paxton, y Alex (muchas ni siquiera las quise subir). Cuando me decidía a poner música diferente, algunas veces me ponía en los oídos del D y Elvis. Si hablaba de alguna cinta europea, David Dunn, Igor y Mobius eran mis temidos críticos y si eran orientales, Josafat y Juniper. Si quería hacerme el chistoso y emocionarme por algo, debía pensar en Tyler. Para cada entrada, siempre fue el tratar de mencionar algo que atrajera tanto a mi hermana, como a Oliver. Así al infinito, con cada uno de las personas que han pasado por aquí (aunque sea por error)

¿Por qué darles gusto si este es mi espacio? No lo se, ese soy yo. Dando gusto a los demás por encima de mi (pero no os preocupeis, jeje, ya estoy en terapia de shocks para eso)

Así que, esta entrada esta puesta. Era lo que quería decir ahora. Probablemente estará fuera de lugar, he tratado de crear este espacio escribiendo lo que muchas veces no puedo decir. Soy de los que van al cine, sale y le preguntan “¿Qué te pareció?” y mi respuesta varía entre bien, mal, más o menos. Nunca explico lo que mi mente esta analizando con detalle, la dirección, la historia, los planos, que brincan el eje, que la exposición, que la escaleta, etc. Mejor trato de escribirlo.

Es Diciembre. Trataré de complacerme este mes, haciendo de este espacio lo que quiera, en el tiempo que quiera. Desde luego, seguirá siendo exactamente el mismo espacio, con los mismos temas, las mismas opiniones y la misma ausencia. Pero sin tener que preocuparme por detallar y expresarme con solvencia, siendo más directo. Tratar de ser yo, sin pensar en lo que los demás puedan pensar de ese yo. Y si. Subo esto con cierto recelo, pero también con mucha diversión.

The Joker: Graphic Novel


Él contaba una anécdota sobre un hombre obsesionado con recorrer el mundo en un día, a bordo de un auto. Habiendo fracasado en innumerables intentos, el hombre se sentó a un lado del camino, maldiciendo su mala fortuna. Apareció un samaritano pensando que tenía problemas. El hombre asesino al samaritano y a todas las personas que venían a bordo de su auto. Lo tomo y espero a que el sol se ocultara, para intentarlo de nuevo.

Evidentemente jamás lo logro y jamás se supo que fue de él. Lo interesante de la anécdota resaltaba en el hombre, quien culpaba a los autos de no conseguir su objetivo. Jamás cruzo por su mente que lo que el creía poder hacer era imposible.


La historia es contada por uno de los villanos favoritos del año y quizá uno de los más admirados en el tiempo: El Guasón en la novela gráfica The Joker, escrita por Brian Azzarello, creador de 100 bullets, Hellblazer y Primer.

Muy en la línea de The Dark Knight (2008, Christopher Nolan), Azzarello presenta a un Joker, recién salido de Arkham cuya única intención será recuperar lo que considera suyo, Ciudad Gótica. Si en algo casi todos se han reunido en aplaudir la cinta de Nolan fue la reinvención de todo el entorno del súper héroe, especialmente el de su Némesis. Ver a este renovado y violentísimo criminal en esta nueva entrada de Azzarello al mundo del murciélago, es mucho más impactante que placentero. El villano ha dejado de ser el desquiciado pero simpático antagonista para convertirse en un desequilibrado bipolar que parece cuestionar todo a su alrededor, pero se revela paulatinamente como un alma controladora de todo lo que tiene que enfrentar. Finalmente, lo odia todo, lo desprecia todo, la humilla todo. Avanza sin mucho cuidado, sin dudas, sin aviso.

Anteriormente, el escritor fue responsable de otra lujosa narración de otro de los villanos más reconocidos, Lex Luthor. Ahora, con mucha precaución, recorre los movimientos del psicópata solo que desde el punto de vista externo, desde la perspectiva de un miembro de su banda, quien, llevando de la mano al lector, se impresiona y se emociona en los primeros encuentros con el villano, se siente parte de algo mucho mayor que él, ambiciona una posición más poderosa y al llegar a ella, rebota contra una realidad que, aunque predecible, no quería notar. La simpatía y la lealtad que el individuo siente hacia su nuevo patrón produce que todos admiremos sus decisiones y sus acciones hasta poder reconocer que no había nada plausible, nada concreto, nada de que sentir orgullo.

Aunque la historia gira en torno a ese personaje y al propio Joker, Azzarello se da el lujo de presentar a varios personajes para emoción de los fanáticos, dentro de ese oscuro mundo que ha desarrollado (Harley como una bailarina exótica, The Penguin como un cuidadoso defraudador y The Riddler… a bordo de un BMW)

La teoría tendría que cuestionar porque el amor desmedido hacia el personaje. Todas sus acciones son rechazadas por el común social, son despreciables y son destructivas. A todos nos gusta verlo desde un lugar a salvo. Sin embargo, la falta de filosofía en el villano produce una sensación de libertad que nosotros desconocemos. No hay ataduras, no hay remordimientos. El temperamento de Joker cambia a cada segundo, donde pasa de asesinar a sangre fría a una pareja (solo por diversión), a las lágrimas desmedidas y deprimidas, para después violar a una mujer que acaba de rescatar.

La curiosidad de la anécdota que se atreve a narrar, la del hombre y su auto, logra adentrarse en lo más profundo del lector, cuestionando si solemos culpar las deficiencias de nuestro entorno. O simplemente evadimos cualquier responsabilidad que enfrentamos.

The Joker es una impresionante obra, sin tener que narrar un inicio ni un final. De tal suerte que uno de los personajes más emblemáticos ha revelado tener mucha historia que contar. Y a nosotros, la realidad de que solemos ser curiosos, solo para no probar.

Muy recomendable

I was born under unusual circumstances



Francamente, el cine en el 2008 ha sido por demás miserable. Pocas cintas interesantes se han proyectado tanto en corridas comerciales, festivales, re-estrenos y demás. Uno busca en otros rincones que no sea el americano y tampoco encuentra mucha diferencia. Indudablemente, el cine comercial chatarra hollywoodense también sirve como motor a la escena independiente y de tal vínculo, cuando el mayor esta enfermo, el pequeño también padece algunos males. Acercándose el fin de año y los inevitables listados de sucesos de toda índole durante el año, no es de sorprender que las mejores cintas que se han estrenado en México pertenezcan a años anteriores, cintas que se relegaban o cedían espacio para producciones mayores y que derivado a la poca calidad mostrada, se estrenaban sin mucho ruido ni interés (una lastima porque fueron cintas de asombrosa factura)

Pero no todo lo perdido es malo.

Cualquiera se sentiría orgulloso de haber pertenecido a la “Generación Perdida”, aquella que incluía a William Faulkner, Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald y varios escritores más.

Será una adaptación de este último la que se proyectara a finales de año, con la esperanza de muchos de que rescate todo lo previo a ella. The Curious Case of Benjamín Button es dirigida por David Fincher, en sus créditos destacan Brad Pitt y Cate Blanchett y es escrita por Eric Roth (responsable, entre varias, de Munich, The Insider, The Horse Whisperer)

Del compilado Tales of the Jazz Age (1922), la cinta se basa en el cuento corto del mismo nombre, donde un hombre que, en lugar de envejecer, rejuvenece con el paso del tiempo.

Fitzgerald mencionaba lo triste que era notar que la mejor parte de la vida es el inicio y la peor viene con el final. De ahí la motivación de tan curiosa historia. Desafortunadamente, la cinta no tiene fecha de estreno en México, aunque parece ser que será a finales de Enero de 2009 cuando pueda ser proyectada




The Grapes of Death



Algo seguro parece decir. Cuando el entorno este rodeado por zombies, el mayor peligro aparece cuando se encuentra a los humanos sobrevivientes. Elizabeth corría “alrededor” de la villa con los seres putrefactos, de un lado a otro, tropezando con ellos, esperando que se reunieran y tratando de encontrar una salida. En ese momento, con los engendros pisándole los talones, una mujer sin rastros de infección la rescata y se ofrece para acompañarla a la salida del lugar. Ahí empieza el verdadero problema.

Jean Michel Rollin es el director de Les Raisins de la Mort (mejor conocida como The Grapes of Death), cinta que por muchos años se consideró una ventajosa copia europea de la obra de George A. Romero, Night of the Living Dead. Elizabeth y Brigitte viajan a bordo de un tren hacia el sur de Francia cuando son atacadas por un hombre en plena descomposición, sin visible motivación. Brigitte es asesinada pero Elizabeth logra escapar del tren y acabar en una villa desolada, cuyos habitantes parecen haber contagiado una enfermedad que los convierte en asesinos psicópatas cuyos cuerpos se degradan rápidamente.

Rollin cuenta que de niño, su madre lo llevo a una sala donde el póster anunciaba que exhibían un western. Una confusión (el póster mostraba la cartelera de una semana después) lo acerco al tópico que llevaría a su expresión cinematográfica característica. La doble función exhibía una cinta de Frankenstein y la otra de Drácula. Rollin siempre percibió el sensualismo del vampiro y lo llevo a un extremo que probablemente solo él comprendía. De tal forma, su primer cinta Le Viol du vampire (The Rape of the Vampire) recibió toda clase de criticas, abucheos y hasta verduras que le llovieron a la pantalla. Rollin, por supuesto, sucumbió pero no se rindió. Recorriendo dos claros caminos, el cine de horror y el cine pornográfico, trato de juntar ambos mundos en un solo género, el cual por años se conoció como French X-Rated. No importaba si eran vampiros, colegialas o pobladores poseídos, siempre encontraba un espacio para derrochar el erotismo y la violencia como un solo escenario.

No es de extrañar entonces que el personaje más confuso e intimidante de la cinta sea protagonizado por la estrella porno Brigitte Lahaie, evidenciando que hay algo de seducción entre tanta destrucción. Elizabeth busca salir de ese lugar, la desesperación le invade por el deseo de reunirse con su prometido, supervisor de un viñedo que aparentemente es la causa de la deformación de los pobladores. El término zombie no es necesariamente correcto. Aunque las características tienen más de una similitud, los pobladores enfermos aún luchan por esa vaga sensación de consciencia y de pertenencia. Aun se recuerdan humanos, aun tienen sentimientos de amor hacia sus prójimos y aun luchan por reprimir esos repentinos ataques de locura (algunos hasta ayuda piden) Pero la naturaleza del contagio es brutal y ni siquiera un poblador puede detenerse de decapitar a la mujer que ama.

Es indudable destacar las notables fallas en todo el relato. Rolle nunca destaco por interesarse en la historia, los diálogos ni las situaciones, más bien entrega su esfuerzo en la puesta en imágenes que en varios puntos es destacada. No es de extrañar, quizá debido a eso mismo, que la película haya envejecido terriblemente y que descubrirla en estos tiempos parece un retroceso. Sin embargo, el proyecto es demasiado divertido y elegante como para pasar desapercibido, no importa el recorrido que tenga y las cicatrices que obtuvo en el trayecto.


The Grapes of Death (1978)

Dir. Jean Rollin.
Guión: Christian Meunier
Con: Marie George Pascal, Serge Marquand, Patricia Cartier, Brigitte Lahaie

La Casa



Bienvenidos a mi casa
Reglas de la casa:
1. Dios vino a mi casa y yo le
maté.

Jack y Stephanie son una pareja con miras a la separación, dirigiéndose a una importante cita. En el camino sufren un accidente que deriva en su súbita visita a una antigua casa de huéspedes, esperando poder resolver el percance al siguiente día. En la casa se encuentra otra pareja (con sus problemas individuales) que sufrieron de la misma suerte momentos antes, quienes también han quedado varados en ese paraje desolado. La casualidad hace que los cuatro personajes duden de su situación especialmente al enfrentarse a sus anfitriones, una pequeña familia de fanáticos religiosos y de costumbres fuera de lo común.

A esto se le añade un asesino experimentado que desde los exteriores de la casa, los involucra en un juego que se quiere disciplinado, recorriendo una serie de reglas, enfrentamientos personales y ajenos, pasillos interminables, puertas succionadoras, clones, una niña y mucha niebla negra.


2. Mataré a cualquiera que venga a mi casa, así como maté a Dios.

Responden a los nombres de Frank Peretti y Ted Dekker y son los autores de esta insufrible e infantil historia de “horror” religioso o el intento de una. Elementos en la vida personal de ambos escritores han encontrado una similitud. No solo que ambos publiquen para la misma editorial, que sean amigos o que sus historias de elementos sobrenaturales tengan patrones parecidos. Ambos se toparon en alguna experiencia de su vida que los llevo a acercarse de manera más comprometida a lo religioso. Es probable que no sean autores tan reconocidos, pero en el mercado de novelas cristianas, ambos son extremadamente respetados. Separo, como concepto, el mercado cristiano puesto que de alguna forma han plantado ciertas barreras (eso es lo que yo se, no es un hecho)

En estos casos, no sería una locura afirmar que deberían reforzar esas barreras. Manteniendo distancia con el aspecto religioso, la historia se debilita a cada vuelta de página, cada repetitiva situación que se plantea se siente estorbosa, sospechosa, los personajes parecen unidimensionales y ejemplares dignos de cualquier estereotipo de escritor frustrado, cantante frustrada, psicóloga frustrada y otro frustrado. Algo bastante elemental han olvidado ambos autores, el villano no es imponente solo por portar una máscara o porque sus pisadas resuenen y hagan eco en cada rincón de la casa (mucho menos porque sangre su malvada niebla negra), el villano es inclemente, inmisericorde y aterrador por la motivación que lo empuja y por la respuesta de sus victimas. Ojala existiera una motivación para los personajes y no solo hacerlos correr, llorar y gritar a la menor provocación.

Y es que no solo se trata de toda la escasa emotividad que la anécdota destila, sino de la escasez de recursos de los personajes. Es cierto que el elemento sobrenatural de cualquier novela genera opiniones muy encontradas y que para mantener cierta coherencia deben desconocer lo probable o lo posible. Pero me resulta repugnante que ante tanta situación sobrenatural, los personajes tarden dos capítulos reclamándose y diciendo: vamos por acá, no por allá, que no por acá, te digo que por allá, bueno por atrás, mejor enfrente.

En el mejor momento de la historia (cuando inevitablemente uno solo se queda para reír de la ingenuidad exagerada de cada personaje) aparece una niña, una guía quien asegura que no la han escuchado y por eso están involucrados en esa situación de pesadilla. Uno entiende la arbitraria aparición de ese personaje, siendo que es el único que habla un idioma (y no solo balbucea preguntas del tipo ¿Qué esta pasando? ¿Iremos por este camino o por este otro? ¿Pero quien ha hecho ese ruido?, Oh pero ¿Por qué a mi?), pero se cuestiona porque le otorgan ese tipo de información y desmeritan el poco interés que presentaba la embrujada casa.

3. Denme un cadáver y tal vez yo decida prescindir de la regla dos.
El juego termina al amanecer.

El psicópata que les ha enviado (vía una lata y por eso se llama Hombre de Hojalata) las instrucciones se presenta como el ente controlador de toda la aventura, atento a cada movimiento, entendiendo y previendo los movimientos de las víctimas, cómplice con la propia casa. Espectador que provoca (por medio de sus pisadas) un terror absoluto, que aunque carece de cualquier característica de personalidad, emite las pocas ideas interesantes de la novela. Su especulación es tratar de doblegar el espíritu de las parejas y provocar que se asesinen entre ellos… ¿O no? Porque ya cercano el final, su incredulidad y torpeza sobrepasa a la de sus victimas en uno de los descenlaces más parciales, tajantes y derivativos que recuerdo haber leído alguna vez.

El gran problema es que, al igual que sus personajes, ningún autor tiene el menor control sobre la vida propia de la historia y las extensiones que por naturaleza presenta. Siendo duro, de los dos autores no se hace uno digno. No parece haber ningún elemento que identifique la pericia (o ausencia de ella) narrativa de alguno y el capítulo que sigue es la copia del anterior, solo cambia un personaje y un cuarto, con los mismos diálogos austeros que debido a su constancia, desesperan al lector al grado de querer desistir de la lectura.

Si Peretti o Dekker tienen una base de leales fanáticos, la recomendación sería que se esmeren en conservarlos a cualquier costo. Así sea una secuela de este ridículo y plano ejercicio (con su final dizque abierto) o sermoneando a todos los seres humanos por pecadores. Su demostración de “la paga del pecador” observada en esta historia, hace que uno se pregunte si el pecado los incluye a ellos.
D

Cover + Movie


Contradicción aparte: no me gustan los remakes, pero si me gustan los covers. Algunos, no todos, eh. Temáticamente, ambos homenajes o reelaboraciones tienen los mismos patrones y el mismo concepto. Son, finalmente, reinterpretaciones (a veces homenajes) de cintas y canciones realizadas previamente.

Aprovechando la breve platica que tuve con un gran amigo, nadie es el nuevo Pink Floyd, el nuevo Led Zepellin, el nuevo Iron Maiden, el nuevo The Cure, ni siquiera el nuevo Kiss. Pero muchos grupos recientes, y no tanto, son galardonados o condenados bajo la comparativa con los grupos grandes de antaño, sonidos, letras, evolución, etc. Resulta injusto realizar comparaciones de esa índole y ensombrecer el trabajo de tal o cual artista. Aunque algunos grupos aprovechan esa ola de comparaciones para crear su propia personalidad o su propio ejercito de fanáticos leales. Efectivamente, casi todos los grupos de la actualidad conservan esquemas similares a los grandes monstruos clásicos. Quizá lo que cambia, en beneficio o no, es el público joven consumidor y desmedido que se apasiona como parte natural del crecimiento. Es curioso entonces escuchar a The Strokes “coverear” en sus conciertos canciones de Marvin Gaye o Lou Reed. A Pearl Jam haciendole honores a The Who y demás ejemplos. Algunos solo llegan a los oídos de los asistentes al evento, otros salen de ahí a formar parte de nuevas grabaciones y otros, de plano, son por encargo.

Nos gustaran o no, el cover (como el remake) seguirá produciéndose incansablemente. Muchos lo consideran un sacrilegio, a otros les parece una buena colaboración. Lo único cierto es que aún no he escuchado algún cover que supere la original (no, ni siendo fan de Sonic Youth, su versión de Superstar me parece inferior)

Algunas películas presumen en su soundtrack, la versión covereada de tal canción por el artista de moda del momento. Como en este blog nos encanta el cine, aprovechamos para compartir algunas canciones que aparecieron en discos promocionando una cinta, reinterpretadas por grupos o solistas que en su momento eran la sensación (algunos siguen siéndolo) Salvo la versión de “My Way”, todas fueron grabaciones originales para esas bandas sonoras.


1. Sympathy for the Devil – Guns ‘n Roses
Original de The Rolling Stones (Interview with the Vampire, 1994, Neil Jordan)

2. Mad World – Gary Jules
Original de Tears for Fears (Donnie Darko, 2002, Richard Kelly)

3. Dancing Barefoot – U2
Original de Patti Smith (Threesome, 1994, Andrew Fleming)

4. Across the Universe – Fionna Apple
Original de The Beatles (Pleasantville, 1998, Gary Ross)

5. Lovesong – 311
Original de The Cure (50 first dates, 2004, Peter Segal)

6. My Way – Syd Vicious
Original de Frank Sinatra (Godfellas, 1990, Martin Scorsese)

7. Heroes – The Wallflowers
Original de David Bowie (Godzilla, 1998, Roland Emerich)

8. Another Brick in the Wall pt. 2 – Class of ‘99
Original de Pink Floyd (The Faculty, 1998, Robert Rodríguez)

9. Dead Souls – Nine Inch Nails
Original de Joy Division (The Crow, 1994, Alex Proyas)

10. I’m waiting for the Man – David Bowie
Original de Lou Reed (Almost Famous, 2000, Cameron Crowe)