Dia 9 Ficco 2008



Otto El Zombi
(Otto, or up wiht dead people, Dir. Bruce LaBruce, 2007)
* 1/2


Festivales como el Ficco reúnen diferentes variantes de gustos, géneros y espectadores. Brinda posibilidades de apostar por buen cine sin errarle. De descubrir propuestas innovadoras, de encontrarse con tematicas refrescantes. También da la posibilidad de descubrir que uno como espectador tiene muchos similares, aunque también uno se enfrenta con el aficionado que por accidente entro a una cinta de la cual no sabía nada de ella. A veces la aventura es fortuita, en otros casos es desagradable.


Mi afición por las cintas de horror, gore, pero en especial de zombies me hizo dirigirme sin dudarlo a esta película del controversial Bruce La Bruce (o Brian Bruce, su nombre verdadero, sin el añadido de drag queen). Desconocía en lo absoluto sobre la cinta en cuestión. Eso ayuda mucho. La visita a esta cinta entonces era lo más limpia que podía, sin pros ni contras.


Un zombie que se levanta para recorrer la ciudad. Tiene recuerdos de su vida pasada, rechaza la necesidad de alimentarse de carne humana y es encontrado por una cineasta medio fascista, medio gótica que lo contrata para finalizar su película, su obra maestra que le ha tomado 10 años en su realización (en palabras suyas, porque nadie quería financiarla).


El Otto del título por naturaleza provoca el rechazo de los demás, desde su peste hasta su manera de caminar le traen problemas. Problemas que LaBruce empezará a solventar cuando llega a un bar y un hombre que sale le invita a una copa, en su casa.

En ese momento, mis interrogante se manifestarón. ¿Zombies que recuerdan? ¿que reprimen sus necesidades primordiales de alimento? ¿zombies que hablan e interactuan con los demás? ¿zombies gays?


Lo que había iniciado como una sátira, se deforma en proporciones gigantescas cuando el director determina que la audiencia no entenderá que lo es. Por descripción, la sátira tiende a exagerar la situación, con toques muy realistas que el espectador identifique y relacione. Donde más intenta ser un tono cómico, es donde más simple se manifiesta el asunto. Un personaje atrapado en el cine mudo y blanco y negro cuyo potencial era enorme, aparece como el comic relief sin justificación alguna, como un bufón. La directora de la cinta, teniendo los mejores dialogos, es una piedra en la narrativa. Su dirección hacia con Otto, describiendo la situación que espera de su cinta en forma de rebelión comunista es a veces atinada, a veces insulsa. Muy divertida suena su propuesta de "mi cinta politico-porno-zombi" hasta caer en lo absurdo con su "eres el Che Guevara de los zombies gays"


¿Hasta donde se puede deformar un género sin degradarlo? La naturaleza de Otto sustituida por un comportamiento cercano a lo humano era una interesante idea. La comparación de los zombies y los gays como forasteros cazados y rechazados parecía funcionar. Pero ¿en que sentido son comparables? ¿en donde estan los elementos que hay que identificar? Por lógica, un zombie no provoca rechazo, provoca miedo, pánico. No se le persigue para propinarle una golpiza, se le huye para evitar ser devorado.


Y por supuesto, su reflexión acerca del amor libre, sin cuestionamientos ni adjetivos, donde Otto deja de ser zombie para tener sexo con su amante, con su hombre, una ridiculez

No es una película para todos. Tampoco se trata de una verdadera cinta underground que se elevara al grado de culto. Es el ejemplo exacto de una película pretenciosa (sus secuencias en blanco y negro, sus trampas de sobreponer la película que los personajes realizan, sus escenas de sexo explícito entre hombres y entre zombies) que con el tiempo, a nadie le importara. Yo creía que lo peor que el género zombie podía dar ya lo había visto... que equivocado estaba.

Dia 8 Ficco 2008



Los Cuentos de Go Go (Go go tales, Dir. Abel Ferrara, 2007)

* * *



Hay que mostrarle respeto a un director como Abel Ferrara. La intensidad de sus películas es muy diferente a la del cine en general. Tópicos que por lo general parecen simples, Ferrara los hace tan controversiales como es capaz. Tematicas que son dificiles llevar a la pantalla grande, el director las disfruta y las tuerce más. Es el clásico cineasta que no desea respetar las reglas para un cinta comercial, a pesar de que cada una de sus cintas posee ciertas virtudes que la harían muy redituable. Tampoco quiere ser el rebelde, con secuencias que nada aportan a una historia, pero que sí pueden herir algunas susceptibilidades.



A eso habría que agregarle un punto más a su favor. Sabe perfectamente dirigir a sus actores, demandarles un esfuerzo más y ellos salen favorecidos con personajes y actuaciones excepcionales.



La historia sucede en una larga noche. Ray Ruby (Willem Dafoe) es el dueño de un famoso, pero muy venido a menos, club de desnudistas. El club esta a punto de la quiebra y de su clausura. Ruby no puede pagarle a sus bailarinas, no puede pagar la renta y apenas puede costear el servicio de tintorería para sus trajes. El dinero, que es poco, ingresa y sale al momento. Ruby juega todo el dinero (propio y ajeno) en billetes de lotería. Primero por la pasión de hacerlo y después porque siendo ganador, podrá mantener en pie su dichoso club.


Durante la noche, veremos la interacción muy dinamica de Ruby con sus empleados, con su contador (quien también esta involucrado en el fraude), con su jefe de seguridad, con el gerente, con su hermano. Y de todos ellos con los clientes, con los jovenes que llegan por primera vez, con la dueña del lugar que exije se le pague el adeudo o tomara medidas extremas.



Lo ágil de la locación, del escenario, es bien aprovechado por Ferrara. Vemos a las bailarinas hacer su acto, como también las vemos discutir entre sí, planear una huelga por la falta de salario, anunciar algunos embarazos y enemistarse con el chef por un perro. Ruby tiene cámaras por todo el lugar, las cuales observa en la soledad de su oficina, escondiendo la cara, la responsabilidad. Pero se muestra optimista todo el tiempo, con un carisma que le permite mantener toda la operación en un misterio. En el mejor momento recibe su gran noticia, para inmediatamente lidiar con lo más obvio, lo más lógico, lo más tragico. Y con todo lo natural que resultaba, Ferrara logra transmitir una verdadera sorpresa.




De ahí, la paranoia y el frenetismo se destapa. Todos se revuelven en una maraña de desconfianza, egoísmo, deshonestidad y doble cara, donde el show le pertenece a Dafoe y su carismatico Ruby. A veces contenido, a veces excesivo, Dafoe esta todo el tiempo convencido de sus acciones, controlando toda la escena como titiretero, apagando el fuego con elegancia. Por supuesto, tiene a su lado actores de primer nivel, empezando por Bob Hoskins, como el gerente histérico por la baja clientela (siendo capaz de aceptar ser confundido por un señor cangrejo). Mathew Modine como el principal financiero y hermano de Ruby, un metrosexual dueño de una de las esteticas más populares de la ciudad. Y un largo etcétera.




Es díficil imagina a un Ferrara muy alejado de Bad Lieutenant, ahora en una comedia de enredos, por así llamarle. Pero el respeto que le tiene al tema se admira. Desde la dedicación que tiene para mostrar a sus bailarinas (sin morbo ni humillación) hasta el francamente egocentrico monologo final de Ruby. Por supuesto, hay un final feliz. Muy feliz para el espectador, no tanto para el personaje de Dafoe, del cual se mofa de él desde el principio de la cinta. Algo que el espectador solo entiende hasta el final.

Dia 7 Ficco 2008

Nota: Como se ve, no hubo día 6 del ficco para mi. Una disculpa.








El Último Infierno (The Last Winter, Dir. Larry Fessenden, 2007)

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¿Cuántas quejas escuchamos (y escucharemos) sobre la traducción de las cintas? Es cierto, nos tratan como animales ignorantes del tercer mundo con algunas traducciones. Las palabras favoritas como "mortal", "fatal", que van acompañadas o precedidas de "obsesión", "inocencia", y demás similes. Francamente da mucho coraje que a una cinta como Juno le tengan que agregar la tontería esa de crecer, correr, tropezar. Ejemplos hay millones y todos o la gran mayoría rayan en la estupidez.



Pero las más maltratadas en la traducción son las cintas de terror, horror, gore. Las primeras cintas de Peter Jackson son un ejemplo. Quizá la traducción de Picadillo cuyo original es Bad Taste (en referencia al Mal Sabor) se puede perdonar por la temática de la cinta. Lo que si no tiene perdon de Dios es que a Dead Alive le hayan puesto una traducción como Mi mama se comio a mi perro. Desconozco si por ejemplo a Meet the Febbles le pusieron algo como Marionetas del diablo. Porque el diablo es protagonista de varios títulos. Tanto el clásico de Sam Raimi, Evil Dead, como la reelaboración de The Hills have eyes, llevan el mismo nefasto título: El despertar del diablo.... cuando, por cierto, nunca sale un diablo en ninguna cinta (o que tal Haute Tension y su traducción de El despertar del miedo). Un debate sobre eso sería dañino para la persona que recuerde más de 5 traducciones de esa orden.



El comentario viene a la cinta en cuestión, The Last Winter. A comentario de una persona, el título efectivamente es muy engañoso. Eso de Último Infierno da a imaginar varias cosas que nada tienen que ver con la trama. Sin duda, la traducción que se le hace a una cinta puede deteriorar todo el concepto (o arruinarla, como con Thelma & Louise y su traducción de Un final inesperado... ¿pues no que es inesperado?, para que contarlo desde la compra del boleto).



Una compañía petrolera pretende establecerse en Alaska, por lo que envían un equipo para construír caminos sólidos que permitan trasladar el complejo equipo de extracción. El equipo se encuentra dividido entre el explosivo lider Pollack (Ron Pearlman) y el ambientalista Hoffman (James LeGros). Uno dedicado a encontrar la solución para construír el camino, el otro cauteloso y analista de cada acción. Ambos reportan sus avances, de manera muy opuesta.


Durante el proyecto, un miembro del equipo comienza a tener visiones y comportamientos paranoicos, hasta que un día aparece muerto en la nieve, desnudo y sin ojos. Esto lleva a pensar que hay gases escapandose que provocan alucinaciones, pero lentamente, cada persona asentada en el campamento se mostrara más afectado con su estadía, con lo que concluyen que se trata de algo más.


No he tenido la oportunidad de "entrarle" formalmente al cine de Fessenden, un director y actor que se ha ganado el respeto de muchos. Siendo esta la primer cinta que tengo la oportunidad de ver del director, puedo justificar la siguiente tontería que voy a decir. Es algo que a veces pasa, pero que es mejor no expresarlo. Con toda franqueza, no entendí la película. Entendí la trama, pero nunca entendí a donde iba, como iba avanzando y como llego a su descenlace. No entendí como ni para que.


El enfoque ambiental se antepone a las situaciones terroríficas o psicológicas, a pesar de ser manejadas con mucho interes (¿porqué cada personaje es alterado de manera diferente por el mismo ente?, ¿que reacciones tienen?). El petroleo, como en algun momente la cinta lo explica brevemente, es el resultado de la descomposición de fósiles animales y vegetales (que necesita de factores de tiempo, presión, temperatura para pasar a estado líquido) hasta convertirse en carbohidrato, que fluye por rocas porosas largos recorridos, para encontrar una no porosa, así asentarse y formar un yacimiento. La lectura sobre la importancia del oro negro y su formación se refleja en el poderoso ente inmisericorde que sale de la base que la compañía esta construyendo y que por consiguiente provoca los peores miedos de nuestros protagonistas.


La interesante propuesta solo se entiende (o yo la entendí) muy al final, cuando desafortunadamente uno ya ha perdido el interes por los personajes y su sobrevivencia. El comentario sobre el calentamiento global venía desde su título original, es decir, la última temporada que la humanidad verá.
No se puede negar que el director tiene bastante oficio, ofrece momentos muy logrados (más no terroríficos) que atrapan la atención, para después olvidarse y hacer que uno se distraiga. Es un constante cambio de interes e indiferencia. Ni siquiera su final trágico-deprimente logra convertirla en una propuesta diferente. Solo provoca alzar las cejas y juzgar el resultado con cierto dejo de sospechosismo... ¿para que?

Dia 5 Ficco 2008



Adentro
(A L´interieru, Dir. Alexandre Bustillo, Julien Maury, 2007)
* * * 1/2



A cualquier fanático del cine de horror-gore le da gusto saber que poco a poco se van formando más opciones interesantes de su género predilecto. No me refiero a la tendencia del cine norteamericano de estrenar cada vez más cintas que han sido catalogados como porn-torture (en el estilo de la serie de Saw y Hostal). Tampoco a su constante necesidad de hacer un remake de alguna cinta europea que ha llamado mucho la atención.



Recientemente, el cine de horror ha tenido sus mejores momentos en el cine asiatico, cuyas películas más representativas han inspirado a un interminable listado de realizadores alrededor del mundo. No todos han incursionado con solvencia, pero la presencia e inspiración de la fórmula se nota.


Es, entonces, más que bienvenido encontrarse con un cine de horror que aunque tiene altas dosis de gore, no desprestigia ni ridiculiza al género. El nuevo (porque asi le llaman) cine de horror frances. Francamente fue un deleite encontrarme con dos cintas que siguen esa línea. Primero, la soberbia y macabra Haute Tension del versatil Alexandre Aja. Y la estresante y enfermiza Calvaire de Fabrice Du Welz. Dos muy interesantes propuestas, cuya tematica no tiene nada nuevo (Calvaire es un reelaboración de La Masacre de Texas). Pero su narración y propuesta visual es sorprendente.


El Ficco en su sección 11:59 (películas de "emociones fuertes" que se pasan un minuto antes de la medianoche) trae este año una propuesta similar: Adentro, una verdadera montaña rusa.

Sarah es una fotografa embarazada, que perdio a su marido en un terrible accidente automovilistico. Diagnosticada para dar a luz el día siguiente, Sarah pasa la noche (que por cierto es Navidad) en su casa, aislada y aun enfrentandose a la pérdida, para que a primera hora se traslade al hospital para tener a su bebe. Ese es el plan. Sencillo. Lo que Sarah (ni su editor, ni su madre, ni algunos policias) no tiene planeado es la visita que una mujer le hace esa misma noche, una psicopata con absoluto control de la situación, que no se ira de la casa hasta llevarse al bebe que aun no nace, asegurando que es de su propiedad.




De aqui se desprende un festival de violencia, sangre, gritos y sobre todo, excesos. Excesos al por mayor. Por momentos, la cinta emula a las clásicas "slasher", con la asesina cazando a la próxima madre con unas enormes tijeras, cuya real justificación es sacarle al bebe antes de tiempo. En otras secuencias, la paranoia y la claustrofobia se antepone con la ayuda de una cámara muy eficaz, cuyo trayecto se asemeja mucho al cine de David Fincher (en especial a Fight Club y a La habitación del pánico), cuando Sarah se encierra en el baño, mientras la asesina trata desesperada de sacarla. En algunas secuencias, es una cinta de suspenso sobresaliente, con momentos de verdadera tensión y angustia. Y por encima de eso, es una cinta verdaderamente sangriente y violenta.




La muy atinada dirección proviene de dos jovenes franceses, siendo esta su opera prima, aunque parezcan expertos en este cine. Desde la presentación de la villana (de espaldas, con un flash de una cámara fotográfica) hasta su brutal descenlace, ambos directores se atreven a pasear por lo más extremo sin caer en el rídiculo. Me explico. El exceso viene casi en cada secuencia, para los fanaticos de este cine, todo aquello que imaginan y esperan con ansías (que a alguien le explote la cabeza, alguien prendido en fuego, tripas saliendo, etc) sucede en el preciso momento, con lo que muchos llegarán hasta las palmas, mientras que la audiencia que no tolera mucho este tipo de cine, o cierran los ojos o buscaran la salida de emergencia. Las motivaciones de la asesina, que en este tipo de cintas generalmente es un estereotipo, son de alguna forma, justificadas.



Cerca del final, el exceso es tal, que uno por encima de las risas involuntarias, admira la desfachatez con la que se ejecuta. Sarah, después de toda la tortura, de todo el drama, de toda la pérdida de sangre y de su propio estado, es capaz de curarse en el mejor estilo de Rambo, para después convertirse en una violenta vengadora que mucho le debe a Carrie, en una puesta en escena muy atinada.






Sin duda, el hecho de que la protagonista este embarazada ayuda mucho para que el espectador sufra por toda la pesadilla que la asesina provoca. Uno vive y sufre el dolor y el terror de Sarah y de su bebe (con tomas dentro del vientre), pero también existe un interés en la asesina, aun cuando eso parece contradictorio.



La mención que hice de Alexandre Aja no fue gratuita. Después del éxito de Haute Tension, se le asigno la tarea de reelaborar una cinta clásica de Wes Craven, que es también fundamental en el cine americano de horror: The Hills have eyes (o como se le conocio aqui El despertar del diablo).



Bustillo y Maury llamaron tanto la atención, que ellos serán los encargados de traer de nuevo a la pantalla grande otra cinta de culto: Hellraiser. Si el resultado de esa nueva revisión es la mitad de lo buena que es Adentro, seguro será un verdadero acontecimiento.

Aqui el avance:

video

Dia 4 Ficco 2008





Ayudame, Eros (Bangbang wo aishen, Dir. Lee Kang Sheng, 2007)

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Ah Jie sufre una crisis económica brutal, que lo lleva a aislarse del mundo, encerrado en su departamente, fumando marijuana. Creyendo que todo se solucionara con su muerte, llama a las líneas de ayuda en Taiwan. Su estado provoca que se enamore de la mujer que le contesta y ayuda en su caso. Jie lo que exterioriza con otra mujer, una prostituta que trabaja debajo de su departamento, con la que iniciara una relación muy vacía, entre excesos, sexo y la idealización de la mujer al otro lado del teléfono.


La película ejemplifica sobresalientemente el hartazgo de vivir en una ciudad con tantos habitantes y tan pocas conexiones reales, a la vez que documenta la forma en la que cada personaje reprime sus verdaderas necesidades (de amor, de compañía, de dependencia) solventandolas con los elementos que encuentran a la mano (la comida, el sexo, las drogas).
Hay espacio para el drama, lo trágico y lo cómico de la vida, aun cuando eso se presenta de manera accidental. Tan accidental como el amor. El director, quien también actua como el personaje principal, considera que su ciudad, Tai Pei, es un elemento clave en el desarrollo, con la ultra tecnología, sus luces de neón y la soledad que carga sobre sus habitantes. Visualmente es una maravilla.




Puerto de Embarque (Boarding Gate, Dir. Olivier Assayas, 2007)

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Assayas es un director interesante por partes. Su anterior cinta (sin contar el segmento en Paris te amo) Demonlover era un thriller complejo, bien armado, bien contado pero sin algo verdaderamente memorable o propio. Algo similar sucede aqui.
Narrativamente, la cinta se divide en dos. La primera parte en realidad no parece ir a ningún lado, salvo el conocer la relación entre Sandra y Miles. Ella una mujer que trata de remediar su vida y él, un empresario que ha tomado pésimas decisiones financieras. Su relación, basada en la manipulación y cierto masoquismo esta llegando a su final, el cual servirá como punto de partida para un segundo acto, que si bien plantea su desarrollo, se siente muy forzado.
Durante la segunda mitad de la cinta, ella será perseguida por Hong Kong, buscando respuestas que solo la llevaran a más preguntas y a conclusiones muy vacías.
Quizá lo mejor de Assayas en esta cinta es lo mucho que saca de cada uno de sus actores. Michael Madsen tiene una gran participación en la primera parte y transita con seguridad y hasta cierto carisma. Para Argento es sin duda un vehículo de lucimiento. La hija del maestro Dario Argento, tiene la oportunidad de mostrar todas su facetas: sexualmente controladora y dominante, vulnerable ante los hechos, confiada en partes. Se le ve inocente y fragil, como también calculadora y ágil.
La sensación que uno tiene cuando han empezado a correr los créditos es de sin sabor. Se veía bien, se saboreaba mejor, pero no llena ni deja satisfecho a nadie.

Dia 3 Ficco 2008




Capitan Achab (Capitain Achab, Dir. Philippe Ramos, 2007)
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Dividida en 5 capítulos, la cinta cuenta la interpretación muy libre sobre la vida de Achab (quien se volveria un famoso capitán obsesionado por un cachalote pigmeo de nombre Moby Dick) cuya vida siempre estuvo regida por la impasibilidad. Un tipo rudo, descarado que nunca tolero que la vida le propinará una derrota.
Cada capítulo es narrado por alguna persona importante que se cruzo en la vida de Achab, quienes compartieron la experiencia de verlo transformarse en un individuo aislado y comprometido (al final) con él mismo. Sus primeros años con su padre, su vida al lado de su religiosa y voluble tía. Su estadía con un sacerdote, la corta vida que tuvo con Anna, y el trágico final en compañia de Starbuck.

Aunque no deja de tener interes, la cinta es más bien fallida, inconsistente y no avanza mucho ni profundiza en el violento capitán. No todos los episodios son logrados, los mejores son los que tienen espacio en la infancia de Achab (en especial con Mulligan el sacerdote, el cual reflejaría mucho del futuro de Achab). Queda claro que la intención no es rematar con el violento enfrentamiento con la ballena, pero eso también evita un verdadero interes e identificación con el personaje, al que vemos evolucionar pero con el cual nunca hay una conexión.






Berlin de Lou Reed (Lou Reed's Berlin, Dir. Julian Schnabel, 2007)
* * 1/2


En 1973 salio a la venta uno de esos discos que no fueron bien comprendidos en su momento. Tuvieron que pasar varios años para que el disco "Berlin" ocupara un lugar entre las mejores grabaciones de Lou Reed, uno de los artistas mas brillantes de la música. Uno de sus discos más oscuros, tristes y con letras muy agresivas ("Caroline Says II" es un brutal ejemplo). Es curioso como el fenomeno se repite, pero la grabación de este monumental disco fue un desastre, al punto de estar a punto de ser cancelado. Reed pasaba por un periodo sentimental/emocional catastrófico y empezaba su adicción a las drogas (en particular al speed). Y el disco, musical y liricamente hablando, es un testimonio del propio Reed sobre el estado físico y emocional en el que se encontraba.

Esta es la presentación del 2006 que Lou Reed hace del disco, a manera de homenaje del mismo y del proceso que vivio cuando lo grabo. El concierto es muy emotivo. Reed es acompañado por un conjunto de músicos, coros y orquesta de primerisimo nivel. La complejidad de las canciones se ve reflejada con cada movimiento de las personas arriba del escenario (desde Reed, pasando por el baterista, los niños con voz encantadora del coro). El sónido de la sala era casi perfecto, con una excelente orientación. Existe una verdadera dirección entre música y sentimientos, las primeras son más bien movidas, las finales son más bien trágicas.

La filmación es excelente. Se trata, al final de un director de cine. No estamos ante un concierto de Lenny Kravitz en el estadio Azteca (el concierto fue muy bueno). Quienes operan las cámaras saben perfectamente su oficio al capturar los momentos más emocionales de cada canción, muy opuesto al trabajo que los ingenieros y camarografos hacen en un concierto en México, con pésimos encuadres, terribles efectos visuales, fatal iluminación, que remiten a las transmisiones del OTI.

Un gran documento de uno de los mejores conciertos de Lou Reed, quien para no dejar mal sabor de boca, después de tan fuerte experiencia musical, cierra con una versión brillante de "Sweet Jane"

Dia 2 Ficco 2008




Dr. Plonk (Dir. Rolf de Herr, 2007)

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Un visionario científico descubre la fecha exacta del fin del mundo, dentro de 101 años. Para tratar de convencer al parlamento de tal afirmación, construye una máquina del tiempo que le permitirá llegar a ese punto climatico, donde se presentará el apocalipsis, para recopilar pruebas y que de esa manera se pueda hacer algo por evitarlo.



El Dr. Plonk vive en el año 1907, su máquina del tiempo es una caja de madera que funciona con cuerda y su ayudante es sordo y mudo. Y un pequeño perro se roba cada escena en la que sale a cuadro. Esta cinta sigue la línea de las películas silentes de los años 20 (muy en el estilo de Buster Keaton y Chaplin)


Con ayuda de Paulus, construye esa máquina del tiempo y llega al año 2008, en Australia. Para descubrir que las personas se han convertido en una especie de zombies (frente a un televisor), ser tratado como terrorista, descubrir que tenía razón sobre el fin del mundo (al menos en el trailer de una película) y ser perseguido por todo un escuadron.


Hay mucho encanto en esta cinta. Desde la manera en que esta filmada (similar a la epoca del cine mudo), las actuaciones de cada personaje, la recreación del pasado y la manera en como las situaciones más simples (deslizarse en una banca para abrazar a una chica, un perro jugando con una pelota, las patadas que recibe toda la película Paulus) son altamente divertidas.


Musicalizada de manera maravillosa, toda la cinta se siente fresca. Conjugar el pasado con el presente no fue cosa fácil, sin duda, pero funciona con fluidez. Los actores, como Buster Keaton, son verdaderos atletas y la persecución cerca del final (que le debe muchisimo a la cinta de Keaton, El General) es mucho más emocionante y divertida que cualquiera orquestada por Michael Bay y sus millones de dólares en efectos especiales.


El director De Herr ya antes había realizado una cinta bastante interesante (el thriller Alexandra's Project, conocida en México con el nombre "Venganza Sexual"). Ahora aprovecha todo lo que implica realizar a estas alturas una cinta silente. Los personajes viajan al futuro extrañados y precavidos. La audiencia regresa al pasado asombrada y divertida. Todo un logro.



Dr. Plonk se vuelve a exhibir el sábado 23 de febrero en Cinemex Antara y el martes 26 en Casa de Arte

Dia 1 FICCO 2008

Vaya festival. Si de algo puede presumir el FICCO no es tanto de la selección de películas (un año muy bueno, otro mas bien mediocre). El FICCO es una bestia que dura 13 días. 260 películas no se pueden cubrir en ese período, es imposible (según Einstein y las leyes del tiempo/espacio).
Este año en particular, hay una gran variedad de películas muy interesantes.

La aventura (no se le puede llamar de otra forma, si uno tiene que lidiar con películas que se empalman, funciones a las 3 de la tarde, el trafico del DF y desplazarse por las sedes) es personal e intransferible. Nadie tendrá la misma experiencia dos veces. Así que, aprovechando el abono que me regalaron (de 20 peliculotas), la aventura Ficco para mi, en su primer día, inicio con las siguientes cintas:





Noches Púrpura (My Blueberry Nights, Dir. Wong Kar Wai, 2007)


* * * *
¿De que manera lidiamos con la pérdida?, ¿de que manera enfrentamos la soledad, la ansiedad, la angustia?, ¿Cómo la entendemos? Elizabeth (Norah Jones) no esta del todo sola. Escribe frecuentemente cartas, envía postales a Jeremy (Jude Law) un joven dueño de un restaurante al que conoció el día que se entero de la infidelidad de su pareja. Durante un breve periodo, donde compartieron noches solitarias, aderezadas con un pastel de mora, ambos desarrollaron un esbozo de relación, un inicio de compañerismo y una mutua aceptación a la soledad y desilusión. Él recibe muchas llaves de parejas que representan el final de cada relación. Las guarda, las recuerda y las atesora. Lo hace porque él mismo no sabe que hacer con su propio juego. Es la forma que tiene para enfrentar su pasado.

Un buen día, Elizabeth se marcha de Nueva York, buscando un camino que la aleje del doloroso recuerdo de su pareja. Recorrerá parte de Norteamérica, se establecerá brevemente en lugares y conocer distintas variantes de personas (un policía ebrio, su esposa, una apostadora adicta) que también tienen que encontrar una forma para lidiar con sus problemas, con sus emociones. No solo de su experiencia sino de los pesares de los demás, Elizabeth encontrará un desvío que le haga “cruzar la calle” sin que el recorrido parezca interminable.

Como personas, queremos conocer más a la gente que nos rodea, que se cruza en nuestro camino. Aprender de sus experiencias, emocionarnos con sus triunfos. Deseamos saber como han llegado a donde están, como punto de comparación con nuestro propio recorrido. Es una cualidad natural.

Nunca le he mencionado abiertamente (solo a aquellos que me lo han preguntado) pero mi película favorita hasta el día de hoy es Stalker (1979) del maestro ruso Andrei Tarkovsky. Elegir algo como favorito (cine, música, libros, etc) es una labor casi imposible, es probable que me este apresurando (aunque llevo ya varios años afirmando lo mismo) pero aunque sea falso, esa cinta marco mucho para mí. He llorado, me ha inspirado, me he identificado y hasta me he dormido con una sonrisa. Algo del Stalker del título (algo así como la guía de un lugar) encontré en mí. La sensación de no tener dirección alguna en la vida y mejor contenerse a hacer lo único que se sabe. Esta cinta del maravilloso director es probablemente la menos popular, la menos favorecida por parte de la crítica y muchos dicen es su obra menor. Puede ser, pero no lo entiendo así. Cada quién. Lo que es un hecho es que la belleza de imágenes es una constante de Tarkovsky y Stalker no es la excepción. Un plano secuencia de ocho minutos donde parece no pasa nada (solo sigue a un hombre caminando por un túnel) es en realidad una balde de agua fría. Ese plano, para muchos excesivo y vacío, dice mucho más sin recurrir a un solo dialogo. La puesta en imágenes de Tarkovsky no la he encontrado en ningún otro cine. Lo más cercano a la sensación de sentirse completamente absorto por lo visual es, para mí, el cine del director chino de culto, Wong Kar Wai

La leyenda dice, más o menos, que Wong Kar Wai solo filma, sin tener una historia o un guión finalizado (o iniciado, para el caso). La improvisación es parte fundamental en todas sus cintas (me acuerdo de Chungking Express), porque la improvisación provoca que todo se sienta más natural. En ese sentido, muchos han atacado la actuación de la cantante Norah Jones y cuestionan el porque de su elección. Es cierto que el resto del elenco (David Strathaim, Rachel Weisz, Natalie Portman) es brillante y cada aparición que tienen opaca a Jones. Pero la cantante sale por demás bien librada. Su rostro siempre tiene una dulzura inocente, su mirada registra en silencio todo a su alrededor y manifiesta una real curiosidad por su entorno y sus habitantes. Al final, uno acaba por envolverse con su personaje, porque la gran mayoría hemos perdido esa curiosidad por encontrar algo más de lo que tenemos.

La historia, sencilla, lineal, sutil y melancólica le queda como anillo al dedo al gran director. Su cine es preciso, casi perfecto, pero enfocado en esos pequeños detalles, de su cámara, de sus actores, de sus entornos. Los pequeños detalles de la vida (que nunca son pequeños). La perfección de los encuadres forma parte esencial en cada historia que Elizabeth se involucra. Como es costumbre la relación de Wong (y su cámara) con sus actores se nota en cada cuadro, conoce como encuadrarlos, donde situarlos, como iluminarlos y cuanto tiempo en pantalla debe darles. Cada puesta de imágenes es envolvente, de tal belleza que uno no quiere que se acabe.
Toda jornada es cíclica. Wong Kar Wai recorre todo el ciclo con suavidad, con elegancia. Su jornada en su primera incursión en el cine américano es de lo mejor que ese cine es capaz de mostrar.

Para muchos, esta es su película más común, menos demandante, más complaciente. Salvo lo de “común”, puede ser cierto, dado que esta es su cinta más amable y agradable. Pero en sus manos, lo agradable esta muy por encima de la mayoría de los directores no solo americanos, sino del mundo. La sensación agradable traspasa la pantalla.

Injusta es la forma en que han despreciado muchos críticos a esta cinta. Luego, esos mismos, se quejan de obras de arte como Deseando Amar (In the Mood for Love, 2000) porque son muy complejas. A estas cintas, los años le darán la razón. El recorrido de este tipo de películas, también es cíclico, para fortuna de muchos.


Offscreen (Dir. Christoffer Boe, 2006)



* * 1/2



Un prestigioso actor de teatro sufre una crisis en su matrimonio. Siguiendo el consejo del mismo Boe, toma una cámara y graba todo lo que pasa en su vida, creyendo que al final, será una película sobre el amor que le profesa a su esposa. La obsesión de no dejar sin grabar un solo segundo de su vida y sus relaciones con los demás, poco a poco le hara perder todo lo que tiene. A su esposa, su trabajo, sus amigos, su dignidad y su cordura. Terminar la película se convierte en los más importante para él, al grado de creer que al hacerlo solucionara todos sus problemas (la conversación que tiene con una amiga/actriz sobre la forma en que esposa se reconciliara con él).




Desde un inicio se percibe como un ejercicio muy interesante, todo lo que vemos es por la cámara que el actor tiene a mano y todo el tiempo que lo vemos hablar a la cámara (a nosotros) crea una tensión por el comportamiento enfermizo que la situación le provoca. Boe lleva la situación al extremo máximo en cada nueva cinta que el actor graba (dice grabar 12 cintas diarias). Pero lo que más impresiona es lo cotidiano y común que el actor muestra con su obsesión. No duda en ningún segundo de su decisión, no escucha razones y ha dejado de importarle la vida normal. Su obsesión se convierte en su dueño, en su patrón.



No es en lo absoluto una película fácil, pero es una apuesta muy interesante, para cualquiera que se interese en verla.






Miedo a la oscuridad (Peur(s) du noir, Dir. Blutch, Charles Burns, Marie Caillou, Pierre di Sciullo, Lorenzo Mattotti, Richard McGuire, 2007)


* * *


Varias figuras geometricas se forman en la pantalla, mientras una voz femenina platica sobre todo lo que le da miedo (miedo a ser mediocre, miedo a ser devorada por gusanos, y un largo etcétera) y lentamente uno empieza a creer que no solo le tiene miedo a las arañas.


Un psicopata en la Francia napoleonica pasea con 4 perros furiosos y los va soltando para que cacen y aniquilen una vida humana.


Un joven casi muerto recuerda su infancia en una finca alejada de todo, y su fascinación por los insectos. Para más adelante relatar sus primer y único encuentro con una mujer, que de alguna manera se relacionara con cierto insecto que capturo de niño para transformar el entorno en una pesadilla en verdad enfermiza.


Una niña recién llegada a un colegio es asechada por el espiritu de un violento samurai.


Un hombre recuerda a su amigo y su desaparición posterior cuando la presencia de un supuesto monstruo asecha una villa muy religiosa y un cazador brutal es enviado a resolver el problema.


Y finalmente un hombre se queda varado en una casa embrujada, en el que sin duda es el mejor segmento de este compilado fascinante de animación, en la que cada director manifiesta (muy subjetivamente) sus miedos más profundos, aquellos que provienen casi de la imaginación infantil y el miedo que todos alguna vez tuvimos a lo que habitaba debajo de la cama.





Una autentica sorpresa. Una muy agradable. Aqui el avance:



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Noches Púrpura se vuelve a exhibir el Martes 26 de Febrero en Cinemex Real y el Sabado 1 de Marzo en Cinemex Antara

Offscreen se vuelve a exhibir el Sabado 23 en Cinemex WTC, el Lunes 25 en Cinemex Casa de Arte y el domingo 2 de Marzo en Cinemex Loreto

Miedo a la oscuridad se vuelve a exhibir el viernes 22 en Antara, el sabado 23 y domingo 24 en Casa de Arte

Ambulante 2008: Los Ladrones Viejos


No se con exactitud el año en que se grabo y transmitió ese reportaje especial que a la mitad del documental "Los ladrones viejos, Las leyendas de artegio", donde se escenificaba el robo de una bolsa, a modo de advertencia del televidente. Se ve bonita la bolsa, es muy fina y la mujer se ve muy elegante, pero es tan fácil de arrebatar. Lo que llama la atención es la sutilidad y la ingenuidad para retratar semejante acción, aún cuando el reportaje pretendía ser alarmante.

La historia de varios ladrones de los 60 y sus, digamos, grandes exitos en su profesión (ellos le llaman así) son la trama de este documental, premiado en Guadalajara. Sus lealtades, sus códigos, sus categorías de estos ladrones que en buena medida, hasta se extrañan. Su historia es contada por ellos mismos, por los policias que los persiguieron y por secuencias extraídas de televisión, cine y periodicos. En lo global, es una historia de policias y ladrones, el tipo de historias que atraen por su emoción y también por su desencanto.


Desconocía mucho de la historia de Efraín Alcaraz, alías El Carrizos, salvo una que otra nota que lo mencionaba brevemente o por alguna conversación que tuve con gente que vivió en su epoca. Buena parte de la narración la lleva este ladrón (más no ratero, como lo aclará al ser detenido) que al ritmo de sus declaraciones, anecdotas y fechorías (en especial aquella a los ex-presidentes, autenticos rateros, Echeverría y López Portillo) se convierte en el antiheroe de la historia, aquel que goza con nuestra solidaridad, aprovación y complicidad. Algo similar se presenta con cada presentación del resto de ladrones, de otro generación, que cuentan sus historias, entre corrupción, ética y hasta cierto compromiso entre ellos. Ladrones que aprendían sus artegios desde niños (la anecdota tan bien contada de cierto muñeco al que le colocaban cascabeles), acostumbrados a la idea de que todo lo que veían estaba ahí para aquel que se atreviera a tomarlo. El Carrizos no se dice arrepentido de su vida, de sus acciones, de lo legendario de sus hazañas. Sin embargo, hay una culpa que dentro de él sabe esta pagando. El precio de escoger esa vida como camino es uno que se ha de pagar, tarde o temprano. Escucharlo hablar tan breve como puede de su esposa, es un claro ejemplo de eso. De la misma manera en que muestra a esos policias que parecen una ficción en el México moderno (oficiales entregados, dedicados, interesados en el bienestar) también muestra las protecciones de los más poderosos entregaban a los ladrones, bajo la promesa de un retribución mutua.

Si bien los ladrones y los policias han cambiado mucho con el paso de los años, hasta llegar a lo que son en la actualidad, también es importante notar que esas protecciones entre policias siguen siendo una constante.
Elocuente y divertido, el fantástico documental de Everardo González no solo pone el dedo en la llaga del espectador para sacar conclusiones sobre estos personajes, que para bien o para mal forman parte del folclore mexicano. También el que la audiencia sea complice de esos ladrones, señala algo que siempre ha estado ahí. La doble moral del mexicano. Sabemos que lo que hacen esta mal, sin duda le sacaron la quincena a más de uno. Sus acciones no son para enorgullecerse... y sin embargo, cuando el Carrizos habla de que no le devolvio nada a López Portillo, uno no puede dejar de sonreír complacido y desear que este Carrizos hubiera hecho lo mismo con cada uno de los "rateros" que ha pasado por los Pinos.

Sweeney Tood


Una de las razones por las que suelo escribir mis opiniones de las películas que veo es porque suelo expresarme un poco mejor con letras que con palabras. Quizá se deba a que leo varias veces lo que he escrito y elimino o añado información que creo pertinente. Otra es porque veo muchas películas, más no quiere decir que sea un profundo conocedor. Creyendo esto último, una persona me pregunto "¿que es un actor fetiche?"

Mi explicación sin duda alguna dejo a la persona que me indago más confundido. Me decidi entonces a investigar un poco más en el asunto, sin mucho éxito, francamente. Pero encontre varios ejemplos ilustrativos. Ron Pearlman es el actor fetiche de Guillermo del Toro. Andy Serkis (Gollum) es el actor fetiche de Peter Jackson. El clásico: Robert DeNiro (aunque en la actualidad es Leonardo DiCaprio) es el actor fetiche de Martin Scorsese.

Son actores que suelen aparecer en la gran mayoría de cintas de un determinado cineasta. A veces interpretando una extensión del mismo papel o siendo totalmente diferentes y versatiles. El actor suele convertirse entonces en un amuleto, en una continuidad, en un enamoramiento, en una consistencia. El mejor ejemplo de actor fetiche es Johnny Deep para el director Tim Burton. Protagonista de media docena de las cintas de Burton, Johnny Deep se ha convertido en una constante en el cine del excentrico director. Pero el fetichismo (del diccionario Nueva Espasa Ilustrado 2000: "Objeto de culto en algunos pueblos primitivo/ Idolatría") de Burton hacia Deep va un poco más alla, particularmente en su más reciente colaboración juntos. Burton transfiere ciertas características y obsesiones en cada papel que Deep interpreta con sus historias. Deep, en realidad, es una extensión del propio Burton, al menos actuando.


Sweeney Tood (2006) vuelve a poner a Deep en el protagonico, para narrar la historia de un barbero que busca cobrar venganza en el Londres del Siglo XIX. Deep es un barbero a quien le arrebatan esposa e hija para después deportarlo. Años después regresara con su nueva personalidad, solo para descubrir que su esposa se enveneno y su hija ahora es (casi) propiedad del juez Turpin (Alan Rickman) quien fue de inicio el culpable de toda su tragedia. Con la ayuda de la Sra Lovett (Helena Bonham Carter) quien es dueña de un restaurante bajo la vieja barbería del protagonista, Todd iniciara una venganza en contra de todo Londres, cuyos cadaveres acabaran en la cocina del propio restaurante.

El musical poco a poco a vuelto a estar de moda. Con mayor frecuencia, muchas historias son contadas bajo ese género (o formato), algunas con mucho exito, otras no tanto. Burton no es ajeno ni novato en el género, ya antes había entregado El Cadaver de la Novia y se había involucrado en la producción, historia y creación de personajes en la maravillosa El extraño mundo de Jack.

Por la propia temática o por la densidad que Burton parecía buscar, las piezas musicales si bien la mayoría son afortunadas y divertidas, en realidad carecen del dinamismo y energía. Todos los actores cantan sus partes y lo hacen bastante bien. La puesta en imagenes es adictiva (como el cine en general de Burton), pero sus personajes parece que no profesan ninguna autentica devoción a su objetivo. Ni el Tood de Deep parece consumado por la tragedia, ni tampoco frenético por su venganza (aunque salga con más ojeras que de costumbre). El problema con los números musicales se ve reflejado en lo global. No es del todo una cinta de horror, ni una cinta sangrienta. Tampoco es una comedia negra. Ni siquiera parece una cinta realizada para premiaciones.

Sin embargo, si logra ser un espectaculo visual asombroso. Una narración casi perfecta. Y un vehículo de lucimiento (para variar) de Johnny Deep, quien ya sea encarnando a un escritor paranoico, a un policia infiltrado en la mafia, a un drug dealer en ascenso y descenso, o en un exagerado pirata, es una verdadera garantía y deleíte. Con su rostro siempre con la misma expresión, todo el odio que en buena parte reprime, Deep logra que el personaje se sienta autentico. Pasa de un amargado psicopata a un hombre doblegado por la impotencia. Aparece en el 90% de la cinta, con el mismo seño fruncido y todas las emociones que procura expresar son el hilo conductor de la historia.

Burton parece haber estado muy concentrado en su alter-ego, en su protagonista. Lo que sin duda se nota. Tal véz fue tanta la atención que le puso a su Sweeney Tood que descuido un poco los demás aspectos. Pero solo un poco, de lo contrario esta hubiera sido otra obra mayor de su ya brillante filmografía.

Indiana Jones 4.... Update

Quede en poner el avance de la cuarta cinta de Indiana Jones. Buen trailer, muy bueno.
Y la música de John Williams... maravillosa

Ambulante 2008: Los Caídos



En Febrero de 2006, sucedio una tragedia que marco el rumbo de muchos asuntos en el país. No solo de solidaridad con los familiares, vislumbramiento de una enorme corrupción (lo cual es común por estos lares) o las condiciones miserables de trabajo de muchas personas. Marco un rumbo que modifico actitudes, creencias, valores. Movilizaciones en exceso reprimidas, los oídos cada vez más sordos de las autoridades, destrucción de vidas humanas (y no por una bala). La tragedia cambio el rumbo de muchas cosas, entre ellas, la pasividad de muchas personas (más no la mayoría)

Setenta y tres mineros perdieron la vida en la Mina de Carbón de Pasta de Conchos, en Coahuila. Una explosión en la mina provoco el colapso y el derrumbe con los trabajadores dentro de ella. La noticia recorrio rapidamente el país y el mundo entero. Siendo, por así decirlo, un evento reciente, recuerdo haber visto varios noticieros, periodicos, programas de analisis y entrevistas a involucrados que desde el primer segundo que la noticia se hizo publica, entraban en una serie de contradicciones que rebasaban la simple desinformación y se acercaban a la estupidez y manipulación. Pero si los medios explotan algo, es la manipulación... incluyendo este documental.


En el gran documental Roger y yo (1989), la premisa sostenida todo el tiempo era encontrar y entrevistar a Roger Smith, presidente de General Motors, para explicar el cierre de las plantas de Detroit y dejar desempleados a gran parte de la población de Flint en Michigan. A través de esa premisa, Michael Moore nos muestra las consecuencias económicas de los residentes, cuya desesperación los lleva a acciones intimidantes. Sin duda, Moore es una personalidad muy elocuente, divertida e ingeniosa, pero no deja de ser manipulador. A pesar de que el relato se inclina solo al lado que el determina, el documental es conmovedor, apasionado y muy divertido.

Rudy Joffroy, director de Los Cáidos, también se inclina a un lado de la balanza. El relato es propicio a eso y no se necesita buscar conspiraciones para constatar que la tragedia de la Mina llevaba mucho más que la pérdida de los 63 mineros.


Deja claro que el principal culpable es la administración foxista, culpable de muchas más atrocidades. En conjunto con empresarios de Grupo México (una de las compañías mineras más poderosas del mundo, quienes operaban Pasta de Conchos), la verdad se desvío, la información se controlo y la responsabilidad se eludió. Joffroy muestra (apoyandose en entrevistas a abogados, periodistas y algunos fragmentos de noticieros) como las condiciones en que Grupo México mantenía sus minas y a sus trabajadores eran una bomba de tiempo. La mina contaba con una brutal concentración de gas metano (motivo por el cual se debe cerrar una mina), no existia el polveado (al explotar el carbon, este libera polvo que se adhiere a las paredes y que es altamente inflamable, por lo que se le agrega un polvo inerte), no servían los ventiladores (motivo por el cual se suspenden los trabajos en una mina) y sobre todo, nadie se molesto en inspeccionar el sitio. Aquellos que lo hicieron, escondieron los metanometros, los números de gas metano y las negligencias de la Mina en conjunto.


Dejando a lado el contexto político (algunos me dirán que es la medula del documental), Los Caídos no explora del todo el sentir de los mineros y la gente afectada por la tragedia. Quizá porque desde antes de entrar a la sala, ya estamos a favor de la gente y no de los empresarios (mucho menos de Fox). Aunque eso puede ser la debilidad del documental. Avanza, avanza, avanza y cuando parece tirar el dardo sin nunguna misericordia se desvía. La conspiración de la que Joffroy explora llega incluso a las altas esferas de Televisa... y nada mas, solo muestra el logotipo de la empresa como un parte culpable y no se involucra más.


El punto más controversial se enfoca en el famoso líder minero, Napoleón Gomez Urrutia. Brutalmente golpeado por los medios y destituido ilegalmente del sindicato, huye a Canada buscando asilo político, mientras los mineros se lanzan a una huelga de más de 100 días que llevo a una confrontación con la polícia, que dejo a 2 muertos y varios heridos. El Doctor en Economía (el único lider de sindicatos que ostenta ese título y quizá el único con estudios, para el caso) se muestra como una victima más de la conspiración foxista-empresarial. Se le utilizo como la pieza necesaria para lograr desviar la atención de la tragedia y que los medios (y muchos) se enfocaran en el supuesto desvío de 50 millones de pesos que el líder sindical hizo. Sin duda el doctorado de Urrutia le da una habilidad verbal para expresarse y los fragmentos de la entrevista con él son muy interesantes. El problema es que la historia no se atreve siquiera a levantar las cejas para dudar aunque sea un poco en la palabra del líder sindical. La situación que atraveso y la ilegalidad de su destitución (y posterior persecución) es una sorpresa, pero con todas las preguntas que el documental lanza, ¿no hubiera sido bueno también dudar de su involucramiento o su desconocimiento de la tragedia?



Por supuesto que un documental de esta índole necesita tener una postura. Y durante los 80 minutos de duración la tiene. Nunca se desvía y sabe perfectamente a donde quiere llegar. La tragedia todos, al final del camino, la vivimos. Con todo su imparcialidad, Los Caídos es una gran pieza de información, decepción y desesperación sobre una historia más de corrupción que se vive en México. No hay un final feliz. Pero si hay un respeto al trabajo y cuando los créditos corren y vemos las fotografías de aquellos mineros fallecidos, el respeto que sentimos al ver sus rostros es profundo y honesto

Cloverfield Monstruo

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A principios de Julio del año pasado, se presentaba con bastante exito la cinta Transformers, del mediocre e insufrible director Michael Bay. Más que la capacidad del director en contar una historia, la cinta resulto un hit por el manejo espectacular de sus FX y de la nostalgia que muchos compartimos por la caricatura clásica en la que la cinta esta basada.

Pero había algo más. En las salas de EU (y en algunas de México) se proyectaba un avance previo a la cinta, de una película que aparentemente nadie conocia, nadie entendía mucho y ni siquiera el nombre se anunciaba... solo el nombre del productor J.J. Abrams (creador de Lost) y una fecha: 1-18-08, es decir, 18 de Enero de 2008, la fecha del estreno.

Los rumores, los sitios en Internet, la busqueda por ese avance no se hizo esperar y al siguiente lunes, la cinta era una obsesión para muchos. Solo mostraba imagenes grabadas de una cámara casera de una fiesta de despedida de un joven que era interrumpida por un fuerte temblor, explosiones y la cabeza de la Estatua de la Libertad rodando por las estrechas calles de Manhatan. El misterio, mercadotecnia que Abrams maneja muy bien, le daba un aura de gloria al proyecto. Poco a poco se filtraba la información, el nombre, la temática, el director.


Llego el 2008, la fecha prometida. Y el día 18 de Enero, las salas de EU se vieron abarrotadas por gente desesperada por presenciar lo que se auguraba como el gran evento, cuando menos, del primer trimestre del 2008. A nuestro país llega con 15 días de diferencia (temiendo la asesina pirateria) la tan esperada combinación entre El proyecto de la Bruja de Blair con el cine de monstruos (aunque la referencia más clara sería Godzilla por el escenario, pero poco o nada tiene que ver).


Nueva York, tiempo actual. Varios amigos se reunen para despedir a un compañero que por motivos de trabajo, partira hacia Japón. Uno de ellos decide "documentar" el evento en un videocassette, desde la preparación de la fiesta hasta su culminación, para que el festejado se lo lleve, lo atesore y lo recuerde por siempre. Aunque nunca pensaron en cambiar la cinta que tenía y que, al final, es paralela y explicativa de la historia. De esa manera, somos testigos de los que sucede unicamente por lo que la cámara registra, y nada mas. Durante la fiesta descubrimos que el festejado tiene roces con una amiga que secretamente ama y la probable amarga despedida que tiene con ella. Cuando sin mayor aviso, la ciudad es sacudida por lo que en un inicio se cree un terremoto. Después de eso, empiezan las explosiones, la destrucción, la huída y el sónido gutural de algo que deambula por las calles de Nueva York. Sorteando la primera embestida del monstruo, el festejado, su hermano y amigos emprenden el camino para salir de la ciudad y salvarse de una bestia descomunal que arroya todo a su paso. Al ser el visor de la cámara nuestro único narrador, la historia busca extenderse por 88 minutos, con la excusa de la relación entre el festejado y su amor secreto, quien le llamará a su celular para pedirle ayuda, pues esta atrapada en su hogar y no puede moverse.


El grupo emprenderá un recorrido por una ciudad destruida para llegar al rescate de la susodicha, enfrentando todo el peligro que el propio monstruo debe representar: el pánico generalizado, la violenta reacción de las autoridades, la ciudad sin servicios, los acompañantes de la bestia y a la bestia misma.


El verdadero director de la cinta Matt Reeves (muchos aún creen que es Abrams) cuya mayor notoriedad es ser el director de algunos episodios de la serie Felicity, es apoyado por protagonistas sin un gran nombre en la industria (digamos, unos perfectos desconocidos) que aportan todo lo que pueden con lo poco que tienen.


Tratando de no quitarle méritos, la cinta nunca aburre ni se estanca, pero tampoco avanza mucho más de la idea de los jovenes perseguidos en cada esquina, que si bien durante un tiempo funciona, cerca del final deja de ser importante si alguno de ellos logrará salvarse. El único personaje que realmente genera interes es al que nunca vemos, salvo en un par de ocasiones... quien lleva la cámara. No tanto por la genuina preocupacion de su bienestar, sino por ser quien lleva de la mano al espectador, quien dicta que ve, donde lo ve y cuando lo ve.


La tendencia de un cine original siempre ha estado de moda. Es, finalmente, el último logro que alguien busca, la originalidad, el sello. Abrams ha logrado generar productos que han ido revolucionando la forma de ver como se cuenta una historia, al menos en la televisión. En estos tiempos en que el cine se ha saturado de secuelas, remakes, reelaboración de personajes, producir una cinta que trate de darle un giro al género se agradece.

Pero aqui no hay mucho de originalidad, y más bien un compilado de lo mismo. Referencias hay a montones, solo es cuestión de abrir bien los ojos.

Tal vez a Abrams le salga mejor el proyecto de reelaborar Star Trek. Por el momento, el dominio que ha mantenido en la televisión no llegará al cine... al menos, no todavía.

Ask Men





Los conteos de cada año por lo general no terminan hasta principios de Abril. A veces justificados. Repito, cada conteo es un punto de vista... nada mas...



Pero el tan esperado conteo de las 99 mujeres más hermosas del año de la "refinada" revista Askmen, ha dejado a mas de uno con las cejas levantadas



Algunas posiciones que alcance a ver, casi al azar fueron:



En el lugar 30, Alicia Keys



En el 20, la modelo Bar Refaeli... una joya






















En el 12, Megan Fox






















En el segundo lugar, la cotizadisima modelo brasileña, Alessandra Ambrossio




Pero el primer lugar es absurdo.

Francamente absurdo.

No es ni una mujer exageradamente hermosa, ni con una carrera envidiable...
Pero es la nueva imagen de Meg Ryan... es la chica de las chik flik por excelencia.
Digo, no hay que ser tan misóginos, pensarán los del conteo de AskMen


El número 1...... es ella:







Mejor ni opino.
Abajo el link de la lista completa.

AskMen.com Top 99 Women

Zombie Rampage!

Muchos saben de mi fascinación, a veces obsesiva, por el cine gore... en especial el de zombies.
La justificación que tendría para tal gusto es muy extensa y a veces contradictoria.
Prometo que en este mismo espacio la pondre en los días por venir.

Entre las curiosidades que uno encuentra en Internet, cuando debería estar calculando el pago de impuestos, pero no le cuadra y quiere matar a alguien, encontre un simulador que te indica cuantas posibilidades tienes, en base a una serie de respuestas, de sobrevivir a un ataque de zombies.

En la imagen esta el link, para que quien quiera saber si es el primero en morir, el que muere en el momento menos preciso o el que muere al final de la película.

Creo que yo muero por la mitad... y por la mitad de cualquier película de zombies... la muerte es asquerosa y brutal. Salud

56%



Y si el cine de zombies o el género no es del agrado del respetable, el mismo vinculo contiene otras vanalidades para perder el tiempo...



138,805 People



$3825.00The Cadaver Calculator - Find out how much your body is worth.



56%

Half Time


Los monstruos de la caricatura de Nickelodeon "Ay, monstruos", tenían un concurso de surfing que solo se podía realizar un día, en la hora precisa y con el tiempo contado. Esos monstruos vivían en las coladeras de la ciudad. La carrera que se iniciaba en un acantilado comenzaba en el preciso momento en que el reloj llegaba a cero del segundo cuarto del Super Bowl. Es decir, la pausa del medio tiempo. ¿Porque? Porque justo en ese momento, todos los televidentes que se cuentan por millones, se levantan de sus asientos y van, por fin, al baño.... Sin llegar a ser más específicos, la referencia es muy atinada y en este caso, no podía ser más real.


El medio tiempo del Super Bowl XLII fue para muchos un alivio. Para otros una tortura. Personalmente, fue la pura tranquilidad. Respire de nuevo, me movi de nuevo, deje de sudar y pude distraerme con el agradable Tom Petty.



Nada me habría preparado para lo que me esperaba. Quince minutos, inicialmente de pura locura.


Ver el Super Bowl con alguien que se aficionado a alguno de los equipos que lo compiten, puede ser muy divertido o una amaga pesadilla, para ambas partes.


Me parecia sospechoso, misterioso y hasta increíble que en verdad existieran personas que eran fanaticas a ese equipo de ratas llamado New England. Pero los había. Y esta vez, tan cercanos a su temporada perfecta, a autoproclamarse el mejor equipo de la historia, se volvieron insoportables.

Ya saboreaban el trofeo Vince Lombardi. Ya gritaban ser los mejores en la historia de todos los deportes. Postulaban al tal Brady como presidente o como papa o como lo que se les ocurriera en la mente. Y faltando menos de 3 minutos en el reloj, del último cuarto, a 90 segundos de llegar a la ansiada meta, parecía que la perfección era justo lo que obtendrían. Nadie pensaba que los poco experimentados Giants de New York podrían revertir el engañoso pero pesado marcador de 14-10. Nadie creía que un QB como Eli Manning podría soportar la presión y comentería sus muy frecuentes errores. Pero en algun momento nadie pensaba que la Tierra era redonda.


Y esos 90 segundos que para quienes deseabamos con todo el corazón que los Giants consumarán el llamado milagro pasaban como 9 segundos. Para aquellos que se inclinaban por los Pats, fueron una eternidad.

Lo que parecía auntenticamente imposible, en especial contra la supuestamente perfecta defensiva de New England, poco a poco parecía una posibilidad. Esos fanaticos de New England hablaban menos y sudaban mas. Ya no sonreían como lo hacían cuando el marcador estaba a su favor. Y conforme ese equipo que subestimaron (como lo hicieron contra todos los que jugaron) se acercaba más y más. Y el tiempo se agotaba lentamente.



Entonces sucedio. Primero, la espectacular jugada que parecía el final para los Giants. Manning atrapado entre oponentes y compañeros, cerca de caer, sale de todos para lanzar un pase muy elevado que el receptor atrapo con las manos y el casco. Segundos después, la parabola de Manning al lesionado Plaxico Burress que provoco la sorpresa de propios y extraños. Esa atrapada significaba la delantera y el tiempo marcaba 35 segundos. Esa atrapada significaba la victoria. Pero esa atrapada, esa anotación significo mucho más que solo el Super Bowl XLII.


Significo, en pocas palabras, justicia divina. No puedo asegurar que los Giants se vieron favorecidos por algo encima de mi entendimiento, por alguna fuerza divina o algo asi. Pero si aseguro que los Pats se vieron malditos por su soberbia. Que no solo aparecio en este año, que llegaban invictos al gran partido. Es una soberbia que traen desde inicios de la década. Desde, efectivamente, aquella super dudosa victoria que obtuvieron contra los Raiders de Oakland.


No soy fanatico de los Giants, en lo absoluto. Pero faltando 39 segundos, todo mi corazon estaba en esa jugada. Y no recuerdo haber saltado tan emocionado desde hace mucho tiempo. Para mi no ganaron los Giants. Perdieron los Rats. Por fin, lo vivi, lo grite y lo disfrute.



Uno de los mejores juegos que he visto en mi vida, en la historia de ese deporte.


Si existe un Dios del deporte, o uno en general, el domingo 4 de febrero de 2008, se acordo de este deporte, al cual había olvidado varios años ya.















Y solo para recordarlo o atesorarlo, el siguiente video fue grabado desde la tribuna, en esos últimos segundos de ese gran partido.


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