Grandes Villanos - Dr. Christian Szell



Is it safe?


Durante la Segunda Guerra Mundial estuvo a cargo del campo de concentración Auschwitz II, donde se le conocía como el “Ángel Blanco”. Lo conocemos en su mansión en Paraguay, rodeado de recuerdos de la guerra. Escapo del castigo por sus crímenes acompañado de su hermano, a mediados de la década de los 40´s. Desde que observa el paisaje desde su mansión, sabemos que esta preocupado, inquieto, desesperado. Algo ha salido mal, no sabemos aún el motivo.

Dentista de profesión, el Dr. Szell realizó varios de los más viles experimentos con judíos, los cuales implicaba la tortura mediante sus instrumentos de trabajo. Ambicioso, cambia de giro hacia los diamantes. Extraerle los dientes a los cadáveres antes de deshacerse de ellos le creo una fama temible, a la que algunos cuantos le sobreviven.

Al inicio de esta historia, conocemos el destino de su hermano. Deteniendo el tránsito en una calle de Nueva York, por problemas con su automóvil, atraviesa el camino de un judío histérico, cuyos motivos desconocemos. El encuentro entre ambos propicia una asombrosa batalla automovilística, desplazándose a gran velocidad y teniendo un trágico desenlace. Si, algo ha salido mal. Szell tiene que abandonar su prudencia, abandonar su escondite y enfrentarse al mundo, del que no es ajeno.

Mientras que Henry “Doc” Levy sobrevive a un atentado en Europa, su hermano Thomas “Babe” Levy conoce a una hermosa mujer con la que intenta iniciar una relación. Ella, de nombre Elsa, mide el tiempo que Babe trata de mejorar para poder participar en un maratón, empresa en la que parece obsesionado. Babe no disfruta correr, no le tranquiliza, pero sella las memorias de su padre y de los juicios posteriores que se le hicieron a su muerte. Recorre el parque al lado de varios corredores más con un semblante molesto, furioso, egoísta. Desprecia a aquellos que lo hacen mejor que él. Ella le permite ser más relajado, menos discreto. Eventualmente, la violencia lo alcanza, primero en un parque al lado de Elsa, posteriormente al atravesar el camino de Szell.

Todo esto tiene como motor el movimiento de una gran cantidad de diamantes, trabajo que dejo inconcluso el hermano de Szell. De ahí se desprenden todas las conexiones con cada uno de los personajes que aparecen en la historia. Doc parece estar por encima de cualquier situación, adelante del peligro. Su reunión con Babe es breve. Doc comete un error, uno que todos cometemos, la soberbia. Szell es más que un anciano nazi en constante persecución, por debajo de esa imagen física noble, Szell es un psicópata que no se detiene hasta conseguir sus objetivos.

Convencido de que Doc conserva información crucial para completar su misión, el siguiente blanco es Babe, el hermano que ignora todo lo que esta sucediendo a su alrededor, su relación con Elsa, con Doc, con su pasado.

La confrontación se lleva a cabo en un cuarto. Babe atado a una silla, sin entender que le ha pasado, como ha llegado. El Dr. Christian Szell se presenta con una sola pregunta, una que conforme la repite se convierte en una amenaza terrible. Es ahí, en ese contacto inicial, en ese inmejorable momento, que Szell deja escapar una vez más a ese asesino que tanto daño le hizo a la humanidad.

Babe, sabemos, escapara. Pero su huída no será sin huellas, sin marcas. No solo las físicas. Babe parece decirnos que los habitantes del mundo se odian. Se odian cuando estorban una calle accidentalmente, se odian cuando corren uno al lado del otro y se odian cuando se presentan por primera vez, cuando las opciones que se brindan son dolor o placer.

El Dr. Christian Szell fue personificado por Laurence Olivier en la fabulosa cinta (que acabo de descubrir… mea culpa) “Maratón de la Muerte”

Olivier trabajo enfermo y bajo advertencias médicas hacia el productor de la cinta. Fue nominado a Mejor Actor Secundario en la entrega de los Premios Oscar por su interpretación del despiadado Dr. Szell. En los extras del DVD, Dustin Hoffman aclara aquella anécdota tan mencionada y mal citada. Hoffman dice que para prepararse para la escapatoria después de la brutal tortura, paso tres días sin dormir. Olivier le respondio: ¿Por qué no intentas actuar?. A lo que siguió la explicación de cómo Olivier arriesgaba su vida en cada función de Romeo y Julieta.

Marathon Man (1976)
Dir. John Schlesinger
Guión: William Goldman (basado en su novela) y Robert Towne
Actúan: Dustin Hoffman, Laurence Olivier, Roy Scheider, Marthe Keller, William Devane

¿Porqué odio a Michael Bay? / II


Una vez más nos sentimos orgullosos de hablar de Mr. Bay. La frase es: mejor que hablen mal, a que no hablen en lo absoluto.

El director de 43 años, nacido en California, tiene algo más que presumir. No, desfortunadamente no es la prometedora y esperadísima pelea de box contra quien lo ha retado miles de veces, el Dr. Uwe Boll. Bay aún no se decide a participar. Tampoco es un "update" de su secuela del éxito Transformers. Desafortunadamente, tampoco se trata del sueño de millones: el anuncio de su retiro permanente del cine y su conferencia de prensa, disculpándose sobre los daños que le ha causado a la humanidad.

No. Mr. Bay tiene otros planes.

Es en la semana que se lleva a cabo la popular Comic-Con, en San Diego, donde la sombra de Bay reaparece para recordarnos que aún no hemos pagado todas nuestras culpas.

Al parecer, Bay no solo odia el cine actual. Odia el pasado, el clásico, el de culto. Su determinación para aniquilar los agradables recuerdos y enseñanzas se empezaron a formar en el 2003, cuando decide ser el productor y el principal motivador a un remake, el de Texas Chainsaw Massacre. Dos años más tarde, y no conforme con ridiculizar al legendario LeatherFace, produce un nuevo remake: The Amityville Horror, para hacernos extrañar, incluso, a Margot Kidder.

Por supuesto, por esos años, dirige Bad Boys II y The Island, pruebas de auténtica resistencia física y mental para el espectador.

Todo esto no es suficiente para el indestrutible cineasta. Se tienen planes de más remakes (total, hay de donde escoger) Se vislumbra el de The Unborn y The Birds (si, la de Hitchcock)

Existe el rumor (que nada mas de recordarlo, lágrimas corren mis mejillas) que también desea reelaborar el clásico de Polanski y una de las cintas más importantes e influyentes de la historia: Rosemary's Baby. Además, de su boca, ha salido el rumor de una nueva versión de "Pesadilla en la Calle del Infierno" (A Nightmare on Elm Street) sin Wes Craven ni Robert Englund, desde luego.

Pero el más inmediato es el que tuvo la presentación de su avance en la Comic-Con. Su muy particular visión del famoso Camp Crystal Lake. La nueva versión de Friday the 13th nos presenta a un Jason Voorhees rubio, musculoso, que seguramente saldra de un lago digital, bajo un cielo digital, con un machete digital para asesinar a miles de personas.... digitales

El avance fue grabado por una persona de la audiencia (no se si con su iphone o con una cámara) Los aplausos que escuchan parecen ser reales... aunque algunos pensamos que son efectos especiales:




Nos lo quitaron de youtube... pero ya lo encontramos de nuevo

Lunes musical


Entre la variedad que existía en la escena independiente, el llamado rock alternativo y paralelo con la música grunge predominante en Estados Unidos, al otro lado del continente se generaba la idolatría por la cultura británica, que engendraba un monstruo que ha muerto y vuelto a nacer varias veces: el BritPop.

Emblema y estandarte de toda una generación, el Britpop es sencillo, contundente y contagioso. Representó el sonido que se escucho durante gran parte de la década de los noventa y que dio cabida a bandas con propuestas muy diferentes a las furiosas odas egocéntricas del grunge. El BritPop se ha expresado con estilos, con modas, con atuendos y hasta con colores. Hay desde quienes lo endiosan como quienes lo aborrecen. Como todo subgénero musical, este no ha estado carente de declives, altibajos y polémica.

Se ha dicho, por tal, que los representantes más característicos fueron Oasis, Pulp y Blur. El punto más elevado de este subgénero vino del constante bombardeo, de las agresivas declaraciones y del menosprecio que se tenían los líderes de estos grupos entre sí: Noel Gallagher, Jarvis Cocker y Damon Albarn. La suerte de Pulp fuera de su continente no fue tan fructífera como lo fue con Oasis y Blur. Sería entonces avanzados los noventa, que tanto los miembros de ambas bandas, como sus legiones de seguidores enfrentarían batalla sobre la supremacía y control de BritPop (aunque nunca quedo muy claro si fue una cuestión de popularidad o de calidad)

Albarn y los Gallagher estaban constantemente a la defensiva y ofensiva, alternaban declaraciones, escenarios, popcharts, etc. Su historia fue un agregado al género musical que ambas bandas ayudaron a consolidar (se escribieron canciones atacándose, apoyaban a diferentes equipos de fútbol) Para muchos, el BritPop ha muerto, otros coinciden en esperar su resurrección (esperemos) Mi postura: siempre me gusto más el trabajo de Damon Albarn y compañía.

Aunque su historia se remonta a mediados/finales de los 80, Blur como banda se estrenaba en 1989, al ser firmados por EMI, con Leisure, su álbum debut. A este le siguieron los muy constantes: Modern Life is a Rubish, Parklife, The Great Escape. Es en 1997 donde se nota una madurez grupal, la cual se coronaría 2 años después, con el lanzamiento de su mejor disco: 13 (en el cual narraban su banca rota en una gira norteamericana con la canción 1992, año en que perdieron a su representante y casi su carrera)

El disco homónimo de 1997 (Blur) incluyo uno de sus más grandes éxitos: Song 2. Desde la portada del álbum mismo (el interior de una sala de urgencias) Blur entendía que debía y podía evolucionar.

El primer sencillo de dicho disco es una de sus canciones más veneradas por sus fanáticos. Lo mismo Albarn y el resto de la banda declaran que esta fue una de sus mejores grabaciones, como Noel Gallagher la cita como su canción favorita de la banda rival. El video fue el primero que vi un lunes, cuando un periodo de mi vida muy divertido, daba inicio. Le guardo mucho cariño y respeto: a su canción, a su video y al grupo mismo



Dir. Sophie Muller

Stanley Kubrick



Las imagenes que surgieron de la mente de Stanley Kubrick han persistido y perdurado en la memoria. No solo cinefilos celebran sus cintas, millones de personas asienten cuando se le menciona como una de los mejores directores de cine que hayan existido.

Su caracteristica siempre fue la perfección, estaba enamorado de ella y por eso cada nueva filmación era un martirio para su salud. Creador con una organización pulcra, centrada. Director agudo, incisivo e innovador. Su carrera recorrió distintos géneros cinematográficos, comedia, horror, drama. Sus preocupaciones fueron sobre la violencia, la caída de héroes falsos, la estupidez humana, la poca racionalidad. Lo mismo escribía, adaptaba, producía como también operaba las cámaras e iluminaba secuencias enteras solo con luces de velas.

Kubrick fue uno de los pocos directores que conservo una lucidez constante, la cual nunca traiciono. Hoy, el director cumpliría 80 años.

1928 26 de Julio, nace Stanley Kubrick en New York.

1945 Ejerce su afición que desde niño conservaba, la fotografía, en la revista Look. Viajando por todo el país norteamericano, Kubrick empieza a sentir una fascinación por el cine.

1951 Realiza su primer cortometraje, el documental “Days of the Fight”, sobre el boxeador Walter Cartier. El documental fue adquirido por la Paramount para completa una serie llamada “This is America

1953 Dejando de lado la carrera de fotografo para dedicarse por completo al septimo arte, Kubrick recibe el financiamiento para otros documentales, entre ellos, su primera cinta a color, un documental de 30 minutos llamado The Seafarers. En ese mismo año, realiza Fear and desire.

1955 Kubrick confiesa que dirigir una cinta es una experiencia agotadora. Filma Killer’s Kiss.

1956 Se anima a ir a California en compañía de su amigo James Harris y filma The Killing, la cual llama de inmediato la atención en Hollywood

1957 Con un contrato con la MGM, Kubrick desarrolla varios proyectos que nunca se consolidaron (entre ellos una historia basada en The burning secret) Recorrio varias oficinas con una nueva historia, recibiendo rechazo, hasta que Kirk Douglas se intereso y se realiza Paths of Glory.

1959 Con una disciplinada constancia, desarrolla varios guiones (que nunca verán la luz) Anthony Mann es despedido semanas antes de la producción de Spartacus. Douglas recomienda a Kubrick quien, a pesar de su éxito, realizaría su última cinta en los Estados Unidos. Abandona el país, aunque nunca abandona su idolatría por los Yankees de New York.

1962
Su siguiente proyecto era una que había trabajado durante muchos años. Una cinta sobre Napoleón que nunca encontro espacio para su filmación. Su primer cinta en Inglaterra, Lolita, ve la luz llena de controversia y atención

1964
Filma su primera obra maestra Dr. Strangelove,

1968 2001, A Space Odyssey transforma por completo el cine, en especial el de ciencia ficción. La cinta se vuelve un referente y un punto de encuentro entro todas las demás historias que le siguieron. Sería nominada al Oscar por Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado. Solo alcanzaría el premio en los efectos especiales. Aunque se coronaría como mejor película en los premios BAFTA

1971 Convenciendo que el cine nunca sería el mismo, estrena A Clockwork Orange. Tanta controversia causa a su estreno, que diversos medios comienzan a conspirar contra el director, tachándolo excéntrico y psicópata.

1975 Después de su paseo por la ciencia ficción, filma Barry Lyndon, ambientado en el siglo XVIII, consiguiendo 7 nominaciones al Oscar.

1980 Estreno de The Shining. Kubrick había rechazado dirigir una secuela de El Exorcista, pero su interes por el género obtuvo su satisfacción con esta “adaptación” de la novela de King.

1987 Un poco harto del acoso de los medios, Kubrick desmiente los varios rumores sobre su comportamiento extraño y excentrico. Estrena Full Metal Jacket, cuya importancia se vio mermada por el previo estreno de la más complaciente Platoon.

1990 Junto a Steven Spielberg, Woody Allen, Martin Scorsese, Sidney Pollack, Robert Redford, George Lucas y Francis Ford Coppola, Kubrick se integra a la Film Fundation, organización dedicada a la preservación y restauración de películas. Está involucrado de manera profunda con la restauración de Dr. Strangelove.

1991 Empieza a trabajar en AI, un proyecto anhelado de ciencia ficción. Decide esperar unos años, viendo los enormes avances de los efectos especiales, para poder desarrollarla.

1997 La Director’s Guild of America le entrega el premio David Ward Griffith, por su reconocida trayectoria. Bajo el mismo concepto, recibe el León de Oro en el Festival de Venecia

1999 7 de Marzo. Muere en Inglaterra de un infarto. Se estrena Eyes Wide Shut, la que se convertiría en su última cinta.

Fin de Semana

Para acabar la semana e inicia el fin de semana: música.

En 2002, Paul Oakenfold sacaba el Bunkka, con el que colaboraba con diversos artistas de diversos géneros. Una de las colaboraciones más efectivas del disco viene de la compañia de Shifty Shellshock, vocalista (por así llamarlo) de la banda one hit wonder: Crazy Town.

Personalmente, ni Oakenfold, quien ha participado en varios soundtracks (Requiem for a dream, Swordfish, Matrix Reloaded, Speed Racer) ni Crazy Town han sido de mi agrado. Creo que esta es la mejor canción que han hecho en sus carreras



Paul Oakenfold (feat. Shifty Shellshcok) - Starry eyed surprise

Sobre el Murcielago


La revista Entertainment Weekly es una de las revistas más panfleteras, ociosas, chismosas y entretenidas que he llegado a leer. Es como la TVNotas versión USA. Hay un colaborador (aunque no se si solo para la versión en línea) que escribía religiosamente sobre la serie Lost, cada semana, sobre cada capítulo, sobre cada referencia literaria, científica y supernatural. Y así lo hay para cada tópico que se les ocurra.

En un breve recuadro, opinaban sobre lo que estaba "in, out, 5 minutes ago". En orden, suponiendo, The Dark Knight, Hulk, Iron-Man (bajo sus cuestionables criterios)

¿Es Batman el superhéroe favorito de todos los tiempos? Las estadísticas "dirían" que si. Por generaciones, creo que las primeras idolatraron a Superman, por la elegencia, solvencia y apariencia que tenía. Spider-Man es el otro consentido de los lectores, por su humor, su identificación, sus problemas. Mi favorito siempre fue Frank Castle. Pero Batman siempre genera expectativas. Por supuesto, las expectativas para esta secuela se incrementaron con el deceso de Heath Ledger, quien dio vida al villano más amado de los fans.

Por una caprichosa tendencia, una nueva cinta de superhéroes debería significar un rotundo fracaso (la saturación de los mismos ha llegado a niveles alarmantes) The Dark Knight es una cinta que involucra a un heroe de historieta, es eminentemente basada en un personaje de comic, pero por momentos puede creerse que insertando a una persona común, la historia funcionaría muy bien. Tampoco es una cinta de Michael Mann (nunca entendí la referencia que hacían de Heat)

Es una secuela y, debo insistir, como tal cumple a la perfección lo que se le demanda: mayor espectacularidad. Seré el único renegado o ermitaño (como con Punisher) pero no creo que sea la mejor película ni de la historia, ni del año. Aunque debo reconocer que restarle los múltiples meritos que posee, es una actividad ociosa y tendenciosa (eso de querer ir contra la corriente, por el puro hecho de hacerlo) Disfrute muchisimo el paseo, uno de los más espectaculares que recuerdo y creo que hay mucho que celebrar:


* El personaje fantástico (Batman) prevalece y sobrevive en un entorno poco común para él, una ciudad muy real. Ya dejo de ser la Ciudad Gótica (fascinante, eso sí) de Burton o la caricaturesca de Schumacher. Aunque, a veces, lo fantástico y lo real que Nolan pretende combinar, nunca se emparejan, siempre domina uno u otro.

* Dos horas y media que se escurren con suavidad, fluidez. Disfrutables por completo, uno como espectador nunca pierde el interes en su figura central y las consecuencias de sus acciones.

* El poder de los personajes secundarios dentro de una galería de excelentes actores. Aprovechan al máximo el tiempo que tienen en pantalla (algunos más, algunos menos) para desarrollar su personaje y dotarlo de emoción e identificación. Y debo incluir, aunque moleste, a Heath Ledger como personaje secundario, el Joker, espectacular, brutal, ingenioso, nunca es más importante que el héroe.

* Es esa su mayor cualidad. Wayne/Batman nunca sacrifica su protagonismo, siempre es el centro de la narrativa, de la batalla. En las cintas anteriores, Batman siempre fue opacado por sus villanos, parecía un vehículo de lucimiento para sus diversos némesis. Nolan entiende que toda la historia y sus sub-historias tienen que pasar por el personaje del título

* En ese sentido, nunca se ridiculiza a Batman. Es su némesis (Joker) quien le empuja a reconocer que su camino de orden y control, tiene mucho de similar con el caos que busca. Ambos caminos tienen los mismos patrones destructivos y autocomplacientes. La carencia de emociones que poco a poco se presentan en Bruce Wayne deriva de su inalcanzable búsqueda de perdon.

* Si la mayor dolencia de Batman Begins eran sus secuencias de acción, montadas muy simples para la mayoría, en la secuela, Nolan ya siente el entorno como propio, y genera espectaculares secuencias que crean la suficiente tensión para perdonarle varias incoherencias.

* Definitivamente es una cinta absorbente y (un poco) demandante. Emocionante, divertida y a veces, hasta profunda. Un logro que pocas cintas pueden presumir.

The King of Kong



¿Es un documental?

Si. Pero no es para huirle, por el contrario, contiene más emoción, suspenso, creación de personajes, drama, nihilismo y tensión que cualquier ficción en la actualidad.

¿Y de que trata?

Pocos desconocen el personaje virtual llamado Donkey Kong, aquel que por 1981 reinaba como el producto de mayor entretenimiento existente. Filas largas en las “maquinitas” (o arcade) para siquiera ver al jugador en turno tratando de sortear los barriles y obstáculos que Donkey lanzaba, para alcanzar a la damisela en peligro. Los creadores siguen la rivalidad entre Bill Mitchell y Steve Wiebi, por alcanzar la mayor puntuación en el juego.

Suena medio nerd…

Lo primero que vemos en The King of Kong es a un Bill Mitchell reconociendo la temática de sus logros, si en verdad es un hecho de interés ser un competidor oficial en los videojuegos o es puro ocio. Conocemos la existencia de árbitros profesionales de videojuegos, organizaciones dedicadas a recabar puntajes, jugadores empedernidos y obstinados. Algunos tienen el estereotipo clásico de videojugador, otros son consagrados profesionistas (músicos, abogados) que dedican (o dedicaron) gran parte de su vida a las máquinas. El centro de atención es lo opuesto de cada rival.

Creo que escuche algo sobre eso

Probablemente. Bill Mitchell fue la persona que recorrió diversos medios de comunicación cuando logro la partida perfecta en Pac-Man. Su reinado se vino abajo cuando el menospreciado e ignorado Wiebi aniquilo su record en Kong, el cual llevaba 13 años intacto. Wiebi se presenta de inmediato como una persona que debió tirar la toalla mucho tiempo atrás. Acostumbrado a las decepciones, Wiebi intento ser beisbolista, jugador de básquetbol, baterista de un grupo grunge, ingeniero en Boing y en cada actividad algún obstáculo se atravesó que le fue imposible sortearlo. Tratando de destacar a como de lugar, compro una consola de Donkey Kong y recurriendo a sus notables conocimientos matemáticos, trazo una manera casi infalible para lograr el millón de puntos y coronarse como el mejor videojugador de Donkey Kong en el mundo.

Ya suena mejor, ¿Qué más?

La historia nunca toma partido. Aun a pesar de que avanzada la trama, Mitchell queda indicado como el villano, aquel que nunca enfrento a su desconocido retador por mantener una imagen ganadora y que recurrió a todo tipo de artimañas para desacreditarlo y negarle el reconocimiento. Pero Mitchell no es el malvado de la historia, es simplemente un hombre que se reconoce como “el mejor” en algo, hecho que pocos pueden presumir. La tensión aumenta cuando se lleva a cabo el torneo nacional (en EU) de videojugadores en Funspot, donde Wiebi ve sus sueños agonizar a paso veloz. Lo vemos llorar ante una decepción más (o la acumulación de todas), vemos a su esposa tolerarlo, vemos el asombro de los más antiguos jugadores y sobre todo somos testigos de una simple historia de superación presentada en uno de los entornos más extraños que pudiéramos creer. Y es que el territorio del videojuego esta presentado a varios niveles, pero el elemental es el de la simple distracción, el entretenimiento social en una sala, acompañado de amigos, cerveza y comida. A veces parece un comportamiento anormal el afán y empeño que los jugadores tienen a determinado reto, pero nunca dejan de ser comunes, con sus problemáticas, angustias, fobias.

¿Dónde o que onda?

El DVD tiene varios meses en venta. Será casi imposible verla en las salas de cine, pero el contenido amplio de sus extras (entrevistas completas, actualizaciones y sobre todo reacciones en los varios festivales de cine) asegura que la compra vale mucho la pena. Es una estupenda cinta que debe revisarse.

Lunes

Pocas maneras tan emblemáticas como para soportar un lunes es la música. Un disco, una lista de reproducción y hasta la "sesión aleatoria" funciona. Y es que los lunes son malditos por costumbre. Así como un cumpleaños o el final de un año simboliza la esperanza y anhelo de iniciar o finalizar varios proyectos, el lunes también debería simbolizar el inicio de una mejor semana.

Por ejemplo, los lunes me gustaban, hasta hace poco, porque después de un dificil día en trabajo y escuela, corría a mi casa a ver la espectacular segunda temporada de 24. Eran los lunes de 24 (la última temporada de lo mala, fue a dar los miercoles) Aunque el lunes hay más tráfico que el resto de la semana (salvo viernes de quincena y 10 de mayo), es el día que cualquier lugar esta desertico. Todos quieren llegar rápido a sus casas, a echarse y mirar la televisión religiosamente. El lunes debería implicar mucho más. Y lo digo yo, quien odia levantarse temprano un lunes, después de un reposado fin de semana. En lunes no hay gente en el cine. Es un día perfecto para hacer un maraton de cuando menos 2 cintas, si da el suficiente tiempo.

Creo que la música sirve de mejor manera. Hay varias canciones que me gusta escuchar un lunes, pero esta que elegí es una que hace muchisimos lunes no escuchaba. Una canción que invariablemente me pone alegre, melancólico, emocionado, no importando donde este ni cómo. Es, para mí, una buena forma de empezar la semana (dejo, por supuesto, el vínculo para su descarga)




Air - Surfing on a Rocket
Dir: Antoine Bardout Jacquet

Sobre el Demonio


No esta de más repetir que Guillermo Del Toro es un consentidazo del público y prensa mexicanos. El tipo es verdaderamente genuino, sencillo, amable, accesible. Alguna vez, un fan de este blog (el único creo), me contaba que, en el festival de Toronto para la presentación de El Laberinto del Fauno, Del Toro paso más de 2 horas firmando autografos, DVD's de Hellboy, de Blade, revistas, libros de Lovecraft y un largo etcétera. Hablando en inglés y en español, saludaba a todos con una enorme sonrisa y amabilidad. Tan así que mi amigo al escuchar una idea de una cinta de luchadores que Guillermo tenía, le solto la irrespetuosa frase de "hijole, me ganaste la idea". A lo que Del Toro le respondio con una tierna y misericordiosa sonrisa.

Y es que no es nada más su forma de ser, es el enorme talento que ha desplegado. Algo de escribir en el blog ha provocado que sea más honesto de lo que suelo ser por costumbre (con eso de que la honestidad lastima susceptibilidades) Me han gustado en su mayor parte las cintas de los llamados "tres amigos", Cuarón, Iñarritu y Del Toro. De los tres, mi favorito es Alfonso Cuarón. Pero las cintas de Del Toro siempre me han maravillado, de una u otra forma. Su cine tiene esa virtud de reflejar muchas cosas y guardarse otras. Descubri diferentes simbolismos en la segunda revisada que tuve con El Espinazo del Diablo, lo mismo que con Cronos. Creo que revisar una cinta de nuevo, suele provocar que las primeras impresiones se completen y se afirmen o de plano cambien por completo.

Debo entonces revisar una vez más al Fauno, Mimic y Blade II.

Será entonces por muchas razones que su nuevo proyecto Hellboy II The Golden Army me llama a una nueva revisada. Fuera de lo espectacular que es todo el concepto (y lo bien que se ve en pantalla) la cinta me provoco muchas contradicciones:

-Ron Pearlman se nota mucho más comodo interpretando al heroe. Ojala le sirva para disponer de más papeles.
- Si en verdad Guillermo plasmo parte de sus problemas personales a los problemas en la relación entre Liz y Hellboy, creo que omitio las partes más dolorosas.
- Es una secuela, y como tal, cumple con ser más de todo: espectaculo, secuencias, villanos, emociones y creaciones.
- Esto es lo más extraño para mi: después de 40 minutos, añoraba por ver un personaje normal, humano, real. Tanta criatura fantástica que aparece a cuadro, llego a saturarme y darme nauseas. Pero cada criatura tiene su propia personalidad, son genuinos y son espectaculares.
- En verdad necesito revisarla de nuevo. Primero porque muy en el fondo, disfrute más la primera parte que esta. Segundo, tanto comentario positivo que ha tenido, siento que me he convertido, por fin, en un espectador amargado (cruz cruz!)
- Y por último, contradicción, ansío ver una tercera parte de este personaje, en verdad que si. Pero claro, antes habra que esperar a The Hobbit y con mucha suerte, su versión de At the Mountains of Madness.

Update Teminator Salvation & Cthulhu (y Robocop)

No me gusta el proyecto, la verdad. Creo que Terminator debio quedarse en 2 partes y ya. La tercera, honestamente, me divirtio mucho más de lo que pensaba. Y sobre todo me parece que termino y remato la serie de manera muy brillante.

El proyecto paso por varias manos, una compañía lo compro y ahora esta en desarrollo. Por el proyecto pasaron varios nombres, varias ideas, varias opciones. Cuando Christian Bale acepto hacerla de John Connor muchos levantaron las cejas (el proyecto se estimaba algo rídiculo). Poco a poco ha ido generando expectativa. No quiero opinar mucho de esta cinta; la primer Terminator fue un parteaguas en mi vida y no se que pensar. La cinta se estrenara en el verano de 2009. El trailer de Terminator Salvation por fin salio a la luz

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Cthulhu es por supuesto la brutal y brillante historia clásica de Lovecraft. La historia hace un par de años se lanzo en videojuego (con resultados más que disfrutables) y ahora se llevara a la pantalla grande, de forma muy independiente. Lovecraft, muchos pensamos, es uno de los autores más complicados de adaptar. Esta versión no es una adaptación fidedigna, es más bien una interpretación. Finalizada en 2007, la cinta se estrena (según dicen) a finales de este año. Dan Gildark (opera prima) dirige:

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Por último, solo una aclaración. Se tiene planeada una nueva versión de Robocop. Si, si... todos nos indignamos mucho y queremos detenerlo. Pero por lo visto no es un remake (de los males, el menor) Es una secuela. La historia se desarrollara 20 años después del cierre del proyecto Robocop (dentro de la línea ficticia de la cinta) y se determinara reiniciarlo una vez más. Bueno, ya no esta TAN mal. La noticia que me tiene impresionado (y emocionado) aunque aun es muy pronto para asegurarse, es que el director a quien le han ofrecido tal empresa es Darren Aronofsky.... Eso ya compraría mi boleto.

En unas cuantas horas...

Así como la enfermiza obsesión del pueblo mexicano de obtener el mentado "iphone" y agotarlo en pocas horas (aca hay una divertida opinión sobre eso), la película "in", "cool" o "must see" es la nueva de Christopher Nolan, The Dark Knight. Y también se ha convertido en una obsesión

Más de dos semanas las líneas de las cadenas de cines en México te anunciaban su venta especial de boletos para el anunciado estreno de la temporada. Uno, confiadote como es, ni caso les hacía, aspirando a tener tiempo suficiente para conseguirlos. Por mi cabeza sigue dando vueltas la misma pregunta "¿y mis boletos de Batman?"

No hay, agotados, ni siquiera se dignan a contestarte la pregunta los operadores (te cuelgan desesperados) Conseguir un par de boletos de Batman para las salas IMAX en el fin de semana de estreno parece ser imposible a escasas horas de su presentación. Aún no conozco a alguien que organice reventa de boletos de cine (que aunque suene ridiculo, debe existir)

¿Cuál es el motivo de tan brutal demanda? Es la película más esperada del año, para muchos. Por fin han salido reseñas negativas (lo que le da más credibilidad), pero las positivas son abrumadoras. Todos queremos ver a Heath Ledger como Joker. Pero casi nadie ha hecho caso al pobre Two Face (ya no digamos que nadie pela al propio Batman)

No se cuanto de Two Face estará en pantalla, pero esta es una de las imagenes que se filtraron (o es pura mercadotecnia) de Harvey Dent, en sus esbozos de villano:


Porque se que un amigo rechaza los trailers, fotos promocionales, spoilers, rumores y demás, no la pongo aquí, pero hay un foto que revela con mucha mayor claridad el espectacular maquillaje que Two Face presumirá en dichosa cinta. Este es el vínculo:

Harvey Dent / Two Face

La Historiadora



En algún momento de la adolescencia, casi todos hemos sentido una atracción especial hacia los vampiros. Parte por la identificación de aislamiento, parte por lo seductor que es el concepto en breves escalas. Se establece al vampiro con la noche, con la seducción, la fuerza, la intolerancia. El dominio de un entorno al que muchos le temen. El vampiro nunca va a morir, nunca envejece. Esta condenado a vivir por las noches, a no ver nunca la luz del sol. Como adolescente, eso es algo a lo que uno se puede adaptar sin ningún problema

Su nombre es Elizabeth Kostova y en 2005 salió a la luz su primera (y tormentosa) novela “La Historiadora”. A lo largo de 10 años, Kostova realizó exhaustivas investigaciones para darle credibilidad a un mito. Pareciera ser que al final su intención no fue darle sustento firme y (hasta cierto punto) coherente al mítico personaje por el que todos los demás deambulan. El resultado final resulta en una meditación acerca de su propia aventura, su propia vida y su propio mito, a los que con gusto y destreza nos invita a formar parte.

La narradora, quien se presenta como una ingenua pero perspicaz joven, ha heredado el gusto por la historia, un hambre que no se puede saciar. Descubriendo, en aras de la curiosidad, cartas antiguas e intrigantes de su padre, su búsqueda por conocimiento y experiencia inicia, primero indagando a Paul, su padre, sobre el origen de tales cartas y la legendaria aventura que tuvo (tiene) que sortear para estar donde esta en la actualidad. Durante detallados y narrativamente brillantes paisajes/escenarios, Paul transmitirá su historia, iniciándose con la desaparición de su amigo y mentor Bartolomew Rossi y su posterior frenética búsqueda, convencido que su captor es el legendario y sanguinario Vlad Tepes, quien logro burlar la muerte. Paul, tiempo después, emprenderá su propia búsqueda (una más personal) abandonando momentáneamente a su hija, pero también cimentándole la iniciativa de realizar su propia búsqueda, una que pareciera no tener mayor pretensión, pero con la que finalizara inevitablemente cambiada.

Así, la narración se divide en varios tiempos. La narradora (de quien nunca sabemos su nombre, aunque presumiblemente se trata de la misma Kostova, en un alter/ego ficticio) tendrá en su posesión largas cartas donde Paul describe su aventura, su roce con diversos historiadores, expertos, bibliotecarios y por supuesto, Helen, el elemento que dará cierta conclusión al ciclo, cuya importancia es abrumadora desde el primer casual encuentro. A su vez, Paul posee las cartas de Rossi, donde de igual manera, detalla su historia y su brutal obsesión que, como hombre de ciencia e historia, lo consumirá aún cuando haya decidido (por obligación o por convicción) alejarse de tan temible reto. La clave de todo el enigma, del que Helen, Paul, Rossi, la narradora y varios personajes más giran alrededor, es lo que esconde la tumba de Vlad III. El enigma en si mismo encierra una gran interrogante, de la que las leyendas se extienden hasta niveles extenuantes. Drácula.

Diez años le tomo a Kostova llegar a una determinación, a una decisión. Por el año en el que fue publicado, el libro se considero una versión de “El Código Da Vinci” de Dan Brown, centrado en la poderosa figura de Drácula. Nada más lejos de la verdad resulta tal presunción, independientemente de que el libro de Kostova llevaba gestándose mucho antes del de Brown. Ganadora del Hopwood Award que entrega la Universidad de Michigan (premio que gano, entre varios, Arthur Miller) antes de haberse finalizado, el libro narra una aventura que se sembró en base a las leyendas que su padre le contaba, acerca del vampiro, acerca del mito y las leyendas.

Kostova no muestra ni una duda en avanzar hacia lo que quiere narrar. El significado de la vida aventurera que esos cuentos contenían. Cada país, pueblo, escenario esta cargado de tal descripción y belleza que uno puede sentirse en el lugar al pasar las hojas. Fundamentalmente, es un testimonio del amor, respeto, dolor y admiración que Kostova siente por la historia, por quienes la hacen, por quienes la conservan y por la importancia que hemos dejado de percibir. Cerca del final, uno por fin entiende que todo (absolutamente todo) esta ahí, existe, se puede encontrar. Únicamente hay que tener la decisión y la dedicación de buscarlo. La expedición de cada personaje siempre inicia, transita o termina en un lugar: las letras, las bibliotecas, los libros.

Todo inicia con un libro, uno antiguo que aparece en el destino de los personajes, con las páginas en blanco y en el centro un majestuoso dragón. El dragón, de la histórica orden del dragón. La historia, con muchos problemas, confirma que Vlad Tepes existió, su salvajismo fue real. Los mitos pueblerinos posteriores a su muerte (aquellas donde se decapitaban y enterraban una estaca a los cadáveres) tienen un sustento genuino. Y Drácula es una leyenda que cada año se hace más vigente. Llena de reflexiones que, de lo personales, se sienten anexas e identificables, Quizá Kostova no fabrica un personaje complejo, detallado o emblemático, pero sí condensa una vasta información acerca de Vlad y trata de ubicarlo en un contexto real y su trascendencia a través de los años (hay espacio para los comunistas y las guerras mundiales), a pesar de su abrupto y sesgado desenlace

¿Es un error transgredir el mito y convertirlo en realidad? Cada quien tendrá una respuesta a eso. En una meditación casi inmediata, La Historiadora ha sido uno de los libros que más me han causado dolor despedirme. Eso hacen los buenos libros, los maravillosos, se despiden, se marchan dejando un profundo dolor y un hermoso recuerdo a su paso
A

OST/I


Una de las cosas que más recuerdo de The Fountain (aparte de ser una de mis cintas favoritas del año pasado) fue la secuencia final, carente de diálogos, acompañada de la poderosa música de Clint Mansell y Mogwai. La música de Mogwai (como la de Sigúr Ros) ha acompañado a varias cintas a la perfección. No es sorpresa que las instrumentales, absorbentes y melodiosas piezas del grupo de Glasgow tengan mucho de cinematográfico.

El nuevo sencillo de Mogwai, lanzado hace un par de semanas, es otra asombrosa canción llena de emociones y sentimientos que han caracterizado a la banda durante toda su carrera.

La musicalización de una cinta es algo verdaderamente importante. En ocasiones puede apoyar (e incluso sobresalir) a cualquier cinta, en otras puede estorbar bastante (como el caso de The Gobblins y su score para Dawn of the Dead) Casos como la música de John Williams (para Jaws, Star Wars, Indiana Jones) el de Danny Elfman o el majestuoso Ennio Morricone han servido para ilustrar la importancia del score y la trascendencia que tienen.

El tema es muy extenso. Algunas de las piezas que se han quedado conmigo mucho tiempo después de ver una cinta, son las siguientes (y en el orden en las que la lista de la derecha las reproduce):


1. Vampire Hunters (Wojciech Kilar) para Bram Stoker's Dracula
Una pieza estupenda, poderosa, que musicaliza toda la maldad de tal personaje. Utilizada en miles de trailers para añadir el suspenso que las imagenes no provocan.

2. Log off (Kenji Kawai) para Avalon
La espectacular escena inicial de este ejercicio visual fabuloso (no tanto temático) del venerado Mamoru Oshii no hubiera sido igual sin este score que es casi imposible (en demanda y precio) de conseguir

3. For the last time We'll pray (Pino Donaggio) para Carrie
Poco o nada hay que agregar a tan tenebroso tema.

4. Future Markets (Jonny Greenwood) para There will be blood
Los planos de Anderson acompañados de la música de Greenwood (y su habitual eficacia) retratan mucho más de lo que originalmente querían contar.

5. Rosemary's baby (Fantomas)
Aunque evidentemente no esta incluída en el soundtrack original, esta versión propia que hace el siempre efectivo Mike Patton produce una paranoia muy similar al sentido en la cinta. Y bueno, Dave Lombardo ¿algo mas?

6. Space Monkeys (The Dust Brothers) para Fight Club
Musicaliza cuando menos tres secuencias diferentes de la cinta y funciona en cada uno de ellos. Entre desmadrosa, arbitraria y conceptual.

7. Main theme (Danny Elfman) para Psycho
La nueva versión de Psycho de Van Sant, realizada cuadro por cuadro, iba acompañada de la misma música de Bernard Herrmann, pero "remasterizada" por Danny Elfman

8. Main theme (John Williams) para Jaws
Uno de los más emblemáticos e identificables de todos los tiempos. Tenebroso, aterrorizante y asfixiante. Dudo mucho que existe alguien que no lo identifique de inmediato

9. The Grid (Philip Glass) para Koyaanisqatsi.
El maestro Glass. De que otra forma una secuencia de personas caminando (por las calles, por el metro) puede combinarse con el proceso de embutido de salchichas y la velocidad de los automóviles transitando por la noche. Nadie como Glass para musicalizar en toda su majestuosidad la dinámica física y metafísica de la naturaleza humana. Majestuosidad durante 21 minutos.


Todas se pueden descargar

Ok, ok... no la vi.



Un día llego temprano a mi casa. Me relajo, respiro y sonrio de haber llegado. En mi mente esta la satisfacción y tranquilidad de no tener que preocuparme por nada. La unica (pre)ocupación que tenía era decidir en que iba a gastar mi tiempo de relajación que, según yo, lo tenía muy merecido. La primera opción era encender mi amado xbox y poner el juego que tenía semanas no ponía. Pero con eso de las lluvias y los sobresaltos eléctricos mejor no. Dicen que esos altibajos en la electricidad destruyen el sistema operativo, dando paso al llamado "aro rojo de la muerte".

Además, en mi campo de visión estaban dos columnas de DVD's que no había visto. Prestados (la mayoría) o comprados, los había acomodado de tal forma que no me pasaran desapercibidos y casi en el orden en que deseaba verlos. Me acerque a ellos, los analice, los estudie. Agarre un par. Encendí la televisión. El canal en el que se enciende transmitía Los Simpson, "ah, pos nomas que se acabe".

Acabo un capitulo y le siguio otro. Después del segundo, empieza una cinta que ya había visto. "Ah, nada más veo esta parte y ya". Y así, al infinito. Acabo la película, ya era muy tarde, mejor veo el resumen de los partidos de beisbol del día. Cuando ya tenía ganas de ver algun DVD, el sueño me venció. Y no sucedio una aislada ocasión.

Esperando que no vuelva a suceder y disponiendome a disfrutar un domingo poco productivo (por llamarlo de algun modo), me encuentro con la determinación de ver cuando menos 2 de esos DVD's que se empolvan cada día más, esperando recibir mi completa atención. No me gusta exigir o pedir la interacción de nadie, mucho menos en este tipo de espacios. Pero a sabiendas que quienes leen estos post tienen un conocimiento superior al mio en cuestiones cinematográficas, pido una sugerencia. Y especialmente, me armo de valor, para reconocer que hay joyas del cine que nunca he revisado.


Entonces, en esas pequeñas torres estan:

1. I'm not there de Todd Haynes

2. Mean Streets de Martin Scorsese

3. Lifeboat de Alfred Hitchcock

4. The Tenant de Roman Polanski

5. Demons de Lamberto Bava

6. Le Fils de Jean Pierre y Luc Dardenne


Entre muchas más que me he perdido. ¿Alguna sugerencia? Gracias de antemano

Primeros pasos/I

No me digno de saber mucho de cine. De hecho, creo que mis conocimientos son pocos. Todo arte es muy extenso y dudo que alguien pueda proclamarse con verdadero experto. Pronto, con mucha vergüenza, tendré que revelar que clásicos obligatorios de cine nunca he visto.

Aunque sea de manera esporádica, convivir con gente cuyo gusto por el cine es similar o superior al tuyo, te hace querer conocer más y probablemente aprender menos. Solo queremos disfrutar las películas que vemos.

Siendo honesto, me gustaría mencionar algo elocuente sobre la primera cinta que recuerdo me hizo adorar al séptimo arte. Podría mencionar El Padrino, Ciudadano Kane, Psicosis. Por mis gustos actuales, me encantaría decir que fue Dawn of the Dead, Suspiria o alguna similar. Y siendo más espectacular, decir que fue Alien, Blade Runner o The Hunger. No fue ninguna de esas.

La primera vez que la vi fue por partes. El inicio muy noche, el final pocos minutos antes de entrar a la escuela. Y sucedió así porque a mi mama (a quien agradezco infinitamente por, entre muchas cosas, enseñarme tantas y tantas cintas) la tenía demasiado emocionada como para detenerla. Fue la primera vez que veíamos una cinta apócrifa (ni modo). Dudo que haya sido la primera cinta que vi en mi vida, pero es la primera que recuerdo me impacto de una forma tal, que el cine se convirtió en mi principal pasión.

La cinta: The Terminator.



Si pudiera yo mismo ponerme en tela de juicio, no me reclamaría absolutamente nada. No cumplía ni los 8 años cuando veía la escena que recuerdo, con precisión, cambio de pronto todo el concepto que tenía de entretenimiento visual. La mujer huía del robot que le perseguía. A su lado, corría con dificultad el hombre que también venía del futuro, pero a protegerla. Unos segundos después, el robot, en un tenebroso y poderoso trailer, se acercaba a ellos, subiendo una cuesta y luego descendiendo con mucha velocidad.

Seguro me quede con la boca abierta, impresionado de esa imagen. No podía creer que algo así sucediera (vamos, no podía ni cruzar una avenida solo para llegar a la tienda) Mis ojos no se cerraban y yo solo quería seguir viendo ese espectáculo que mi mente tardaba en entender.

El desenlace tuvo que esperar hasta el regreso de la escuela, pero esa imagen se quedo conmigo todas las clases del día. No hable con nadie, no salude a nadie. Abrí un cuaderno y la dibuje. La imagen se quedo conmigo hasta ahora, tanto el dibujo como el cuadro.

Con los años, la llegue a ver 24 veces (las contaba) La memorice y disfrutaba cada minuto de esas 24 veces

Ese fue mi primer paso. ¿Es bueno o malo? Ninguno. Fue solo el inicio de una vida que sigue obsesionada con las imágenes, con las ideas y con los sentimientos que provocan las películas. Las buenas y las malas.

Sobre el Robot


¿Ayudan mucho las críticas de cine? Si y no. A veces cuentan mucho más de lo que uno quisiera descubrir. A veces son muy escuetas. Uno como lector nunca esta satisfecho, pero principalmente hay veces en que no se esta de acuerdo, lo que provoca una dinamica muy interesante, que en lo general, creo que es el proposito principal de una crítica. No se trata de convencer a nadie, se aporta una opinión concreta, personal e interesante.

A mi me gusta mucho leer criticas de cine antes de ver las cintas. Y también después. Aunque la profesión de critico (de lo que sea) es muy golpeada, quienes aportan su experiencia y conocimiento siempre provocan algo (rechazo o aprobación)

Esto va de la mano con Wall-E, la cinta que esta en todos lados. El hecho de que las criticas de una cinta sean impresionantes, no necesariamente significa que sea del agrado de todos. He leído muchas criticas que alaban a tal película y mi conclusión personal esta muy por debajo de esos comentarios.

Sin embargo, opino que la nueva cinta de Pixar es un acontecimiento que pocas veces se da. A veces uno esta aferrado con una película (por ejemplo, The Dark Knight) que no importando las críticas o el resultado final, uno va a estar con ella hasta el final, convenciendose una y otra vez que es una cinta maravillosa (otro ejemplo, la nueva trilogía de Star Wars) El caso personal del robot es mas o menos así, ya era una obsesión mi deseo por verla, pero sobre todo por disfrutarla, por venerarla.


El tiempo me dira si me he equivocado, pero me quedo con esto:

- El impecable e inspirado inicio del robot vagando por la tierra más oscura y desolada, con "Put on Your Sunday Clothes" de música de fondo.
- La desesperante y dolorosa busqueda de aprobación de Wall-E hacia Eva.
- La carencia de dialogos y el exceso de emociones mostradas.
- El miedo del robot superado solo por su anhelo a la compañía e interacción.
- La curiosidad como virtud, nunca como defecto.
- La agilidad y vigor que se mantiene durante toda la duración de la cinta.
- El muy emotivo final, feliz pero uno sale muy triste después de sufrir la aventura de Wall-E


Puedo seguir, pero el post se haría eterno.

No todos estan a favor, miles de personas han mostrado su abierto rechazo y desagrado de la cinta. Me parece positivo que la opinión no sea unanime, que haya espacio para la duda. Aunque todos deberían experimentarla, por lo menos una vez.

Harold & Kumar go to White Castle



¿Y eso que?

Harold y Kumar son dos compañeros y amigos que, después de una noche de ocio combinando la televisión y la marihuana tienen la repentina obsesiva necesidad (o el bajón) de ir a comer a la cadena de hamburguesas White Castle. Evidentemente, llegar al destino se verá obstaculizado por innumerables peripecias y ridiculeces que son típicas de esta clase de cintas, funcionando en su mayoría.

Escuche “que hueva”…

Es una “stoner comedy”, o sea, su pilar es el uso de la marihuana y sus (por lo general) divertidas consecuencias. Aunque parezca y suene a una más del montón, en realidad esta cinta tiene mucha más inspiración que las que se supone son sus predecesoras (la muy sobrevalorada saga de American Pie, por mencionar una). Ahí esta la pareja dispareja, como es habitual, donde Harold, un coreano analista estable, representa la parte más centrada y, dentro de lo que cabe, responsable. Un joven medio soñador, ordenado pero inseguro, con un amor no declarado a una guapa vecina, a la que nunca le puede decir una palabra. Por el otro lado, Kumar es un paria desinhibido, con más carisma, más soltura. Genio de la medicina, fumador compulsivo, obsesionado con el sexo y cortarse el vello pubico, aporta la inestabilidad que necesita su compañero y que les lleva a su cruzada por las hamburguesas.

¿Y luego?

Es eminentemente una anécdota torpe llevada a todos los extremos para poder cubrir su hora y media de duración. La cinta es ligera, avanza con puntualidad, no cansa ni exaspera. Sorprende que una simple justificación funcione (la mayor parte) para desarrollarla en una cinta. Ayuda que a pesar de ser tratados como los clásicos perdedores (de los que abusan y se burlan), ambos personajes se mueven en un aspecto menos torpe y reaccionan con cierta naturalidad ante todos los momentos bizarros que atraviesan. Es mucho más divertida de lo que parece, ofrece más emoción de lo que pretendía y contiene escenas que muchos tienen en un pedestal.


Pero…

El hecho de que el director, Danny Leiner, sea el mismo responsable de algo llamado “Dude, where is my car” no da buenas referencias en lo absoluto (aunque el señor se ha mejorado y dirigió episodios de Arrested Development y The Sopranos). Es pastelazo tras pastelazo, payasada tras payasada, estupidez tras estupidez, hasta llegar al absurdo. No aporta casi nada, en realidad. Si no se siente simpatía casi de inmediato con los personajes, mejor pararle ahí.


Lo mejor:
- La escena de las mellizas en el baño.
- El sueño de Kumar con una enorme bolsa de marihuana (de antología)
- El mapache asesino
- La burla a todo, a los bullys, a los yuppies, a los inmigrantes, a la policía, a los prisioneros, a la televisión, a White Castle…
- ¡Neil Patrick Harris!

Lo peor
- La escena de las mellizas en el baño (si, funciona en ambos)
- El mal viaje con el jaguar.
- La escala con Freakshow.

¿Si o no?

Si. Es bastante divertida, entretenimiento pueril si se quiere, pero muy eficaz


¿Y el DVD?

Salio una edición especial muy completa, con varios extras, entrevistas a los involucrados, escenas eliminadas y el avance de la segunda parte que se estrena este año

Friends The Movie


Todavía recuerdo cuando la televisión era lo más denigrante a lo que un actor, productor, director, guionista podía caer. Era el retroceso en sus carreras. El caso que más recuerdo fue el de David Caruso, quien dejo la televisión para brincar al cine, para regresar a la televisión con el rabo entre las patas.

Los años le han dado más triunfos a la televisión que al cine. Series más interesantes, con más propuesta, produce que la gente deje de ir a las salas y la taquilla sea de infarto para los productores.

Una de las series más populares en su momento fue Friends. 10 temporadas, millones de fanaticos obsesivos, uno de los finales más vistos y el salario más alto que se la haya pagado a algun actor en televisión por cada capítulo (1 millón de dólares).

Es, al parecer, Jennifer Aniston (quien muchos creían que no regresaría) la que encabeza la cruzada por realizar la versión cinematográfica de dicha serie. Evidentemente, los otros cinco (Cox, Kudrow, Perry, Schwimmer y LeBlanc) estan más que apuntados dado que ninguno ha logrado cosechar algún exito en su vida post-friends.

La falta de ideas y la necesidad de éxitos inmediatos siguen al pie del cañón en Hollywood. Y después de los ingresos de Sex & the City The Movie, muchas series se estaran desde ahora cocinando.

Dudando que la tendencia cambie y a riesgo de más corajes, desearía al menos una cinta de larga duración sobre una de las series más entretenidas que tuve oportunidad de ver.

¿Porque en lugar de llevar Friends a la pantalla, no llevan al venerado Al Bundy y compañía? Sería un suceso


Art of Title Sequence


Uno de los fines de semana más anticipados, en el cine, durante el mes de Junio fue el correspondiente al día 13, aquel en donde se estrenaban a la par, The Incredible Hulk y The Happening.

Ambas ya han sido diseccionadas y comentadas en infinidad de medios, sitios, diarios, etc.
Al inicio de Hulk, se explica brevemente, en pocos minutos, la historia del origen del personaje, bajo el nuevo argumento de su reinvención (o sea, la cinta de Ang Lee pertenece a un universo paralelo). Esa pequeña introducción fue consistente y explicativa, situación que pocas introducciones suelen tener. Algunas películas inician con el llamado "hook" o gancho. Al inicio de la cinta, vemos el una parte del descenlace del personaje (o de la historia misma) y de ahí parte para contarnos como es que se llego a ese punto, por ejemplo Fight Club. No necesariamente tiene que ser el final, pero si una buena parte de la trama contada.

El inicio de una película es vital para que al espectador le interese. El caso más popular y notable (con todo y sus fallas) es la mini-aventura de James Bond en cada cinta de la saga. Otro podría ser el espectacular inicio de Gladiator, o mas recientemente la explicativa secuencia inicial de El Señor de los Anillos.


En la página http://www.artofthetitle.com/ desglozan algunas secuencias de apertura de cintas, que aunque no son del todo logradas, incluyen secuencias de títulos o introductorias verdaderamente espectaculares.

Es algo común que me pasa, que cuando quiero recordar alguna cinta que la tenga en gloria en los anaqueles de mi memoria, desaparece misteriosamente. Sin embargo, no hace mucho tiempo, vi en la televisión una cinta que tenía muchos años sin ver. Opiniones sobre la misma hay variadas, pero el inicio, la introducción de la cinta es una que quedo grabada en mi mente y que ahora, años después de verla por primera vez, me sigue pareciendo soberbia. Abajo esa introducción, con 16 años de antigüedad



Hydro Train

Hablando de la nueva cinta de James Bond, Quantum of Solace, mencionaba que uno de los candidatos a interpretar al espía después de la salida de Pierce Brosnan era Clive Owen. Uno de los roles más famosos y populares de Owen fue como "el conductor" en la saga de los cortometrajes de la BMW. La serie fue celebradísima e incluia a directores renombrados como John Frankenheimer, Ang Lee, Guy Ritchie, John Woo entre otros.

Los comerciales cada vez influyen más y demuestran una enorme calidad y contenido en tan breve tiempo. Existe "La Noche de los Publivoros" donde se muestran los mejores comerciales (según los organizadores) de todos los rincones del mundo. Son cada vez más los directores que han dirigido algún comercial para alguna poderosa empresa.

La multinacional Hydro, una compañía noruega de Energía y Petroleo (que tiene incluso espacio en México) recibio recientemente el León de Plata en Cannes por un anuncio en el que la empresa busca la adición de nueva gente, de gente talentosa, de esos pequeños ingenieros al equipo.

Aunque el video ha sido muy comentado y muy visto (tiene un año de antigüedad), yo apenas lo descubro. Por la calidad y lo emocionante que es, lo comparto con mucho gusto


Sobre el Panda


Por cuestiones de espacio (jeje) puse la reseña de Kung Fu Panda aca.
Pero aún así quería comentar un par de cosas a modo de conclusión:


- Pixar ya tiene competencia.
- No es que nunca la haya tenido.... pero la verdad, es que nunca la tuvo.
- Disfrute bastante Over the Hedge (volvi a ser niño con esa) y también disfrute mucho Shrek, pero creo que Kung Fu Panda es la mejor cinta de animada de Dreamworks (o será que vi Shrek hasta el hartazgo en compañia de mi sobrina)

- Por encima del relajo de toda la cinta, lo que más rescato es cuando el asunto trata de ponerse serio:

- Escenas como el flashback de Shifu hacia su antiguo alumno (Tai Lung) y sobretodo como lo ve cuando recuerda la batalla contra él.
- La dolorosa explicación que Po da sobre el motivo por el cual no se ha rendido.
- La humillación constante que recibe de sus idolos.


- Cuando la cosa se pone seria (lo más que puede con el género), casi de inmediato viene una secuencia chusca o ridicula, como para aligerar las cosas (para bien y para mal)
- Creo no ser el unico sorprendido de que sea más que un simplón entretenimiento (tipo Madagascar o La Era de Hielo)
- ¿Me emociono de más esta cinta? ¿La sobrevalore?


Al final, me divirtio más esta que Iron Man y Hulk juntas

Update Quantum of Solace & Punisher War Zone

La elección favorita de casi todos los fans (crítica, publico, curiosos) era el señor croupier himself, Clive Owen. Sobreexpuesto (de forma positiva) por la saga de comerciales para la BMW, Owen tenía el tipo perfecto para encarnar al siguiente James Bond: carisma, seguridad, dotes de superioridad, egocentrismo. Además de ser un gran actor.

Esa última cualidad, cuando menos, la tiene Daniel Craig. El Bond rubio y musculoso. Pocos creían de su capacidad para cargar el peso de semejante personaje, casi icónico. Superada la estupenda primera prueba, vía Casino Royale, Craig se enfunda de nuevo en Bond, para la segunda aventura de esta reinvención (aunque suene contradictorio) del personaje.

Contras no van a dejar de existir, que si se ve demasiado superfluo, que el título de la cinta es el peor de todos. Será en Noviembre de este año cuando llegue a las pantallas del mundo, Quantum of Solace, dirigida por el aleman Marc Forster (director de Finding Neverland, Monster's Ball entre otras). El trailer pinta bien:







De la misma forma, ya hay quienes critican energicamente todo lo involucrado con Punisher: War Zone. No cuentan con el mismo protagonista (el ahora muy popular Thomas Jane) ni el director. La historia parece acercarse más al comic, empezando por el hecho de situar la historia en Nueva York y no en el colorido Tampa.

Yo soy el primero en dudar de todo esto. Siempre me gustaron los comics y hace varios años, coleccionaba bastantes. Los ejemplares que mas atesoraba eran los propios a mi personaje favorito: Punisher. En pocos lugares me vendían el comic (etiquetado con la leyenda "Para mayores de 18 años") y a mi mama no le caía en gracia que lo comprara. Un compañero de la primaria lo tenía, lo leía en una aburrida clase de ingles y me lo presto. La verdad... nunca se lo devolvi.

Como no se puede hacer nada para evitarlo, espero, con el corazon de fan, que sea mucho mejor que las versiones anteriores. La directora Lexi Alexander (Green Street Hooligans) todo el tiempo se ha mostrado muy emocionada por el proyecto y su participación, lo que es un buen indicio. El trailer no se ve muy llamativo, (la misma Alexander lo explica de manera muy elocuente) pero hay que esperar antes de juzgar el producto, el cual llegara a las pantallas (cuando menos en EU) en Diciembre.

video

Julio - 9 años


Hace 9 años, el final del milenio estaba en boga. Para muchos representaba la esperanza de un nuevo comienzo, para otros, el escenario apocaliptico que esperaban encontrar. Señales para cualquiera de los dos escenarios se podían encontrar en todas partes. Había una emoción desmedida por despedir el siglo XX y también un pánico colectivo por el inicio del XXI.

Dicen que la humanidad no ha pagado por todos sus pecados cometidos. Pero en 1999, uno no podía más que estar a la expectativa, con emoción incluida. Desde Julio de ese año se vislumbraba un cierre de año espectacular. Los principales sitios turisticos en el mundo entero estaban sobrevendidos, saturados. Ya no había ni siquiera información de vuelos para finales de año. La mayoría de lecturas, reportajes, acontecimientos, fenomenos naturales y medios de entretenimiento se dedicaban a predicar el final de todo, de la vida como la conocemos. Otra parte se dedica a cimentar bases de auto-estima, de nuevos comienzos, de nuevas creencias y de un aferramiento a ciertas religiones (que según eran el único camino a la salvación).

El resto se preguntaba donde estaban aquellos escenarios futuristas de la literatura y el cine. Los autos voladores, los viajes a la luna-resort, las razas de otros mundos, naves espaciales, teletransportaciones. Ciudades de edificios altos, imponentes. Nada de eso paso. A 9 años de distancia, eso se ve todavía lejano (aunque no mucho)

Creo que la cinta que mejor ejemplificaba el final del milenio fue La Emboscada (Entrapment), donde nada pasaba, solo enormes celebraciones alrededor del mundo y el mismo amanecer de cada año nuevo.

Sin embargo, para uno fanatico y aferrado, ese año fue el inicio de la nueva trilogía de Star Wars. La desilución de millones, el gusto de muy pocos y la esperanza de muchos de que el siguiente capítulo hiciera olvidar el primero.

Entre los estrenos que hubo en Julio de 1999 en México, menciono los siguientes:


- Star Wars. Episode I. The Phantom Menace, de George Lucas
- Le Violon Rouge de Francois Girard
- Tarzan de Chris Buck y Kevin Lima
- Wild Wild West de Barry Sonnenfeld
- The Rage: Carrie 2 de Katt Shea
- Big Daddy de Dennis Dugan
- ExistenZ de David Cronenberg (en una sala)
- The King and I de Richard Rich

Unas no las vi, otras hubiera querido no verlas